Una Historia de la Musica Rock

por piero scaruffi

(Traducido por David Medina)

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Rock progresivo 1968-72

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La "emigración" de la música rock desde los Estados Unidos hasta Gran Bretaña no sólo fue benéfica sino fundamental para el desarrollo y la propagación del nuevo género.
Antes que nada, la música rock era digerida por la industria británica de la "moda", la cual no transformó en una mercancía bien publicitada e icónica, generando así un fenómeno de ventas masivas como los Beatles. En la Gran Bretaña la música rock se convirtió en una "tendencia" cuando en los Estados Unidos seguía siendo, principalmente, un fenómeno subterráneo y culto (ocasionalmente tabú), boicoteado por las principales casas disquera y la audiencia (puritana) de clase media. Los medios británicos pusieron a la música rock de moda. Si la música rock hubiera permanecido como la música de Dylan, Fugs, Zappa y Velvet Underground, hubiera quedado como un fenómeno cultural con un alto impacto, capaz de producir obras maestras artísticas y generando debates intelectuales, pero, más que otra cosa, nunca hubiera capturado la imaginación de las masas en la forma en que lo hizo durante finales de los 1960s. En los Estados Unidos, la música rock había sido percibida como un evento revolucionario, bastante relacionado a la brecha generacional (entre la generación "grande" y la generación "hippy") y a la brecha ideológica (entre las instituciones y lo subterráneo). En la Gran Bretaña, la música rock, mientras que no renegaba en esas premisas, las había transformado de modo que se volvieron iconos populares, comparables a la minifalda y al cabello largo, iconos que no solo apelarían a los "delincuentes" juveniles sino también a las masas burguesas. En otras palabras, la música rock los Estados Unidos era antagonista, hostil, en conflicto, mientras que en Gran Bretaña, la música rock hizo las paces con toda la sociedad. De esta forma se convirtió en una mercancía, destinada a convertirse, como las películas, en una de las artes que ejercían la más fuerte influencia en las costumbres al final del siglo.

La "Invasión Británica" también trajo un beneficio artístico la música rock. Desde el inicio, los músicos británicos eran menos "literales" en su interpretación del canon del rockíníroll (menos arraigado en country y blues). Más adelante, los músicos británicos empezaron a insertar en el espíritu del rockíníroll los temas artísticos, políticos y filosóficos de las culturas europeas (como había sucedido con el cine). Zappa y los Fugs habían simplemente ridiculizado el estilo de vida estadounidense; los Velvet Underground y los Jefferson Airplane habían simplemente experimentado con sustancias alucinógenas; y Bob Dylan habían simplemente luchado por la injusticia política y social; pero los músicos británicos no tenían (o querían) que luchar por esas ideas y se transfiguraron en un mensaje universal que se relacionaba con la vida diaria de las personas por todo el mundo (occidental). Para los músicos estadounidenses, el rock era el medio, no el mensaje. Para los músicos británicos, el rock se convirtió en el mensaje.

El más notable en este proceso de "des contextualización" de la música rock fue el proceso que llevó al rock progresivo, cuyo objetivo no era comentar acerca de los cultura juvenil, sino simplemente ofrecer innovaciones técnicas. El rock progresivo (música rock que estaban emancipada del formato tradicional de la canción, in exclamar diferentes técnicas, géneros y aún ritmos dentro de extensas y cerebrales piezas de música) fue obviamente una evolución de las excentricidades del rock psicodélico, pero ya no estaba relacionado a una práctica social. El artista se desacopló de la audiencia, y el rol tradicional del artista occidental (distinto de su audiencia) fue reintroducido. La música rock había sido el diario de la juventud estadounidense. En Gran Bretaña, se convirtió en el equivalente de un ensayo.

Similarmente, los cantantes de folk empezaron enfocarse en temas introvertidos, más cercanos a los temas de la poesía moderna y la filosofía. La sátira musical fue redirigida hacia la naturaleza psicológica del dadaísmo, surrealismo y expresionismo Y así sucesivamente.

La música rock regresó a los Estados Unidos como una especie completamente mutada. El fenómeno original de "raíces" (grass-roots), iniciado en miles de cocheras por muchachos iletrados, gradualmente se convirtió en una disciplina intelectual practicada por alumnos universitarios quienes pertenecían a escuelas y movimientos artísticos. En otras palabras, arte "superior".

