Una Historia de la Musica Rock

por piero scaruffi

(Traducido por David Medina)

TM, ®, Copyright © 2008 David Medina & Piero Scaruffi All rights reserved.


Autor | Tabla de Contenidos

Para comprar el libro


Hard-rock (rock pesado) 1969-73

El hard-rock señaló, en muchas formas, el fin de los creativos 1960s. Dentro y alrededor de las ciudades de la contracultura, hard-rock se convirtió en una forma de afirmar una instancia militante menos "confrontacional". Musicalmente, el hard-rock era el punto final de una evolución del blues se había visto a los músicos blancos de clase media reinventar la música de los músicos negros esclavizados como un entretenimiento para la juventud occidental. El hard- rock seguía basado en el blues, como el rock'n'roll lo había sido, pero un tipo de música más rápida, más ruidosa y más fuerte, que enterraba el sufrimiento de la gente negra bajo miles de decibeles.

Se pueden encontrar los pródromos del hard-rock en bandas tales como Cream (Inglaterra), Blue Cheer (California) y Guess Who (Canada), que ya habían enfatizado la amplificación y centraban la canción alrededor del riff de guitarra. Y ellos eran ciertamente una influencia mayor para las bandas británicas que "inventaron" el hard-rock.

Sin embargo, Led Zeppelin (2), formado por el ex guitarrista de los Yardbirds Jimmy Page y el protegido de Alexis Korner, Robert Plant, fueron, antes que nada, hijos del blues. Sin embargo, las sesiones de Led Zeppelin I (1969) introducían un acercamiento histérico la música negra que aún los negros no había soñado(culminando en la cima epiléptica de Communication Breakdown). El sonido de Led Zeppelin en una extensión del blues eléctrico que se basaba en tres factores: un ritmo más rápido, casi frenético; un aullido fuerte y abrasador que casi parodiaba a los "gritones" negros y que tenía sobretonos psicóticos; y una guitarra poderosa tocando con gran imaginación con sobretonos místicos. El melodrama de canciones tales como Whole Lotta Love (1969) era roto continuamente por los riffs de la guitarra y vocales delirantes. Cream había tocado blues-rock como música cerebral: Led Zeppelin tocaba el blues-rock como música corporal. Desde Immigrant Song (1970) a In The Evening (1979), Led Zeppelin fueron principalmente una idea del rock'n'roll para una nueva clase de audiencia. Los elementos secundarios que se habían escapado en los primeros álbumes emergieron vigorosamente en Led Zeppelin IV (1971): When The Levee Breaks fue su canción más original (casi psicodélica) inspirada por la tradición folk, y Stairway To Heaven fue la combinación de su alter ego "suave" y espiritual.

Led Zeppelin se convirtió en el caso estudio de como un producto encuentro mercado sin la necesidad del mercadeo. La generación hippy había creado una demanda para la radio de forma libre (opuesta a la radio orientada hacia los éxitos) y por conciertos de estadios. Su música era completamente diferente de la música que esos radios y esos estadios habían estado tocando, pero se convirtieron en la música perfecta para maximizar el beneficio comercial de la radió libre y los conciertos de estadio.

El éxito de Led Zeppelin tuvo un impacto poderoso en la industria disquera: definió el álbum de larga duración como el medio del rock. Led Zeppelin nunca tuvo un "éxito" mayor en las listas, pero gobernaba las ondas de radio y los estadios. La industria disquera siguió la pista y empezó a promocionar álbumes más que canciones.

Detroit

TM, ®, Copyright © 2005 Piero Scaruffi All rights reserved

Otra fuente de vibraciones pesadas era Detroit. Detroit tenía los cuarteles de los elementos más extremos de la contracultura (por ejemplo, los White Panthers), pero, más en concreto, era la ciudad más industrial de los Estados Unidos. Así como los cantantes de folk había sido la voz natural de los intelectuales de Greenwich Village, y la música surf había sido la voz natural de la diversión en California, el Mersey-beat había sido la voz central de "swinging London" y el acid-rock había sido la voz natural de los hippies de San Francisco, un tipo de rock'n'roll feroz y ruidoso se convirtió en la voz natural de los obreros de Detroit y de sus hijos. Había algunos precedentes para el muro de gritos y riffs de Detroit (Blue Cheer en California era el más notable). El humilde Frost (1) le dio a la ciudad su manifiesto en Rock And Roll Music (1969).

