Una Historia de la Musica Rock

por piero scaruffi

(Traducido por David Medina)

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Re-alineación 1970-74

La re-alineación de la música rock a los viejos valores simplemente ayudó a sostener el auge creativo de los 1960s. Una revolución continua habría desestabilizado el mundo (de la música). Una restauración "sabia" de las formas tradicionales (tales como el blues, folk y country), ayudó a esparcir el nuevo producto y así transformar la música rock en uno de los fenómenos más exitosos del consumismo. El álbum, nacido como una alternativa "intelectual" a los 45 RPM, se convirtió simplemente en un negocio más lucrativo para las compañías disqueras, que podían cargar con un precio más alto por una muy pequeña inversión. Los 1970s fueron, en muchas maneras, otra "edad oscura" para la música rock, pero esta vez las instituciones no intentaron subyugarlo: lo absorbieron. La música rock se convirtió en música "comercial". En 1971 el musical Jesus Christ Superstar por Andrew Lloyd Webber abrió en Broadway, usando arreglos, ritmos y melodías inspiradas por el rock alternativo. Un concierto por Bangla Desh, atendido por las estrellas de la contracultura tales como Bob Dylan, se convirtieron en el evento benéfico más exitoso desde la guerra, y comenzaron una tradición de estrellas de rock actuando como personalidades políticas prominentes. La popularidad de la música rock no tenía rivales. En 1973, el festival de Watkins Glen (Allman Brothers, Grateful Dead, Band) fue atendido por una multitud de 500,000 personas. Las estaciones de television estaban dedicadas más tiempo a la música rock que cualquier otro género, agregando nuevos programas tales como "The Midnight Special" (conducido por Wolfman Jack y Helen Reddy). La derrota del rock se convirtió en el triunfo del rock.

Country-rock 1970-72

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El gran invento de Gram Parsons, country-rock, fue brevemente una de las grandes modas en Estados Unidos.

Los actos jugaron el rol del enlace con el acid-rock de San Francisco, Commander Cody (1), cuya banda de bar desaliñada fue inmortalizada en Lost In The Ozone (1971), y los New Riders Of The Purple Sage (1), quienes evolucionaron desde el estilo onírico de los New Riders Of The Purple Sage (1971) hasta el estilo heroico burlón de The Adventures of Panama Red (1973).

Steve Stills de los Buffalo Springfield y Chris Hillman de los Flying Burrito Bros formaron una nueva banda para grabar Manassas (1972), una verdadera enciclopedia de música estadounidense.

Sin embargo, el liderazgo pronto se movió hacia el este, hacia Nashville. Los Nitty Gritty Dirt Band fue uno de los primeros equipos country en abrazar el rock y el pop, por ejemplo en Uncle Charlie And His Dog Teddy (1970), con la participación de Jerry Jeff Walker (Paul Crosby)'s Mr Bojangles y Kenny Loggins' House at Pooh Corner, aunque ellos se hicieron más famosos con la celebración en vivo en Nashville Will The Circle Be Unbroken (1972).

As the last vestiges of the hippy civilization estaban sumergidos por mandolinas y banjos, las bandas que se originaron de los Byrds y de los Buffalo Springfield se hicieron repetitivas y predecibles. La dinastía continúa con un rockeros-country mediocres tales como Poco y Kenny Loggins & Jim Messina, hasta los Eagles (2), una especie de supergrupo, con los escritores de canciones Don Henley y Glenn Frey, originalmente inspirados por Crosby Stills & Nash, le dieron al country-rock un significado más personal y universal, desde las viñetas melancólicas del oeste de Desperado (1972) hasta el hard-rock robusto de Hotel California (1976).

El efecto de la cultura conservadora (a veces facista) de Nashville era benéfico a pesar de eso. Número de cantantes country empezaron a comportarse como hippies, particularmente en Texas. En 1976 el álbum Wanted: The Outlaws, con la participación de Waylon Jennings, Willie Nelson, Tompall Glaser (un miembro del trío vocal Glaser Brothers) y Jessi Colter, les dio un nombre. También se convirtió en el primer álbum country en ser certificado platino. Willie Nelson (1) había roto las leyes del sonido "Nashville" en su concepto existencial Yesterday's Wine (1971), Shotgun Willie (1973) y Phases & Stages (1974), otro álbum conceptual. Su arte alcanzó la cima con la parábola mística del lejano Oeste Red Headed Strangers (1975), el equivalente country de la ópera rock, mientras continuaba con éxitos melódicos tales como Fred Rose's Blue Eyes Crying In The Rain (1975), On The Road Again (1980) y Always On My Mind (1982).