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Por último pero no menos importante, el rock británico internacionalizó el rock'n'roll, un fenómeno fundamentalmente estadounidense. Los músicos británicos le quitaron lo estadounidense de modo que pudiera trascender a la sociedad de los Estados Unidos (distinto a, por ejemplo, la música country, que permanecería relacionada de cerca a los Estados Unidos).

Técnicamente hablando, alguien podría argumentar que el rock progresivo empezó en 1967 con Cream y Nice, es decir los grupos que reaccionaron en contra del pop simple, melódico y de tres minutos de los Beatles. Pero una definición más estricta, una que considera la ambición y la pretensión, llevaría la fecha de nacimiento hacia el S.F de Pretty Things. Sorrow (1968) y Tommy de los Who (1969), respectivamente la primera y la más famosa de las óperas rock. Los prodromos del rock progresivo estaban también visibles en Odyssey & Oracle de los Zombies (1968), y Ogden's Nut Gone Flake de los Small Faces (1968), los cuales eran álbumes conceptuales lanzados por miembros de la vieja guardia.

Muchas de estas bandas tenían sus raíces en la música blues. Pero, igual que con el rock psicodélico, rock progresivo era otro caso de la música rock siendo redefinida por el espíritu de la música jazz. La improvisación jugaba un rol menor en el rock progresivo (y así era, después de todo, la línea divisoria entre el rock psicodélico y el rock progresivo) pero la construcción de canciones y especialmente "suites" reflejaban los experimentos elaborados, adornados, orientados hacerlo virtuoso y de forma relativamente libre de la música jazz post-bop. El rock progresivo tenía demasiada "estructura" relacionada con el free jazz, pero tenía suficiente "libertad" para ser relacionada con el jazz progresivo inventado por Miles Davis y Charles Mingus, y, mucho más antes, Duke Ellington. El rock progresivo era el encuentro de dos mentes: La tradición europea de música clásica imponiendo orden en la tradición estadounidense de la música jazz.

Los padres fundadores

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Las bandas que nutrieron al rock progresivo a través de las primeras etapas eran Traffic, Jeff Beck, Family, Jethro Tull, Genesis; mientras que King Crimson, Yes y Van Der Graaf Generator representaron al género en su ápice.

El niño prodigio Steve Winwood, quien ya había escrito (vocales, órgano y composición) Gimme Some Loving de Spencer Davis Group (1966), un himno gospel febril, formó Traffic (2), el cual debutó con un álbum quintaesencia de la psicodelia, Mr Fantasy (1967), pero pronto se convertiría en la fuerza principal en el estilo fusión que unía el folk, blues, soul y el jazz. Si sus sesiones nunca fueron demasiado emocionantes (reminiscencias de la música lounge aunque en una forma inteligente), ellos definieron un tipo de contrapunto en base al timbre que básicamente cambió todo el concepto de la "sesión" (impresionista en vez de emocional) y se transformó en el equivalente en el rock de la música de cámara. Dear Mr. Fantasy (1967) y Glad (1970) fueron sus "frescos" más exitosos, pero la colaboración de Winwood con Eric Clapton, Blind Faith (1969), acreditada a Blind Faith (1), fue quizás el mejor Traffic que haya habido.

Posiblemente el guitarrista más influyente en la historia de la música rock, Jeff Beck (2) era el hombre quien (como miembro de los Yardbirds) divulgó la ciencia de la distorsión y el feedback. El grupo que había formado con el pianista Nicky Hopkins, el bajista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart grabaron Truth (1968), el cual virtualmente inventó el hard-rock un año antes que Led Zeppelin. Sin embargo, su obra maestra es probablemente la fusión jazz instrumental tour de force de Blow By Blow (1975).

Jethro Tull (2) hizo una revisión a las tradiciones blues y folk traditions enfocarse en la voz y la flauta de Ian Anderson, quien era inspirado por juglares medievales y por el grande del jazz Roland Kirk. Stand Up (1969) es el álbum que definió su folk-rock elegante, ecléctico y con toque de jazz. Aqualung (1971), por otro lado, era indulgente en los riffs del hard-rock y ritmos ponderados, reinventando la banda en los tiempos de Led Zeppelin.