MC5 (11), dirigido por el líder de los White Panther, John Sinclair, y por el guitarrista Wayne Kramer, representaba a la escena revolucionaria de los disturbios estudiantiles y usaban el rock and roll como un instrumento de protesta poderoso. Su sonido abarcaba la furia y el sarcasmo de los extremistas, sus letras desafiaban todos los estándar morales. Sus shows en vivo eran orgasmos salvajes y colectivos en los cuales la banda soltaba un una furia monstruosa y caótica en la audiencia. Kick Out The Jams (1969) permanece como uno de los álbumes más orgiásticos, aterradores y viscerales se hayan lanzado, bacanal grotesco de habilidades musicales atroces y primitivas, un asalto formidable en la realidad, el equivalente en el rock'n'roll de una explosión nuclear, sonaba como si el free-jazz y el acid-rock hubieran sido azotados salvajemente dentro de un acelerador de partículas. El hecho de que el siguiente, Back In The USA (1970), fuera tan inferior es prueba de que la obra maestra se debió al espíritus de una época completa y no de un grupo particular de músicos.

No menos salvajes, los Stooges (12) aparecieron con una proposición más musical. Stooges (1969) tomaron ideas de Chuck Berry, Rolling Stones, Velvet Underground y los Doors (riffs pesados, cantos obscenos, vocales libidinosas, guitarras distorsionadas) y lo llevaron al límite. We Will Fall era Doors' The End más el Velvet Underground's Venus In Furs. 1969, No Fun y I Wanna Be Your Dog fueron Chuck Berry's Sweet Little Sixteen más los Rolling Stones' Satisfaction más los Velvet Underground's Waiting For My Man. El atractivo sexual de Mick Jagger, de guitarra erótica de Jimi Hendrix, la perdición chamánica de Jim Morrison, los rituales degenerados de Lou Reed, encontraron en los Stooges un nuevo vehículo para una nueva generación, que ya no era idealista sino simplemente frustrada. The Stooges abrazaron la imagen del punk degenerado, y le llevaron a un nuevo nivel de realismo, dejando atrás los sobre tonos míticos de la era hippy, y regresando a sus dimensiones originales de desafío y vulgaridad. Así los Stooges alcanzaron una síntesis histórica de tanto estilos musicales y significados sociológicos. Fun House (1970), cuyo TV Eye virtualmente inventó el voodoobilly, y cuyo 1970 virtualmente inventó el punk-rock, continuaban la saga, mientras que Raw Power (1973) o hacia el tipo de glam-rock respetable es convertiría en la nueva carrera de su vocalista Iggy "Pop" Osterberg. Cada pedazo de la música de los Stooges era militante, aunque no hacían ninguna referencia a la política. Y cada pedazo de eso era pornográfico: cada nota, cada acorde, cada riff era un innuendo sexual. La mezcla de guitarras agresivas, vocales crudas y ritmos sólidos era un kamasutra sónico.

MC5 y los Stooges habían creado una nueva clase de rock'n'roll, una fundada en violencia extrema.

Del blues al hard-rock

TM, ®, Copyright © 2005 Piero Scaruffi All rights reserved

En Gran Bretaña, la forma "no política" del hard-rock generó la misma clase de reacción histérica que el Mersey-beat y el rock progresivo habían generado: docenas de bandas adoptaron el nuevo estilo con pocas o ninguna variación entre una y otra. Entre las menos predecibles estaban: Free, con el vocalista Paul Rodgers, y notable por el blues-rock visceral de All Right Now (1970) y Fire And Water (1970); Status Quo, cuya experiencia era en la psicodelia y el rock progresivo; Thin Lizzy, otra alineación de guitarra doble a` la Wishbone Ash; UFO, quienes fueron pioneros en el pop-metal, Uriah Heep, proveedores de atmósferas góticas y medievales; Slade, quienes unieron una imagen de holligans de la clase trabajadora con himnos pegajosos tales como Cum On Feel The Noise (1973).