La contribución de Waylon Jennings a la revolución de Nashville fue básicamente Honky Tonk Heroes (1973), escrita principalmente por Billy Joe Shaver. Shaver también fue el autor de Georgia on a Fast Train (1973) y I'm Just an Old Chunk of Coal (1980).

Kris Kristofferson escribió Me And Bobby McGee (1969), Sunday Morning Coming Down (1969), Help Me Make It Through The Night (1970), y Silver Tongued Devil (1971).

Un miembro de la banda de Kristofferson, el bajista y organista Billy Swan, escribió el pegajoso rockabilly I Can Help (1974).

Delbert McClinton fue un gritador volcánico y un tocador de armónica que mezcló el soul, blues y honky-tonk, y escribió Shaky Ground (1970), Solid Gold Plated Fool (1975), Two More Bottles Of Wine (1978).

Otro vaquero texano y judío Richard "Kinky" Friedman, debutó con un irreverente (frecuentemente ofensivo) tipo de música country, con toques de humor negro, en Sold American (1973).

David-Allan Coe, nacido en Ohio, fue quizás el verdadero "forajido" de su generación (fue a la cárcel por asesinato), un cantante de blues y una persona mórbida que emergió con The Mysterious Rhinestone Cowboy (1974), y tuvo éxito en otros estilos tales como los himnos Take This Job And Shove It (1978) y el metafísico The Ride (1983).

Otro verdadero forajido (y también de Ohio) fue Donald "Johnny Paycheck" Lytle, músico de honky-tonking de Nashville de historias oscuras, tales como en el tríptico de 1966 The Lovin' Machine, Bobby Bare's Motel Time Again, Jukebox Charlie, antes de ir hacia la rehabilitación y convertirse en una estrella (Don't Take Her She's All I Got, 1971; Take This Job And Shove It de David-Allan Coe, 1978), a pesar de problemas renovados con la justicia.

El renacimiento celta 1971-74

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Uno de los grandes temas del renacimiento folk fue el redescubrimiento y la revitalización de la tradición celta. Alan Stivell (2) inició el fenómeno comercial con Renaissance De L'Harpe Celtique (1971) y Chemins De Terre/ From Celtic Roots (1973), y logró su obra maestra con Tir Na Nog/ Symphonie Celtique (1980). Los Chieftains habían empezado a inicios de los 1960s, pero la fama les fue otorgada por los álbumes menos auténticos (y más creativos) tales como Chieftains 4 (1973) y Bonaparte's Retreat (1977). Clannad introdujo la electrónica y la world-music en la música celta, comenzando con Clannad 2 (1974) y llegando al suavemente alegrado y música folk-pop soñadora de Fuaim (1982), la cual encendió la carrera solista de la integrante más joven del grupo, Enya.

Soul 1970-72

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A la vuelta de la década, artistas negros tales como Marvin Gaye (1), Isaac Hayes (1), Curtis Mayfield y Stevie Wonder (3) empezaron a producir discos de soul con pretensiones artísticas que violaban el espíritu del género. Era una forma de "occidentalizar" la más auténtica de las músicas africanas. Sin embargo, acoplaron los arreglos sofisticados (y frecuentemente orquestales) con letras eruditas y políticamente conscientes que rescataron sus canciones de los clichés del pop.

The Tears Of A Clown de Smokey Robinson (1970), fusión o el vodevil, la música clásica y la música soul, y es representativo de nivel artesanal alcanzado por su generación de artistas negros. El álbum de Marvin Gaye What's Going On (1971), posiblemente el mejor álbum pop negro de todos los tiempos, coronó esa era. Las habilidades en composición, arreglos y producción de estudio condujeron a las canciones orquestales extensas pop-dance-soul, tales como Hot Buttered Soul (1969) y Shaft (1971) de Isaac Hayes, Superfly de Curtis Mayfield (1972), y los álbumes conceptuales de Stevie Wonder Music Of My Mind (1972), la primer colección escrita, producida e interpretada (básicamente) por el mismo, y grabada cuando él tenía sólo 22 años pero ya era una estrella, Talking Book (1972), uno de los álbumes pop más aventureros de la época en el uso de instrumentos electrónicos, Innervisions (1973), un fresco social de proporciones sinfónicas, y el monumental y ambicioso Songs In The Key Of Life (1976). Claramente, éstos eran los prodromos de la música que sería llamada "música disco", como lo probó Love's Theme (1973) de Barry White

Roots-rock 1971-73

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Hot Tuna (1), formado por lo que quedaba de Jefferson Airplane (Jorma Kaukonen y Jack Casady), entregaban una forma no ortodoxa de roots-rock, una versión más blues y ligera de los Band, en álbumes efervescentes tales como Burgers (1972).