Family (14) probablemente produjo la mejor amalgama de blues-rock, rock psicodélico y rock progresivo, así abarcando tres eras fundamentales de la música británica. Con la jactancia del grito ronco de Roger Chapman, uno de los mas grandes vocalistas de rock de todos los tiempos, y una sofisticada dinámica de guitarra, saxofon y violín, los Family tomaron del rhythm'n'blues, el music-hall, la música clásica y acid-rock de San Francisco para el arreglo de su obra maestra, Music In A Doll's House (1968). La confluencia de disonancias, pasos raga, metales de soul, pasajes musicales a la Hendrix y florecimientos orquestales crearon un carrusel de experimentos sonoros. Las canciones en Family Entertainment (1969) eran más cohesivas y rockeaban "mas duro". El modo, que había sido surreal y pastoral, se convirtió en tenso y angustioso. Su sonido alcanzó el éxtasis barroco de Fearless (1971), protagonizando el nuevo bajista/violinista John Wetton, Bandstand (1972) y It's Only A Movie (1973), álbumes que, mientras se arraigaron sólidamente en el rock'n'roll y el rhythm'n'blues, y respetuoso al formato de la canción, apenas relacionado al resto del rock progresivo.

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Genesis (2) actualizó un género clásico de easy-listening, la sofisticada balada pop, a los arreglos cerebrales y dinámicas torcidas del rock progresivo. La más teatral de las bandas del rock progresivo, Genesis ajustaba sus melodramas musicales con una coreografía centrada en el vocalista y mimo Peter Gabriel. Trespass (1970) y Nursery Crime (1971) fueron los álbumes que codificaron su arte: música folk intelectual que recordaba al repertorio de hadas madrinas y mitos, pero estirado en narrativas no-lineares y arreglados con la gracia y timbre de la música de cámara. Su punto de referencia era el poema sinfónico, el cual de hecho es el objetivo de suites colosales y pedantes que continuaron, Supper Is Ready (1972) y Firth Of Fifth (1973). Genesis después se convirtió hacia la melodía con la ópera rock monumental The Lamb Lies Down On Broadway (1974), el cual permanece como lo más representativo (para bien y para mal) de su carrera. El baterista Phil Collins eventualmente llevaría a la banda a la máquina de los éxitos dance-pop. Para ese entonces, Gabriel ya se había lanzado en su carrera solista.

El lanzamiento de In The Court Of The Crimson King (1969), el álbum debut de King Crimson (14), proclamó la época dorada del rock progresivo. El sonido magnilocuente y sinfónico del mellotron de Ian McDonald los colocó en el movimiento neo-clásico de Nice, Moody Blues y Procol Harum, pero las armonías psicodélicas, las visiones medievales, la atmósfera gótica y el patetismo romántico de la canción que da nombre al álbum y Epitaph que definitivamente los pusieron aparte. Lo que el guitarrista Robert Fripp y el bajista Greg Lake escribieron fueron baladas majestuosas, no transcripciones de música clásica. Moonchild era un poema abstracto y futurista en el cual la melodía era menos importante que el panorama sonoro, y la sesión violenta, sincopada y distorsionada de 21st Century Schizoid Man inventaron una nueva forma de colocar la neurosis en la música. In The Wake Of Poseydon (1970) exploró más adelante las mismas ideas, aumentando el grado de melodrama y la cantidad de efectos de sonido, y Formentera Lady (1971) fue el definitivo tour de force de la banda. King Crimson había volteado de cabeza al rock'n'roll, repudiando la forma salvaje y manteniendo el contenido emocional al mismo tiempo. Cuando el baterista de Yes, Bill Bruford, y el bajista de Family, John Wetton, se unieron a Fripp para una nueva y más orientada al jazz edición de la banda, el sonido viró hacia composiciones ásperas, estridentes y enrolladas tales como Lark's Tongues In Aspic (1973) y álbumes cerebrales, crípticos y virtuosos tales como Red (1974). La tercera edición de King Crimson, con el guitarrista Adrian Belew y el bajista Tony Levin, adoptó una estancia aún más intelectual en composiciones tales como Sheltering Sky (1981). Robert Fripp (3) nunca dejó de grabar música estimulante. Dos colaboraciones con Brian Eno, notablemente No Pussyfooting (1973), muchos álbumes solistas, notablemente Exposure (1979), el manifiesto de su "frippertronics", dos colaboraciones con el guitarrista de Police Andy Summers, notablemente I Advance Masked (1982), una colaboración con David Sylvian, The First Day (1993), eran solo la punta del iceberg.