Una versión pop y glam del hard-rock fue preparada por los escritores Nicky Chinn y Mike Chapman y por el productor Mickie Most, primero para Sweet, para quien escribieron Blockbuster (1972) y Ballroom Blitz (1973), y después con el grupo de Detroit Suzi Quatro, quienes lanzaron Can The Can (1973) y Devil Gate Drive (1974).

Las mejores dos bandas nacieron de las semillas de los Small Faces: Humble Pie, con Peter Frampton, y Faces (1), con el vocalista Rod Stewart y el guitarrista Ron Wood (ambos veteranos del Jeff Beck Group), cuyo A Nod Is As Good As A Wink To A Blind Horse (1971) permanece como uno de los ejemplos más vivos del soul-rock blanco.

Deep Purple (1), quienes empezaron como imitadores tardíos del rock progresivo y rock neoclásico, cuyo mejor ejemplo es Concerto for Group and Orchestra (1970) y el melodrama psicológico Child In Time (1970), se unió a las filas del hard-rock con los ataques de boogie supersónico de Machine Head (1972). A pesar de (o precisamente debido a) la técnica de guitarra altamente simplificada de Ritchie Blackmore, los excesos orgánicos de sus ejecuciones extensas se convirtieron en estereotipos del hard-rock.

Black Sabbath (2), una banda altamente influyente, más adelante deterioró el grado de habilidades requeridas para tocar el hard-rock, pero sus riffs distorsionados y florecientes, sus monstruosos grooves, sus ritmos marciales, su canto monótono y sus temas de horror, evocaban la visión de un universo futurista medieval, y pusieron los cimientos para el black metal y el doom-metal. Las proezas melódicas e instrumentales eran componentes despreciables de sus trabajos más típicos, Paranoid (1971) y Master Of Reality (1971). Ellos no fueron los inventores de la música gótica, pero ellos fueron los primeros en transformarla en un nuevo género. Ellos fueron el ataque final a los roqueros, hippies, cantautores y cualquier otro que valorara el contenido sobre la forma.

Queen (1) fueron los bufones del movimiento hard-rock. Tomaron ideas del rock progresivo, del music-hall (Killer Queen, 1974) y del gospel (Somebody to Love, 1976); Aplicaron técnicas de producción fantásticas en A Night At The Opera (1975), dignas de una opereta de Frank Zappa; Y se convertirían en la quintaesencia del rock "ostentoso" con los himnos de 1977 (We Are The Champions, We Will Rock You).

Bad Company, formado por el vocalista de Free, Paul Rodgers, tomaron prestado del boogie sureño y le agregaron un tono lascivo, por ejemplo en Bad Company (1974).

En Estados Unidos muy pocas bandas abrazaron el sonido violento de las bandas de Detroit. Básicamente, el hard-rock estadounidense era la contraparte americana del hard-rock británico. Y el componente de blues era, generalmente hablando, más fuerte. Los líderes eran: Mountain (2), el equivalente estadounidense de Cream, que unieron blues, hard-rock y rock psicodélico con el épico Nantucket Sleighride (1971) y la colección barroca Flowers Of Evil (1971); James Gang (1), el poderoso trío de James Walsh cuyo Rides Again (1970) traiciona la influencia del rock progresivo; Grand Funk Railroad (1), vulgares iletrados pero maestros del "groove", y aún militantes en E Pluribus Funk (1971); Montrose (1), cuyo clásico derivativo es Montrose (1973); Bachman-Turner Overdrive (1), guiados por el guitarrista original de Guess Who, influenciados por los Who y por el boogie sureño en álbumes como Not Fragile (1974); Heart (1), quienes intentaron una fusión de folk-rock y hard-rock antes de venderse con Heart (1985).

El sonido de la revolución que llegó fue domado muy rápidamente, y el hard-rock se convirtió en un mero entretenimiento para las masas.

