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Con questo film Godard lanciava il cinema d'autore: il regista esprime se stesso di fronte al pubblico, le proprie opinioni e le proprie sensazioni.

Vivre sa vie (1962) è un ritratto femminile con il quale matura anche la tecnica del regista, che propende sempre più verso il "documento": una obiettiva registrazione di eventi (non spiegati) che ricorda Apollinaire quando compilava liste di nomi ed estratti di conversazione e che segna un netto abbandono della figura del regista com'era stata cristallizzata da Melies (il magico signore dell'immaginazione).

La protagonista (Karina) è una provinciale con un figlio illegittimo a carico che lavora come commessa a Parigi, ma senza riuscire a guadagnare abbastanza da vivere; abbordata per strada, si concede per inerzia; introdotta nel giro della prostituzione, diventa in breve una professionista, ma finisce uccisa in una sparatoria fra bande rivali. L'eroina questa volta non è una cinica nichilista per convinzione, è il prodotto di una società alienante e spietata, nella quale i valori non hanno più alcun senso.

Le Petit Soldat (1960) è il primo di una serie di apologhi politici. Un disertore francese con velleità marxiste viene catturato e torturato dai partigiani algerini (che leggono Mao e Lenin) e nel frattempo la sua ragazza viene catturata e torturata a morte dai francesi. Il thriller fantapolitico alla Hitchcock è un pretesto per mettere in scena l'agonia di un altro come randagio, fondamentalmente anarchico, indifferente alla politica, che entra, volente o nolente, in conflitto con l'ordine sociale e ovviamente soccombe. Godard's classic traits: mesmerizing photography, jump cuts, location shootings, the automobile, literary references. The action is narrated by Bruno. The plot is ridiculously inarticulate and implausible. Most of the "action" is just the protagonist reminiscing on the events that led to the action (the assassination and the death of Veronica, which is not even explained).

Le Mepris/ Contempt (1963), tratto da un racconto di Moravia, e` imperniato attorno alla realizzazione di un nuovo film del celebre regista Fritz Lang. Lang interpreta Lang e Godard interpreta il suo assistente.

Les Carabiniers (1963) è il secondo apologo politico di Godard. Due sottoproletari di una bidonville si arruolano nei carabinieri sperando di conquistare un ricco bottino di guerra; non lesinano sforzi per vincere battaglie e saccheggiare i vinti, ma alla fine della guerra si ritrovano con un pugno di mosche e vengono uccisi dagli stessi carabinieri.

Anche nella fiaba Godard applica il procedimento della "registrazione di eventi" ma, essendo questi immaginari, il risultato è metà dadaista e metà brechtiano; spira un'aria di sadica goliardica della retorica bellica; la vicenda è svuotata di ogni contenuto emozionale. Inoltre Godard perfeziona i suoi discorsi sul poter del mezzo cinema (un soldato salta dentro lo schermo per afferrare l'immagine di una ragazza nuda).

Alphaville (1965) is a futuristic parable on the consumeristic society, on the loss of moral values, post-industrial dehumanization, on dystopian alienation. In a sense, it is the Marxist version of Orwell's "1984". Godard's technique of juxtaposing and mixing B-genre revisitation and philosophical meditation is at its best. Like all Godard's films, it tends to be too verbose, more philosophy than cinema, and more preaching than art, but here they harmonize better than ever. The parable is often laughable (the scientist's name used to be Nosferatu and is now Vonbraun, the same last name as the German scientist who designed rockets for Hitler and then took the USA to the moon).
As a visionary, Godard is an absolute amateur. People in the future live like pretty much in the 1960s: same cars, same cclotheolothes, same furniture, same cigarettes, same appliances, same weapons, same elevators (sometimes only stairs) even the same neon lights. The setting looks more like a parody of American hard-boiled detective film-noirs of the 1940s, and the protagonist looks like a parody of Humphrey Bogart.

Masculin Feminin (1966) è un altro apologo politico (questa volta su un adolescente che esplora il mondo femminile e discute di politica con un amico) con il solito finale disperato (la morte del protagonista).

Made in USA (1966) ribalta invece la situazione: una giornalista dà la caccia agli assassini di un comunista finchè li scova e li giustizia, smascherando al tempo stesso una società in cui la violenza più efferata alligna dietro i cartelloni pubblicitari.

Godard veniva progressivamente coinvolto nel dibattito ideologico che travagliava la Francia gollista e nel generazionalismo dei campus americani. Pur rifiutando ogni attivismo e affermando più volte il suo scetticismo sulle personalità rivoluzionarie della società americana.

Band A Part/ Band of Outsiders (1964) e` il suo capolavoro d'atmosfera.