Van Der Graaf Generator (12) eran en muchas formas la banda más original del primer rock progresivo. Su sonido (ya de por sí único por ser conducidos por saxofones y teclados, no guitarras) no podía ser fácilmente relacionado con los arquetipos del folk, blues, rock o jazz, a pesar del hecho que contenía elementos de todos ellos. Su énfasis en composiciones extensas era sobre el patetismo y el melodrama, como en el caso de King Crimson, pero también en miedo y vulnerabilidad. El grado de angustia era aumentado aun más por el pesimismo y claustrofobia de las letras de Peter Hammill, y por sus vocales agonizantes. Las torturas psicológicas de The Least We Can Do Is Wave To Each Other (1970), los poemas conmovedores y litúrgicos de H To He Who Am The Only One (1970), y las visiones yermas, terribles y delirantes de Pawn Hearts (1971) combinaba el vacío existencial y la pesadilla gótica. Hammill y sus secuaces habían inventado una nueva forma de expresar la angustia adolescente que había sido el combustible emocional del rock'n'roll desde el inicio.

Yes (12), posiblemente los músicos más consumados de la generación del rock progresivo, fueron también lo último en grandilocuencia y exhibicionismo. Su sonido nació de la fusión del pop, rock, folk, jazz y música clásica. Ellos tomaron ideas de los Nice, de la música del renacimiento y barroca, de las armonías vocales de Crosby Stills & Nash, del funk-jazz después de Davis, de las sesiones psicodélicas, y de melodías antiguas. Si la fusión no era única, la compostura glacial si lo era: Los álbumes de Yes sonaban más como experimentos científicos que como música de fiestas. The Yes Album (1971) introdujo su esquizofrenia: Yours Is No Disgrace y Starship Trooper buscaron la bravura instrumental laboriosa, mientras que I've Seen All Good People giraba alrededor de un estribillo pegajoso. Los intérpretes virtuosos (particularmente el baterista Bill Bruford y el tecladista Rick Wakeman) alcanzaron un grado de equilibrio sublime Fragile (1971), del cual Roundabout, South Side Of The Sky y Heart Of The Sunrise fluían como mecanismos de relojería. El ápice de la contradicción aparente de Yes (un estilo que era frígido y romántico a la vez) se alcanzó en Close To The Edge (1972), del cual Close To The Edge y And I And You eran fantasias complejas y densamente cromáticas, y la definición del "art-rock". Por el otro lado, las cuatro suites monumentales de Tales From Topographic Oceans (1973) probaron que las composiciones extensas requieren algo más que mero virtuosismo.

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Dos alineaciones que trabajaron para John Mayall generaron dos de las bandas más creativas del rock progresivo inicial. Colosseum (10) grabó Valentyne Suite (1969), cuya canción que le da titulo al álbum era una fantasmagoría de un solo lado de jazz, blues, música clásica y sonidos de hard-rock, brillantemente cromática y llena de lujo, una de las obras maestras del rock progresivo británico. Mark-Almond (2), el dúo formado por los músicos de John Mayall, Jon Mark (guitarra) y Johnny Almond (armonio), se especializaron en suites de un tipo diferente, melodiosas y relajadas, centradas en melodías folk-jazz, abarcando lounge-music y easy-listening, tales como The City (1971), en su primer álbum, y Sausalito Bay Suite (1972), en su segundo álbum.

Gótico, étnico y variaciones folk

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Un número de bandas progresivas introdujeron música oriental en sus sonidos psicodélicos y progresivos. Por ejemplo, East Of Eden, con Mercator Projected (1969), y Ian "Lemmy Kilmister" Willis' Sam Gopal, con Escalator (1969).