Figurando entre los innovadores más originales y cómicos del roots-rock, Little Feat (3) retomó el blues, gospel, country, boogie, soul, funk, rhythm'n'blues y rock'n'roll en álbumes tales como Sailin' Shoes (1972), Dixie Chicken (1973) y Feats Don't Fail Me Now (1974), y los saboteaba con partes instrumentales extrañas.

La operación que llevaban a cabo los Doobie Brothers (1) en la Bay Area era similar en espíritu a la de los Creedence Clearwater Revival, porque ellos, también, componían la banda sonora para la clase obrera estadounidense sin copiar ninguno de los géneros preexistentes sino más bien acuñando un lenguaje moderno (en el que el estadounidense promedio podría identificarse inmediatamente) lejos de esos lenguajes arcaicos. Ellos heredaron las armonías vocales de sus antepasados de Californian, pero después empezaron empaparse con una mezcla ecléctica de soul, country, gospel, boogie, funk y jazz. Pero, finalmente, el secreto de Listen To The Music (1972), China Groove (1973), Black Water (1974) y Take Me In Your Arms (1975) fue una actitud tranquila y relajada.

Los J. Geils Band (2) en Boston ofrecían una toma irónica de rhythm'n'blues (con el gritador Peter Wolf en las vocales, Jerome "Jay" Geils en la guitarra, Seth Justman en el órgano, Dick "Magic Dick" Salwitz en la harmónica), empezando con el salvaje Bloodshot (1973) a través del hard-rock de Monkey Island (1977) hasta la música de fiesta efervescente deFreeze Frame (1981).

Bastante únicos eran los Dixie Dregs (1), de Georgia, dirigidos por el guitarrista virtuoso Steve Morse. Ellos tocaban una mezcla de jazz-rock y boogie sureño que tenía un puente entre los Allman Brothers Band y la Mahavishnu Orchestra, bluegrass y heavy metal, particularmente en su segundo álbum instrumental What If (1978).

Bluegrass progresivo 1971-75

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El movimiento "bluegrass progresivo" (una idea de John Fahey) que floreció durante la primera mitad de los 1970s representaba una alternativa artística al country-rock. Mientras que el country-rock está enfocado en las convenciones de la balada country, número de músicos relacionados con el country exploraron formatos más aventureros.

El "primitivismo" de John Fahey infectó un alma ingenua como Leo Kottke (3), un virtuoso de guitarra cuyos 6 & 12 String Guitar (1972), Greenhouse (1972) y My Feet Are Smiling (1973) contienen excursiones instrumentales conmovedoras en la imaginación infantil de un tonto cualquiera. Sus narraciones domésticas y rurales (con o sin palabras) son indulgentes en la velocidad y lo intricado del ragtime y el bluegrass pero también la piedad y ternura de la música folk.

Entre quienes contribuyeron al canon de la música folk progresiva en forma independientementes, tipos excéntricos y aislados, hay dos caracteres que destacan. John Hartford (2) escribió las viñetas sureñas de Aereo-plain (1971) y Mark Twang (1976), quienes son caricaturescos y enfáticos. Norman Blake (1) armó un ensamble de intérpretes virtuosos para ejecutar música de cámara para banda de cuerdas de bluegrass en The Fields Of November (1974).

El mejor discípulo del acid-folk de Holy Modal Rounders fue Michael Hurley (2), un cantante folk bizarro quien ideó dos obras maestras dementes tales como Have Moicy (1975) y Long Journey (1976), ambas desfiguradas por su aullido tembloroso y su forma de tocar la guitarra al azar, y su cohorte Jeffrey Frederick (1), cuyo Spiders In The Moonlight (1977) no es menos hereje.

En 1976 David Grisman (3) acuñó "jazzgrass", una fusión de jazz y bluegrass. Grisman había experimentado con jazz y country en The Great American Eagle Tragedy de Earth Opera (1969), básicamente arreglada por Peter Rowan, y en la sesión histórica de Muleskinner (1974), con la colaboración de Rowan y Greene de Seatrain. The David Grisman Quintet (1977), con el guitarrista Tony Rice, fue el álbum que Stephane Grappelli en persona tocó en Hot Dawg (1979) y Grisman perfeccionó su alineación en Quintet '80 (1980): Darol Anger en el violín, Mike Marshall en la mandolina, Mark O'Connor en la guitarra, y Bob Wasserman en el contrabajo. Cada uno de sus músicos continuaron la misión de Grisman. Mark O'Connor's Markology (1979) y Tony Rice's Acoustics (1979) fueron los primeros álbumes en implementar la visión del maestro. Los otros seguirían en los 1980s.