Vals sureño

TM, ®, Copyright © 2005 Piero Scaruffi All rights reserved

Los estados sureños de los Estados Unidos desarrollaron su propia marca de vibraciones "pesadas", con raíces en las tradiciones del boogie y el honky-tonk de los salones, y capaces de mezclar el country, el blues y el soul con el rock'n'roll. "El rock sureño", lanzado a lo largo de la nación por ZZ Top y los Allman Brothers Band en 1970, se convirtió en casi un generó por sí mismo. Jacksonville (Florida) fue su epicentro, su escena comenzó con el éxito Spooky (1967) de la primer banda de James Cobb, Classic IV.

Había un enlace con la escuela psicodélica de los 1960s, particularmente visible en Take Me To The Mountain (1970) por Headband de Shiva, Perpetuum Mobile de Mariani (1970), y Dead Man de Josefus (1970).

Allman Brothers Band de Jacksonville (3), con dos guitarristas principales (Duane Allman y Richard Betts), fue el primer mayor acto desde Grateful Dead para quienes la ejecución (improvisada) en vivo era más relevante que el álbum de estudio (compuesto). No es de sorprender, se convirtieron en la única banda que pase competir con los Grateful Dead en términos de multitudes. Su álbum debut, The Allman Brothers Band (1969), introdujo una forma de balada blues-rock, suelta, con mucha guitarra, una versión sureña de el rock de los Band, pero fueron los álbumes en vivo, Live At Fillmore East (1971) y Eat A Peach (1972), los que transformaron esas baladas en excursiones sónicas épicas.

Al agregar dos bateristas al formato de guitarras gemelas de los Allman Brothers Band, y mezclando esta alineación extensa con un espíritu rural más genuino, la banda del violinista de bluegrass de Nashivlle Charlie Daniels vino a representar la clase media del medio oeste, empezando con Fire On The Mountain (1974).

Ritmos sólidos y guitarras quemadas fueron también las armas principales en el arsenal de Atlanta Rhythm Section de James Cobb en Georgia, por ejemplo en Third Annual Pipe Dream (1974), the Marshall Tucker Band en South Carolina, por ejemplo en Searchin' For A Rainbow (1975), Wet Willie en Alabama, por ejemplo en Dixie Rock (1975); y muchos otros. Ellos básicamente mezclaban hard-rock, boogie, country, soul y gospel, aunque que la banda tenía su propia receta y usaban diferentes porcentajes de cada ingrediente.

El álbum más original de esa era vino del oscuro Hampton Grease Band (10), Music To Eat (1971), una mezcla poco probable pero efervescente de Frank Zappa's Absolutely Free, Captain Beefheart's Trout Mask Replica y los Allman Brothers Band's Eat A Peach.

Los proveedores finales y definitivos del boogie sureño fueron ZZ Top (2), cuyo mejor álbum, Tres Hombres (1973), fue una verdadera enciclopedia de estilos sureños, realzados por la guitarra de Billy Gibbons. Más adelante en su carrera, ZZ Top viró hacia el heavy-metal (es decir, el sonido inventado por sus descendientes) y adoptaron ritmos electrónicos devastadores, por ejemplo en Eliminator (1983), entregando así el mismo viejo concepto brutal a la generación punk.

Bandas tales como Black Oak Arkansas, la banda original de boogie de tres guitarras, mejor representados en Keep The Faith (1972), y los Outlaws (cuya sesión de 1975 Green Grass And High Tides bien podría ser lo más excitante del género) incrementaron la dosis de riffs de guitarras y ritmos pesados.

No había protagonistas (sin solos y sin virtuoso) en el sonido del grupo (también basado en tres guitarras) de Florida's Lynyrd Skynyrd (2), los líderes de esta segunda generación, liderados por Ronnie VanZant. Sus objetivos erán prácticos: riffs como de piedra y ritmos estremecedores para cantar el estilo de vida macho (y autodestructor) del hombre sureño reaccionario. Second Helping (1974), el cual contiene su himno Sweet Home Alabama, fue su mejor demostración de fuerza, pero su terrible filosofía llegó al máximo con Street Survivors (1977), lanzado cuando VanZant moría en un accidente de avión.