Sin embargo, ninguna banda alcanzó el grado de fusión étnica como los Third Ear Band (102) lo alcanzaron en Alchemy (1969), uno de los álbumes que inventaron la "world-music". Un ensamble de cámara acústico de (esencialmente) tablas, oboe, viola y violonchelo ejecutaban música india, medieval, estadounidense nativa, gitana, del Medio Oriente, minimalista, jazz, clásica y folk, todo dentro de la misma canción. Las cuatro suites en su segundo álbum, Third Ear Band (1970), llevaron la idea aún más lejos: las fuentes étnicas ya no podían ser reconocidas, y la música fluye a como una corriente de conciencia, una experiencia espiritual, un soñar despierto. Fuera de contexto, la música "third ear" está más cercana a la meditación budista que a la composición occidental. La banda fue igualmente exitosa en Macbeth (1972), que agregaba sonidos eléctricos y electrónicos a su guiso étnico.

Alrededor de 1970, siguiendo el éxito de Black Sabbath, un número de bandas introdujeron temas y atmósferas góticas dentro de estructuras innovadoras: High Tide II (1970) por High Tide (1), un clásico del rock gótico, una colección de bailes macabros llevados por el violín que enlazaban el acid-rock y el hard-rock; Sacrifice (1970) por Black Widow (1), el cual unía la suite jazz y clásica de Colosseum con, otra vez, armonías góticas; Death Walks Behind You (1970) por Atomic Rooster; Ceremony (1970) por Spooky Tooth (1), una misa rock arreglada por el compositor de vanguardia Pierre Henry, un concepto audaz que mezclaba la estética del art-rock con las vibraciones del hard-rock; y Quicksand Dream de Necromandus (1990), grabado en 1973 pero lanzado hasta después de 17 años.

El espíritu "progresivo" afectaba el renacimiento folk también. Después de todo, Pentangle ya había combinado el jazz y el folk, y la Incredible String Band ya había combinado el folk y el acid-rock. Otras bandas procedieron a preparar fusiones basadas en el folk. Mientras que ninguna banda tuvo la importancia de sus primeros, algunos álbumes sobresalen: Fantasia Lindum (1971) por Amazing Blondel, inspirado por baladas medievales y madrigales el renacimiento; Dando Shaft (1971) por Dando Shaft, el cual ofrecía quizás la fusión más competente folk-jazz; St Radigunds (1971) por Spirogyra, también inspirado por el folk y el jazz; First Utterance (1971) por la primer banda folk y psicodélica, Comus (1); y, el mejor de todos, Grave New World (1972) por los Strawbs (1), una misa psicodélica que mezclan la liturgia occidental y el raga indio.

La segunda generación

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Las bandas progresivas se habían multiplicado en la Gran Bretaña durante principios de los 1970s, pero sus álbumes teniendo tendencia de reciclar las más ideas una y otra vez, y frecuentemente con ostentación injustificada. Unas cuantas gemas, sin embargo, se podían encontrar: el barroco Quatermass (1970) por Quatermass (1); Galactic Zoo Dossier (1971) por Kingdom Come, una mezcla extraña de teclados electrónicos, rhythmíníblues y payasadas en el escenario de Arthur Brown; Phantasmagoria (1972) por Curved Air (1), cuyos arreglos barrocos eran agraciados por el violín (Darryl Way), sintetizadores (Francis Monkman) y vocales femeninas sensuales; Argus (1972) por Wishbone Ash (1), cuyas sesiones energéticas eran propulsadas por un ataque doble de guitarra.

El trío de bajo, batería y saxofón Back Door (1), dirigidos por el bajista Colin Hodgkinson, fue uno de las más originales unidades de jazz-rock instrumental. Su Back Door (1972) e indulgente en sesiones breves, agitadas e instrumentales en el borde entre el jazz, funk, soul, blues y hard-rock.

También originales eran: Las suites en cuatro movimientos de Jody Grind One Step On (1969); el concepto de su excepción de Julian's Treatment A Time Before This (1970); Titus Groan de Titus Groan (1970), con la suite Hall Of Bright Carvings; Ben de Ben (1971), conteniendo cuatro sesiones jazz-rock; el místicoThree Parts To My Soul de Dr Z (1971); Speech de Steamhammer (1972), con la suite Penumbra; la ópera electrónica jazz-rock improvisada Journey To The Center Of The Eye de Nektar (1972) y su suite melódica Remember the Future (1974).