En la tradición de la vanguardia de la música folk de John Fahey, Eugene Chadbourne (2) fue un improvisador libre cuyas raíces estaban en la música rural blanca pero cuya técnica tomaba de guitarristas del jazz y el rock tales como Jimi Hendrix y Jerry Garcia. Chadbourne agregó a la mezcla un sentido de humor surreal y una precisión de la vanguardia estadounidense (Edgar Varese, Frank Zappa). Chadbourne fue único por haber sido un compositor vanguardista en la tradición clásica, un improvisador de jazz, un músico folk y el miembro de una banda de rock (Shockabilly). Desafortunadamente, el político Chadbourne había producido demasiados álbumes mediocres, pero al menos Solo Acoustic Guitar (1975) y Collected Symphonies (1985) se elevan sobre el promedio.

Nostalgia 1972-76

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La nostalgia es un fenómeno recursivo en la música popular. Cada algunos años, el reloj se regresa unos cuantos años, y los sonidos que estaban empezando a ser olvidados son traídos de regreso, vestidos con nuevas ropas vistosas.

El renacimiento del blues continuó con el estilizado blues de Roy Buchanan, particularmente en su álbum debut, Roy Buchanan (1972), y con Bonnie Raitt (1), una guitarrista muy talentosa, contralto pedregosa, discutiblemente la mejor cantante de blues desde Janis Joplin, quien maduró con Give It Up (1972). Sin embargo, los artistas originales llevaron el blues a lugares donde nunca había estado.

Ry Cooder fue pionero en la reconstrucción musical de eras pasadas. Otros explotaron ese idea en diferentes guisos.

NRBQ (New Rhythm And Blues Quartet) llevó la nostalgia sin sacrificar un acercamiento personal, irreverente y excéntrico las tradiciones del pop, blues, jazz, y country, mejor demostrado en Scraps (1972).

Manhattan Transfer, una institución estadounidense de armonía en cuatro partes se distinguieron con Coming Out (1976), transformados desde el acto novedoso de la nostalgia hasta ejecuciones de cámara con Extensions (1979).

El excéntrico y ecléctico Leon Redbone, armado con su cantar barítono y yodel y sus orquestaciones nostálgicas (fuerte en las cuerdas y los metales), dedicó su carrera a indicar nueva vida a las tradiciones blues, jazz, vodevil, ragtime y folk de los ruidosos 1920s, 1930s y 1940s, empezando con On The Track (1976).

The Roches (1) eran un trío de cantantes folk que hicieron una carrera de melodías simples realzadas con armonías vocales anticuadas (en la tradición de los cuartetos de peluquerías y doo-wop) en álbumes tales como Roches (1979).

Las composiciones impecables de las McGarrigle Sisters (2), notablemente aquellas en Kate And Anna McGarrigle (1976) y Dancer With Bruised Knees (1977), marcaron un retorno a las raíces folk que había sido olvidado durante dos años post hippy.

La película de 1973 de George Lucas American Graffiti lanzó una del renacimiento de la nostalgia a lo largo de la nación, pero en esta ocasión el objetivo era la música de la clase media blanca de los 1950s y los 1960s.

Power-pop 1972-73

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Abba fueron los campeones reyes del pop durante los 1970s. Empezaron con armonías vocales efervescentes acopladas con estribillos animosos y pegajosos, notablemente Waterloo (1974) y Fernando (1976), pero también probaron ser excelentes en las discos, con Dancing Queen (1977), Gimme Gimme Gimme (1979) y el formidable Lay All Your Love On Me (1981), y finalmente se aventuraron en el melodrama romántico con Knowing Me Knowing You (1977) y Winner Takes It All (1980). Supertrouper (1981) los regresó a su gloria de pop ingenuo, y, después de que Abba se separó, sus líderes y escritores de canciones se las ingeniaron para superar a todo esto con un pastiche exótico muy bueno, One Night In Bangkok de Murray Head (1985).

A través de los periodos de hard-rock, rock progresivo, punk-rock y el new wave, Alex Chilton fue el profeta del power-pop, de melodías no adulteradas, de armonías vocales en cuatro partes, de guitarras que tintinean, de riffs de hard-rock, y de una producción impecable. El ya había alcanzado un éxito con los Box Tops, The Letter de Wayne Carson Thompson (1967), cuando se unió a los Big Star (2). Su Radio City (1974) es el álbum power-pop quintaesencia, en el cual las armonías vocales de los Beatles, el tintineo de los Byrds y los riffs poderosos de los Who se convirtieron en términos de la misma ecuación. Third, grabado en 1974 pero lanzado cuatro años después, fue más duro y desolado. La ideología retro de Chilton eventualmente vino a permear al new wave y logró una gran influencia en el pop británico de los 1990s.

Los Raspeberries, quienes debutaron en 1972, eran también altamente derivativos de los Beatles y de los Beach Boys.

En términos de discos vendidos, la gran sensación de inicio de los 1970s eran los Osmonds, un quinteto de niños (blancos) mormones que competían con los (negros) Jackson Five, empezando con One Bad Apple (1971).