Une Femme Mariè (1964), un altro ritratto femminile, compie un passo avanti nel definire la teoria godardiana dell'immagine: il cinema è realtà e finzione al tempo stesso, la trama è frammentata in spezzoni eterogenei (scene sensazionali, interviste etnologiche, monologhi interiori, dibattiti sociologici), l'immagine è l'oggetto dei suoi film (manifesti pubblicitari, quadri, spezzoni di film, fotografie, fumetti). In tal modo Godard rompe con la tradizione francese e si avvicina all'avanguardia pop.

Une femme mariè racconta una giornata di una donna che è la moglie di un pilota e l'amante di un attore. L'alienazione rientra nella casistica degli eroi neutri di Godard, individualisti più o meno cinici e nichilisti schiacciati dall'ordine sociale: pigra, diffidente, bugiarda, conscia della caducità delle cose, confusa e incerta. Questa adultera (la cui condizione è stata descritta da un lungo elenco di fatti) sa di essere incinta ma non sa di chi e prima di rivelare il suo stato vuol capire quale dei due ama.

Pierrot Le Fou (1965) è il punto di massima identificazione fra critica dell'immagine e critica della società dell'immagine raggiunto da Godard. La dissoluzione della trama della pirotecnica parodia dei generi classici aggredisce anche il consumismo e l'alienazione. L'eroe è ancora un alienato votato all'autodistruzione (simile a quello di A Bout De Soufle/ Breathless), un giovane sposato (Belmondo) che lavora alla pubblicità televisiva e che cerca di evadere dalla routine della fabbricazione delle immagini artificiali attraverso l'arte (legge libri di pittua e perfino fumetti), attraverso l'amore passionale con una gangster (Karina), attraverso il crimine (picchiano, rubano, uccidono) e attraverso il viaggio (fuggono sulla Côte d'Azùr). Ma lei si sta stancando e lui è ancora insoddisfatto; i banditi la rapiscono, forse con l'assenso della rapita, che alla fine sceglie di restare con il loro capo; Belmondo cerca di riprendersela con le armi, ma finisce invece per ucciderla; disperato, si trucca da clown, si lega una cintura di dinamite attorno alla testa e dà fuoco alla miccia.

Deux Ou Trois Choses Qu'Je Sais D'Elle (1966) procede nella direzione ideologica di una denuncia del capitalismo; il film abbandona una struttura puramente astratta per assumere qualità brechtiane di critica e riflessione politica. Il film racconta la vita nei quartieri popolari di Parigi di una donna, madre di famiglia, che d'accordo con il marito meccanico decide di prostituirsi per arrotondare le entrate familiari che non permettono tutta una serie di spese consumistiche.

Godard intrattiene il pubblico con i suoi pamphlet sociologici, girati a ruota libera attorno al tema della crisi della società occidentale.

La definitiva ideologizzazione del cinema di Godard avviene con i film del 1977.

La Chinoise è la storia di cinque studenti d'estrazione piccolo borghese con velleità maoiste. Passano le vacanze estive in un appartamento, gestiscono con rigore una cellula eversiva, soprattutto discutono. Dalla teoria alla pratica si prepara un attentato: incaricata ne è una ragazza, che però sbaglia bersaglio e uccide due innocenti, mentre uno dei suoi compagni si suicida e lascia una lettera in cui si accusa del delitto. Le vacanze sono finite, il gruppo si scioglie, ognuno torna alla sua vita.
Reportage-farsa-collage sul vitalismo angosciato dei giovani intellettuali, sulla confusione mentale delle vittime della società capitalista che cercano goffamente di emanciparsi, La chinoise si avvale di una precisione d'immagine quasi virtuosistica.

Weekend (1967), un'altra slapstick sul costume sulla falsariga di Deux ou trois choses..., se la prende con la civiltà dell'automobile e con l'ipocrisia e la ferocia dei nuovi borghesi.

Il film perde pero` ritmo nella seconda parte, troppo parlata e troppo simbolista. L'effetto shock costruito dalle distese di rottami d'auto nella prima parte non viene sfruttato per costruire una narrazione, ma per imbastire un discorso didascalico da predicatore ambulante.

8. Tout va bien

Il Maggio parigino trova Godard in prima linea. Il regista compie persino il gesto storico di ripudiare il cinema d'autore, considerato ora aristocratico e borghese. Formula il piano di un cinema materialista al servizio della rivoluzione, rende omaggio ai maestri sovietici, gira film agit-prop in tutta Europa e saggi verbosi che riassumono i temi (a volte puerili e di cattivo gusto) delle assemblee universitarie. Novello Vertov, si getta anima e corpo nella nuova impresa, facendo arrossire di vergogna i compagni di strada della nouvelle vague da tempo convertiti al cinema di consumo. La crisi del movimento si traduce però anche in una crisi personale di Godard, che per parecchi mesi si chiude in un cupo isolamento.