Jade Warrior (5) empezó como una copia de King Crimson de segunda mano, distinguiéndose a sí mismos solo con el énfasis místico y étnico de Last Autumn's Dream (1972), pero subsecuentemente desarrollaron un sonido que no era narrativa sino pictórico en naturaleza, mientras que adoptaron los teclados electrónicos y enfocándose en el jazz-rock como su principal inspiración. Waves (1975) y Kites (1976), suites continuas que emplean muchos instrumentos y muchos estilos, llevaron al rock progresivo a su cúspide formal. Way Of The Sun (1978) era de hecho un nuevo género: música new-age hiper-arreglada. Más adelante la banda se convertiría a la música cósmica con la fría imaginería sonora de Images Of Dune (1984) y las tres suites celestiales 1985 coleccionadas en At Peace.

Quizás la más audaz (o, por lo menos, la más cerebral) fusión de jazz, rock y música clásica fue intentado por Gentle Giant (2), particularmente en Three Friends (1972) y In A Glass House (1973).

Emerson Lake & Palmer (1), formado por el tecladista original de Nice, Keith Emerson, el bajista original de King Crimson, Greg Lake, y el baterista original de Atomic Rooster, Carl Palmer, unos cuantos meses después el éxito de Crosby Stills & Nash, llevaron al rock progresivo hacia excesos técnicos que, básicamente, desintegraron cualquier mérito que la fusión jazz-clásica tenía. Esta arte ofuscadora funcionó bien con el album conceptual futurista/mitológico Tarkus (1971), aunque su pico tecnológico era quizás Karn Evil 9 (1973). Su música, aún más pretenciosa y grandilocuente, estaba fundada en un malentendido fundamental de lo que significaba ser "virtuoso".

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Los primeros tres álbumes grabados por Roxy Music (12) revolucionaron el rock progresivo y prepararon el camino para el new wave y el synth-pop. Los estilos de Pink Floyd (panorama sonoro surrealista), Soft Machine (jazz-rock), Traffic (sesiones armoniosas), Cream (virtuosidad), Led Zeppelin (escándalo y frenesí), King Crimson (énfasis y patetismo) y la vanguardia (minimalismo y cacofonía) se unieron en los bacanales inventivos de su álbum debut, Roxy Music (1972), el cual incluye el himno futurista Virginia Plain y muchas piezas de avant-rock alimentadas por la electrónica de Brian Eno. El canturreo vigoroso de Bryan Ferry se elevaba sin restricciones en For Your Pleasure (1973), que contiene la hipnótica bailable Bogus Man; y alcanzaba una calidad efusivamente emocional en Stranded (1973), cuyas baladas Mother Of Pearl y A Song For Europe mezclaban los temas del decadentismo y el existencialismo europeo con arreglos lujosos y producción de primer nivel. Love Is The Drug (1975) y álbumes subsecuentes simplemente venderían la idea en las discos.

Europa Continental

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El contagio del rock progresivo se extendió a la Europa continental: el rock progresivo claramente apelaba más a la audiencia "intelectual" de Europa más que el rock'n'roll lo hizo. El primer grupo de rock progresivo de Suecia fue Samla Mammas Manna (1), el cual debutó con Samla Mammas Manna (1971). Algarnas Tradgard (1) preparó las enigmáticas y extrañas suites orquestradas de Framtiden Ar Ett Svavande Skepp Forankrat I Forntiden (1972), una mezcla de sesiones de rock progresivo, enloquecimiento psicodélico y música de cámara exótica.

La banda de psicodelia y rock progresivo más famosa de Holanda era Focus (1), cuyo Moving Waves (1972) contiene el número novedoso rápido Hocus Pocus y la sesión colosal Eruption, su equivalente de Valentyne Suite de Colosseum. Pero la canción más excitante que emergiera de la escena próspera de Holanda fue Venus de Shocking Blue (1969), una canción delirante y sexy que sonaba a los ritmos febriles de Creedence Clearwater Revival.