Reggae 1967-76

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La palabra "reggae" fue acuñada alrededor de 1960 en Jamaica para identificar un estilo de música bailable "ragged" (roto), que tenían sus raíces en el rhythm'n'blues de Nueva Orleáns. Sin embargo, el reggae pronto adquirió el estilo lamentoso de cantar y enfatizó el ritmo sincopado. También es explícita la relación con el bajo mundo de los "Rastafaris" (adeptos a una fe milenaria africana, revivida por Marcus Garvey quien anunciaba una emigración en masa de regreso a Africa), tanto en la letras como en la apropiación del estilo africano nyah-bingi de tambores (un estilo que imita el ritmo del corazón con su patrón de "tum-tum, pausa, tum-tum"). Comparada con la música rock, la música reggae básicamente invirtió el rol del bajo y la guitarra: el primero era el líder, el segundo llevaba el patrón rítmico típico. La paradoja del reggae, por supuesto, es que esa música "única en Jamaica" no es jamaiquina de hecho, de que tiene sus raíces en los Estados Unidos y en África.

Una casa de discos independiente, Island, distribuyó discos jamaiquinos en el Reino Unido a través de los 1960s, pero el reggae se hizo popular en el Reino Unido cuando Al Capone de Prince Buster (1967) inició una breve "locura bailable". La música jamaiquina era básicamente un fenómeno de ghetto, asociado con la violencia de las pandillas, pero Wonderful World Beautiful People de Jimmy Cliff (1969) unió el reggae con la filosofía de "paz y amor" de los hippies, una asociación que no moriría. En los Estados Unidos, Red Red Wine de Neil Diamond (1967) fue el primer éxito de reggae por un músico pop. Poco después, Hold Me Tight de Johnny Nash (1968) llevó el reggae a las listas de éxitos. Do The Reggay (1968) por Toots (Hibbert) And The Maytals fue el disco que le dio a la música su nombre. El estilo vocal de Fredrick Toots Hibbert era de hecho más cercano al gospel, como lo demostraron sus éxitos subsecuentes (54-46, 1967; Monkey Man, 1969; Pressure Drop, 1970).

Un evento poco anunciado tendría consecuencias de largo alcance: en 1967, el disc-jockey jamaiquino Rudolph "Ruddy" Redwood empezó a grabar versiones instrumentales de los éxitos del reggae. El éxito de su club se debió principalmente a esa idea. Duke Reid, quien era el propietario de la casa disquera Trojan, fue el primero en capitalizar esa idea: empezó a lanzar sencillos con dos lados: la canción original y, en la parte de atrás, la mezcla instrumental. Éste fenómeno elevó el estatus de docenas de ingenieros de grabación.

La música reggae fue popularizado principalmente por Bob Marley (1), primero como él colíder de los Wailers, la banda que promovía la imagen de la guerrilla urbana con Rude Boy (1966) y que grabó el primer álbum de música reggae, Best Of The Wailers (1970); y después como el gurú político y religioso (rasta) del movimiento, una situación que lo transformaría en una estrella, particularmente después de su conversión a la melodía pop-soul, con baladas tales como Stir It Up (1972), I Shot The Sheriff (1973) y No Woman No Cry (1974).

Entre los grupos vocales de reggae, Satta Massa Gana de los Abyssinians (1971) eran representativos del sentir de la era.

En 1972 reggae se convirtió en algo básico de las estaciones de radio occidentales gracias a la película The Harder They Come y a I Can See Clearly Now de Johnny Nash (1972).

Dub

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Más y más ingenieros estudio estaban mezclando lados B de los sencillos de reggae de 45 RPM, quitándo las vocales y enfatizando la textura instrumental de la canción. El propósito era permitir a los disc-jockeys "tostar" sobre el disco. Los ingenieros se volvieron más y más talentosos al refinar las texturas instrumentales, especialmente cuando empezaron a emplear instrumentos de estudio sofisticados. Eventualmente, el "dub" se convirtió en un arte en sí mismo. Los primeros sencillos dub aparecieron en 1971, pero el hombre generalmente acreditado con "inventar" el género es Osbourne Ruddock, mejor conocido como King Tubby (2), un ingeniero de grabación quien en 1970 había descubierto accidentalmente el encanto de quitarle los vocales a una canción, y quien grabó el primer disco dub, Psalm Of Dub Carl Patterson(1971). Cuando se unió con el productor Lee "Scratch" Perry, Blackboard Jungle (1973) nació: el primer álbum "dub" estéreo. Era una revolución como Copérnico: el ingeniero y el productor se habían hecho más importantes que el compositor. También marcó el punto terminal del "bajarle la velocidad" de la música jamaiquina, un proceso que había llevado desde el ska al reggae a un rock lento. Comparado con el original, dub era como una versión lenta. Una colaboración con el músico de melódica Augustus Pablo, aka Horace Swaby, llegó a otro trabajo seminal, King Tubby Meets Rockers Uptown (1976).