Ne esce con Tout va bien (1972), che esamina proprio la condizione dell'intellettuale alle prese con il clima di restaurazione: un cineasta (Montand) e sua moglie, una giornalista americana (Fonda), restano bloccati in una fabbrica in lotta e assistono alle trattative e alle assemblee.

9. Numèro deux

Negli anni Settanta Godard tenta di definire una nuova tecnica cinematografica che prevede l'impiego di metodi amatoriali (super8, videoregistratori) e professionali.

Numèro deux (1975) è un'altra cronaca sarcastica e allucinante (alla Week-end) di una giornata di una famiglia borghese condizionata dai miti consumisti: incomunicabilità, impotenza, crisi d'identità.

Sauve qui peut (1979) riprende il discorso sulla mercificazione dell'individuo nella società consumista: una donna vuole abbandonare la televisione e andare a lavorare in una fattoria, un'altra (Huppert) è una contadina ora prostituta che ne prende l'appartamento cittadino, il protagonista muore in un incidente d'auto.

Passion (1982) racconta i fatti privati di una troupe in procinto di girare un film alloggiata nell'hotel di Hanna Schygulla insoddisfatta; in margine alle riprese si svolge la lotta politica di una ragazza (Huppert) licenziata dalla vicina fabbrica; sospeso il film, il regista lascia le due donne e si mette in viaggio con una cameriera spensierata.

Prènom (1983) è la storia, casual e sincopata, di una Carmen moderna, che inscena le registrazioni di un film per rapire un industriale mentre un poliziotto la segue perchè se ne è innamorato; il giorno del colpo però lui tradisce il gruppo e la uccide.

Detective (1985) intreccia quattro vicende di un milieu all'americana (mafia, grand hotel, detective etc.) con sparatoria catarchica: due detective indagano su un omicidio, incontrano un organizzatore di incontri di boxe che deve loro dei soldi ed è nei guai anche con la mafia, il suo pupillo è la grande speranza ma la mafia si scatena proprio prima dell'incontro e proprio quando i detective hanno risolto il loro mistero; muoiono quasi tutti.

Je vous salue Marie (1984) trasfigurazione in chiave moderna della divina concezione di Gesù.

Grandeur et decadence d'un petit commerce de cinema (1986), detective- film: un regista vuole girare un poliziesco tratto da un romanzo giallo, ma incappa in una serie di omicidi che hanno per obiettivo il film stesso.

King Lear (1989) è una libera parafrasi della tragedia: un discendente di Shakespeare alloggia in un hotel postmodernista frequentato anche da un boss mafioso e da sua figlia che si scambiano battute tratte dal vero Lear; scherzo d'alta classe.

Nel suo insieme l'opera di Godard costituisce un imponente trattato sociopolitico sulla società francese da de Gaulle a Mitterand.

Il suo cinema è fortemente autobiografico, preferisce la forma dell'apologo e ha imposto un approccio "convenzionale" al rapporto fra autore e pubblico.

In the 1950's Jean-Luc Godard achieved notoriety as a scathing critic and a veteran cinemaphile. He had already directed some shorts prior to A Bout de Souffle/ Breathless (1959). Although a new generation of filmmakers at the time had boasted of already achieving world-wide recognition from the likes of Chabrol, Truffaut, Resnais, and Varda, it was this work of Godard that blazed a new style and was considered the manifesto of Nouvelle Vague. With this film Godard assumed the most radical position within the movement. It was a film made with little means but tremendous passion, an essential film that was uniquely and deliberately crafted, a film that inspired all of Hollywood in the 1950's, and an agressive, provocative, non-conformist film that at the same time was tender and romantic.

Jean Paul Belmondo is a gangster who leaves the Côte d'Azùr to pick up a stash of money in Paris. Along the way, he lands into trouble and defends himself by killing a policeman. In Paris, he rekindles a fling with his American lover (who suffers a crisis of her own) and under the constant threat of the police he searches for his Parisian contact to claim his money. After he collects his cash, he decides to flee with his lover, but she declares that she doesn't love him and turns him into the police who then kill him. The film is packed with classic models of French Cinema: film noir (a criminal condemned by fate), existentialism (crisis of sentiments), and the detective story. The protagonist is cynical and restless and Godard adapts a style that captures those characteristics. In general Godard tends to visually represent his protagonist's flow of consciousness. A destructive element throughout the film comes from the structure of trauma;the characters don't act according to the logic of motivation and the protagonist in particular is a nihilist who refutes everything of value.