Italia

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Italia incubó una de las escuelas más prolíficas del rock progresivo. Italia no tenía alguna tradición principal del rock. La escuela progresiva fue una consecuencia inesperada de dos fenómenos: un auge de músicos educados clásicamente y los disturbios estudiantiles del 1968. En 1969, Italia estaba inundada de jóvenes eruditos musicales que querían cambiar el mundo. Ellos se identificaban con la ideología de los hippies, pero retenían el lenguaje de Bach. El rock progresivo nació de esta contradicción. Los álbumes notables incluyen: la sinfonía Concerto Grosso #1 de New Trolls (1971), Storia di un Minuto de Premiata Forneria Marconi (1972), el concepto apocalíptico Ys de Il Balletto di Bronzo (1972), básicamente el producto intelectual del tecladista Gianni Leone, Passio Secundum Mattheum de Latte E Miele (1972), Darwin de Banco del Mutuo Soccorso (1) (1972), el psicodrama Concerto Delle Menti de Pholas Dactylus' (1973), la saga de ciencia ficción basada en Hammond Felona e Sorona de Le Orme (1973), el concepto sinfónico Contaminazione de Il Rovescio Della Medaglia (1973), Zarathustra de Museo Rosenbach (1973), con la suite epónima de cinco movimientos.
Precediendo a todos esos álbumes estaba proyecto de Antonio Bartoccetti, Jacula, que preparó la pesadilla gótica/decadente In Cauda Semper Stat Venenum (1969).

Un subgénero del rock progresivo italiano era el jazz-rock italiano, bien representado por álbumes tales como la pesadilla jazz-rock Palepoli de Osanna (1973), el ejercicio de jazz-rock de cámara Tilt de Arti & Mestieri (1974), y Genealogia de Perigeo (1974). Aktuala de Walter Maioli agregó sabores étnicos a las improvisaciones del jazz en su Aktuala (1973).

La más grande banda del jazz-rock era Area (1), lidereada por el vocalista Demetrio Stratos, uno de los cantantes más originales de su época, cuyo Arbeit Macht Frei (1973) unió letras de protesta, sesiones de jazz-rock, electrónica cruda, escalas del medio oriente, el gorjeo psicópata de Stratos. Mientras el grupo se desarrollaba hacia el extraño free-jazz de Caution Radiation Area (1974) y Maledetti (1976), Demetrio Stratos grabó álbumes experimentales enteramente dedicados a la voz humana tales como Metrodora (1976) y especialmente Cantare la Voce (1978).

Los últimos años del rock progresivo italiano dieron Gudrun de Pierrot Lunaire (1976), la idea original de Arturo Stalteri, Picchio Dal Pozzo de Picchio Dal Pozzo (1976), que se compara con la mejor de las imitaciones de Canterbury, Corte dei Miracoli de Corte dei Miracoli (1976), un tour de force de doble teclados, Dentro de La Bottega Dell'Arte (1977), que pone a la par hazaña instrumentales y melodías memorables, y Forse le Lucciole Non Si Amano Piu` de Locanda delle Fate (1977), un trabajo refinado que se mantiene como una especie de canto de cisne en el movimiento entero. Goblin se especializó en bandas sonoras para las películas de horror del director Dario Argento, particularmente Profondo Rosso (1975) y Suspiria (1977).

Francia

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El panorama francés del rock sinfónico estilo británico era menos vital que el italiano, pero un manojo de grupos desarrollaron nuevos subgéneros.

Magma de Christian Vander (12) debutó con su concepto de ciencia ficción en el ambicioso e ingenuo Magma (1970), tomando ideas del free-jazz y Gong, y perfeccionándolo en su primer obra maestra, Mekanik Destruktiw Kommandoh (1973), una ópera rock ecléctica e idiosincrásica que abarca una sorprendente variedad de estilos, desde Verdi hasta Frank Zappa. Kohntarkosz (1974) fue su mayor trabajo musical, inspirado principalmente por el jazz-rock de Mahavishnu Orchestra; y Udu Wudu (1976) fue más un desliz electrónico.

Red Noise escribió Sarcelles-Locheres (1971), destacando la suite instrumental de 19 minutos Sarcelles C'est L'Avenir, una ridícula combinación de demencia de los Fugs, el pop ruidos y satírico de Frank Zappa y jazz-rock de Soft Machine.