Rainford Hugh Perry, mejor conocido como Lee "Scratch" Perry (3), quien había cuidado a los Wailers, por mucho fue la referencia para las siguientes generaciones con Double Seven (1974), el primer álbum reggae que sobreponía sintetizadores, Revolution Dub (1975) y Super Ape (1976), una de las obras maestras del género.

El virtuoso de la melódica Augustus Pablo (2) grabó los álbumes instrumentales This Is Augustus Pablo (1973) y East of the River Nile (1977), dos de los trabajos más atmosféricos del género.

Talk-over

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El "rapeo" se originó de la tradición complementaria del "talk-over". Los disc-jockeys de los sistemas de sonido solían acompañar las canciones bailables con vocales como de plática improvisadas y melódicas, a menudo simplemente agregando entusiasmo al baile. Esto eventualmente se convirtió en un arte en sí mismo. U-Roy (Edwart Beckford) fue posiblemente el primer gran artista talk-over, el hombre que transformó el dub en un vehículo altamente eficiente para mensajes de protesta (Dynamic Fashion Way, 1969; Runaway Girl, 1976; Wake the Town, Wear You to the Ball). Otros pioneros del rapeo Dennis fueron "Alcapone" Smith, con Forever Version (1971), Prince Jazzbo y I Roy. Big Youth (Manley Buchanan) levantó la voz con sus raps salvajes y sociopolíticos (S-90 Skank, 1972; The Killer, 1973; House Of Dread Locks, 1975; Every Nigger Is A Star, 1976), más efectivamente en Dreadlocks Dread (1975). Originalmente, la técnica de esos "tostadores" consistía en mezclar las canciones de otras personas, quitando las voces originales, enfatizando la base rítmica, y sobreponiendo sus propias historias en rima en la canción resultante.

La edad dorada del Reggae

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Tan pronto el reggae se convirtió en una atracción mundial, los estilos se multiplicaron y fueron mezclados con los géneros estadounidenses.

Burning Spear (1), el proyecto del visionario Rastafari Winston Rodney, liberó el supercargado Marcus Garvey (1976), quizás el logro artístico más alto de la música reggae.

El trío vocal Culture de Joseph Hill eran igualmente apasionados, y la canción que le da tituló a Two Sevens Clash (1977) se convirtió en el himno de los rasta-punks y acuñó el "rockers reggae".

Ijahman Levi (Trevor Sutherland) fue quizás el vocalista más espiritual de su generación. Sus canciones eran himnos religiosos (Jah Heavy Lord, 1975; I'm A Levi, 1978; Are We A Warrior, 1978).

El ex-Wailers Peter Tosh, o Winston Hubert McIntosh, atravesó al territorio rock con Legalize It (1976).

Otros clásicos populares incluyen a Police And Thieves de Junior Marvin (1976) y Love Is Overdue de Gregory Isaacs (1974).

Salsa 1973-78

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En 1973 el son norteamericano fue renombrado "salsa" para un especial de televisión (por Izzy Sanabria de Fania Records, el equivalente del Motown para la música latina). En Puerto Rico la salsa es también conocida como "guaguanco", un término que originalmente se refería a un tipo de baile de rumba. La orquesta de Larry Harlow redescubrió la fusión de violines de charanga y conjunto de trompetas (con la adición de instrumentos eléctricos) en su grabación histórica Salsa (1974) con el vocalista Junior Gonzalez. El concierto de 1976 "Salsa" organizado en Nueva York por la etiqueta Fania lanzó la moda a lo largo de la nación. En los 1970s, los principales centros de la salsa eran Nueva York, Miami y Colombia.

Ruben Blades, quien se había convertido en el principal compositor de Willie Colon después de El Cazangero (1975), contaminó la salsa con rock'n'roll y elementos políticos en Siembra (1978), que contiene Pedro Navaja y se convirtió en el álbum de salsa más vendido de todos los tiempos.

En Venezuela, Angel Canales acuñó un tipo de salsa basado en jazz y trombón en Angel Canales And Sabor (1976), mientras el cubano Roberto Torres fue el defensor de la tradición, y en Nueva York veteranos de la orquesta de Eddie Palmieri formaron Libre para tocar un estilo más agresivo y jazz de salsa, documentado en Con Salsa Con Ritmo (1976).

La "voz" de la salsa fue Hector Lavoe', vocalista de Colon, cuyo mejor álbum fue Comedia (1978), con el himno El Cantante, escrita por Blades y arreglada por Colon.