Jean-Claude Vannier (1) el arreglista de Historie De Melody Nelson de Serge Gainsbourg (1971), compuso otro álbum conceptual, el instrumental L'Enfant Assassin des Mouches (1972), que abarcaba la gama de collages de sonidos al rock sinfónico demencial, de música exuberante antigua de feria a la música easy-listening orquestal.

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Vangelis (13) dirigía Aphrodite's Child, un grupo de músicos griegos residiendo en Francia, cuyo póstumo 666 (1970) es una colección única de enfrentamientos mágicos, invocaciones satánicas y sesiones psicodélicas. Vangelis persiguió una carrera de suites instrumentales, majestuosas, melodramáticas (y cada vez más electrónicas), cuyo arquetipo fue L'Apocalypse Des Animaux (1973) y Heaven And Hell (1975). Especializándose en apoteosis orquestales, Vangelis sería celebrado por las bandas sonoras para películas. Uno de los pioneros y estrellas de la música new-age, regresaría con piezas más ambiciosas con Invisible Connections (1985) y The Mask (1985).

Estados Unidos

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En los Estados Unidos, un ímpetu tremendo al rock progresivo vino con Bitches Brew de Miles Davis (1969), un álbum que combinaba ritmos de soul e instrumentos rock electrónicamente amplificados. Uncle Meat de Frank Zappa (1969) fue la respuesta más competente (e irreverente) del rock a Miles Davis. El arreglista veterano de jazz Quincy Jones fue otro pionero del sort, combinando una sección de metales de jazz y ritmos de funk-rock en Walking In Space (1969).

Chicago (3) intentaron una fusión explosiva de metales de jazz y la guitarra del rock'n'roll en Chicago Transit Authority (1969), Chicago II (1970) y Chicago III (1971), cada uno de ellos un álbum doble, caracterizado por por la creatividad salvaje y a veces brutal.

Ten Wheel Drive, formado por el vocalista Genya Ravan (una voz parecida Janis Joplin), el tecladista Mike Zager y el guitarrista Aram Schefrin, fueron uno de los primeros grupos de fusión jazz-rock con una sección de metales, debutando con Construction #1 (1969).

Insect Trust (1) intentaron una super-fusión de jazz, blues, country y acid-rock algo entre las baladas sofisticadas de Blues Project y las sesiones demenciales de Captain Beefheart en Insect Trust (1968), y viró hacia el free-jazz en su segundo álbum, Hoboken Saturday Night (1970).

Gil Scott-Heron, un poeta y novelista quien transformó la música y precedió a la música rap con sus piezas habladas, buscó una fusión de jazz inspirada en Miles Davis, funk y rock (encima de sus letras de protesta inspiradas en Phil Ochs) en, por ejemplo, Pieces Of A Man (1971) y The Bottle (1973).

Dos bandas conducidas por violinistas eran notables: Flock (1), cuyo Truth (1969) fue una de la sesiones más completas de la época, dirigidos por Jerry Goodman (quien después se uniría a la Mahavishnu Orchestra); y It's A Beautiful Day (1), cuyo It's A Beautiful Day (1969) esparcía acid-rock con perfumes exóticos.

Joy Of Cooking (1), una de las primeras bandas dirigidas por músicas femeninas (cantautoras Terry Garthwaite y Toni Brown) y una de las primeras en manejar los asuntos feministas dentro de la música popular, lanzaron tres álbumes deleitosos, Joy Of Cooking (1971), Closer to the Ground (1971) y Castles (1972), que experimentaban con estructuras elásticas de la canción sobre una infraestructura de fusión de folk-jazz-blues relajado.

El así llamado "rock progresivo" (básicamente, toda la música rock que no era principalmente melódica) llamó a incorporar los estilos inventados por el jazz y la vanguardia clásica en el formato de los ensambles rítmicos eléctricos y electrónicos (la banda de rock), un programa que inconscientemente llevaba hacia la música interdisciplinaria y total, una ambición claramente visible en los estilísticos pastiches de Frank Zappa.

En 1970 Jimi Hendrix moría y Syd Barrett se retiraba. Una era había terminado. Pero sus semillas estaban plantadas.