El nuevo sonido de la salsa pertenecía a gente como el trompetista puertorriqueño Luis "Perico" Ortiz y el productor Louie Ramirez, cuyo álbum A Different Shade Of Black (1976) es acreditado por atravesar hacia la música pop.

Otros éxitos de salsa notables de los 1970s fueron: El Raton de Jose "Cheo" Feliciano (1964), el primer gran éxito de salsa cuando revivió en 1974, Quimbara de Celia Cruz (1974), Vamonos Pal Monte de Eddie Palmieri (1976), Lloraras (1975), por el grupo venezolano Dimension Latina, con el vocalista Oscar D'Leon, quien después formó Salsa Mayor. Pero la salsa está convirtiendo en un término muy vago, como el grupo neoyorquino Tipica 73 aprobó en álbumes tales como La Candela (1975), el cual es realmente una mezcla de ritmos latinos bailables.

El cantante neoyorquino Henry Fiol usó un conjunto tradicional cubano, Saoco, para cantar las canciones urbanas de Siempre Sere Guajiro (1976).

En los 1970s, un nuevo baile segregaba a la receta latina: el merengue de República Dominicana, otro subproducto de la habanera cubana. Los orígenes del merengue van siglos atrás (ya estaba mencionado en escritos de 1875), y el estilo se puede decir que haya existido desde por lo menos los 1930s, y popularizado por Angel Viloria en los 1950s. Wilfrido Vargas, cuyo El Barbarazo (1978) fue considerado un evento importante, Johnny Ventura, Cuco Valoy, Jossie Esteban, July Mateo, Francisco Ulloa estaban entre los que definían la tendencia de los 1980s.

Durante los 1960s, Trinidad acuñó una mezcla de calipso y soul ("soul-calypso") que durante los 1970s se escuchaba en las discos. Los trabajos pioneros fueron Soul Calypso Music de Garfield "Lord Shorty" Blackman (1973), Bass Man de Winston "Mighty Shadow" Bailey (1974), Savage de Cecil "Maestro" Hume (1976), y Sugar Bum Bum de Aldwyn "Lord Kitchener" Roberts (1978), el primer éxito mundial de soca. If I Coulda I Woulda I Shoulda de Winston "Mighty Shadow" Bailey (1979) y Soca In The Shaolin Temple de Austin "Blue Boy" Lyons (1981) solidificaron el atractivo del género para los amantes de las discos.

El calipso en sí mismo he transformado con la presión revolucionaria que venía de David Rudder, cuyo The Hammer (1986) fue influenciado por el pop y soul, y la actitud conservadora de Leroy "Black Stalin" Calliste, cuyo Caribbean Man (1979) hacía referencia a los clásicos.

Grupo Niche de Colombia, dirigido por Jairo Varela, tocó salsa multi vocal al estilo de las grandes bandas en Querer Es Poder (1981).

Afro-rock 1970-76

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En los 1960s la música estadounidense soul y rock se esparció en Ghana, y en 1971 el festival "Soul to Soul" ayudó a unir los mundos de la música popular negra estadounidense y la highlife de Ghana, regresando así la supremacía de las bandas basadas en guitarra: African Brothers International Band de Nana Kwame Ampadu, que grabó Ebi Tie Ye (1967), Okukuseku, Noble Kings, Ashanti Brothers, Nana Ampadu, City Boys, Hi-Life International. En Nigeria, las bandas más influyentes de highlife incluían a: Mayors Dance Band de Rex Lawson, Philosophers National de Celestine Ukwu, Soundmakers International de Osita Osadere, Oriental Brothers International Band, Omimah Band de Orlando Owoh, Expo '76 Ogene Super Sounds de Oliver Akanite de Coque. La moda del Afro-rock empezó con un grupo de Ghana basado en Londres, Osibisa, formado por Teddy Osei, que tuvo éxito con Music for Gong Gong (1970) y Sunshine Day (1976). Highlife fue el pronto corrompido por el rock, reggae y hip-hop. Álbumes notables de los 1970s incluyen a Party Time With CeeKay (1973) por Charles Kofi Mann y The Kusum Beat (1976) por Sweet Talks de Alfred Benjamin Crentsil. En Nigeria, Sweet Mother de Nico Mbarga (1976) fue el punto de unión en la fusión de highlife y makossa. En los 1980s los actos de Ghana como George Darko y los Lumba Brothers (Charles "Daddy Lumba" Fosu y Nana "Lover Boy" Acheampong) quienes habían emigrado Alemania lanzaron una moda breve local, "burgher highlife".

Nigeria, el país más habitado en el continente africano, se convirtió pronto en la vanguardia de la world-music.

El saxofonista, pianista y vocalista nigeriano Fela Anikulapo Kuti (4) acuñó un nuevo estilo de música (Afro-beat) al combinar la música funk de James Brown, highlife y jazz. En 1966 unió a la Highlife Jazz Band. En 1968, después de visitar a los Estados Unidos y cine influenciado por el movimiento "black power", también agregó letras sociopolíticas. Perseguido por el gobierno nigeriano, se convirtió en la voz de los oprimidos. En su esplendor, Kuti conjunta sesiones improvisadas extensas de líneas de saxofón bebop, fanfarrias de metales tipo Frank Zappa, voces de llamar y responder, y poli ritmos salvajes llevados por los tambores espectaculares de Tony Allen. Sus grabaciones incluyen: London Scene (1970), todavía muy equitativo de James Brown, Gentleman (1973), uno de sus álbumes más populares, Zombie (1977), Teacher Don't Teach Me Nonsense (1987), Overtake Don Overtake Overtake (1990).

Nigeria (particularmente la región Yoruba) es también la base de la música juju, el equivalente chicano del folk-rock estadounidense: poli ritmos tribales unidos a guitarras eléctricas. En los 1920s la música juju nacía (como el blues) como una música del pobre rural, pero en 1958 Isaiah Kehinde Dairo empezó transformarlo en un fenómeno urbano, y en 1960 introdujo el acordeón al ensamble.

Ebenezer Obey (1) modernizó posteriormente el juju al darle toques de highlife, y sus sesiones extensas (dando soporte a un anhelo espiritual) lo transformó en un ejercicio en trance, por ejemplo en Mo Tun Gbe De (1973).

En la superficie, las suites implicadas bailables de el vocalista y guitarrista de juju nigeriano "King" Sunny Ade` (1) simplemente unieron las percusiones africanas, el canto de llamar y responder y arreglos de guitarras y sintetizadores al estilo occidental. Pero, a veces, los roles de los guitarristas y percusionistas eran cambiados, de que los últimos llevaban la melodía y los primeros llevaban el ritmo. La producción enfatizaba las técnicas del dub jamaiquino, y los detalles sónicos a menudo recordaban a otras tradiciones étnicas, tales como el twang de la música country. La mezcla estilística de Ade` alcanzó madurez en Juju Music (1982).

Más adelante, juju se fusionó con otros estilos (tanto africanos como occidentales) en el trabajo de Dele Abiodun, que alcanzaron su madurez con Beginning Of A New Era (1981), y Superstars International de Segun Adewale, que alcanzó su mejor síntesis en Endurance (1982).

La música "fuji" de la región de Yoruba está íntimamente ligada al Islam, aunque sus orígenes son meramente africanos. Es ejecutada por ensambles de vocalistas y percusionistas Durante los 1970s, el estilo fue popularizado por Sikiru "Barrister" Ayinde, Ayinya Kollington y por el niño prodigio Salawa Abeni.

Mientras tanto, el saxofonista de Camerún Manu Dibango (1), que se hizo famoso gracias al proto-disco groove de Soul Makossa (1972), fusionó ritmos y melodías africanos con el reggae, notablemente en Gone Clear (1979), y funk, notablemente en Waka Juju (1982).

Dibango comenzó una moda por el makossa (básicamente, highlife con un ritmo calmado), que se esparció de Camerún a los países cercanos. En Costa de Marfil, el cantautor Tou-Kone Daouda fusionó soukous y makossa en Mon Coeur Balance (1978). Nandipo (1974) caminó instrumentos occidentales y africanos y confrontó temas sociopolíticos.

Ladysmith Black Mambazo de Joseph Shabalala fue un grupo vocales de Sudáfrica especializado en armonía zacapela llamadas "mbube" (y su versión más refinada "isicathamiya") que se originó en las minas de oro de Sudáfrica. Sus primeros álbumes, tales como Ukusindiswa y Umthombo Wamanzi (1982), se enfocaban en estructuras de llamar y responder.

Posiblemente el más grande de los cantantes de gemido sudafricanos (cantantes sarcásticos en un registro de graznido/aullido/rugido), Simon "Mahlathini" Nkabinde (1) creó un línea exuberante de música mbaqanga en álbumes tales como Putting on the Light (1975), con el respaldo de los cantantes femeninas las Mahotella Queens (herederas de la tradición "smodern", una especie de soul de Tamla adaptado a los coros polifónicos de Zulu) impulsados con los arreglos instrumentales de rock del productor, saxofonista y flautista West Nkosi (líder de la Makgona Tsohle Band con Marks Mankwane en la guitarra).

El cantautor blanco Johnny Clegg colaboró con el músico sudafricano negro Sipho Mchunu para formar Juluka, cuyo Scatterlings (1983) fue la versión sudafricana del folk-rock, y entonces formó Savuka para diseñar una mezcla más cosmopolita de Third World Child (1987).

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