Una Historia de la Musica Rock

por piero scaruffi

(Traducido por David Medina)

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Sonido 1973-78

Frontera 1974-78

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En la segunda mitad de los 1970s, Brian Eno, Larry Fast, Mickey Hart, Stomu Yamashta y muchos otros músicos borraron las líneas entre el rock y la vanguardia.

Brian Eno (34), ex tecladista de Roxy Music, cambió el curso de la música rock por lo menos tres veces El experimento de fusionar pop y electrónica en Taking Tiger Mountain By Strategy (1974) cambió la noción básica de lo que una "canción pop" era. Eno tomó melodías sencillas (del tipo de las que son usadas en los salones de baile, en comerciales de televisión, por canciones de cuna) y les agregó una fuerte base rítmica y contrapunto de sintetizador. El resultado fue similar a los números de moda y a la música "bubblegum" de principio de los 1960s, pero tenía el carisma del puro genio posmodernista. Eno había inventado la música meta-pop: música de vanguardia que emplea elementos de la música pop. El control experimento en Another Green World (1975), pero cambió después su perspectiva en Before And After Science (1977). Aquí las cancioncillas pegajosas de Eno adquirieron una calidad siniestra. El álbum se sentía más como un fresco surrealista, la visión de la humanidad transformada en robots. Las melodías podrían ser madrigales renacentistas, y el ritmo podría ser usado por la música disco, pero el todo no sonaba como música del renacimiento o música bailable en absoluto: sonaba como el fin de la civilización. Un hábil practicante de la musique concrete, de la música aleatoria de Cage, del minimalismo de LaMonte Young, de la música electrónica de Karlheinz Stockhausen, Eno tenía un programa ambicioso de "música para no músicos" que el equivalente de la "Teoría de la Armonía" de Schoenberg. Si Schoenberg había argüido en favor de una nueva forma de componer (serialismo), Eno básicamente propuso en abolir también la composición, enfocándose mejor en el "sonido". Eno había empezado a implementar su programa en Discreet Music (1975), el cual era apenas música, y difícilmente era "su" música: el compositor sólo la ponía en movimiento. Lo que el oyente escuchaba no era lo que el compositor escribía. Las viñetas impresionistas de Music For Films (1978) cerró la distancia entre la teoría (su música "discreta") y la práctica (su música pop futurista). La música "discreta" de Eno evolucionó a través de dos colaboraciones con el grupo alemán Cluster (en 1977 y 1978). Music For Airports (1978) presentó el resultado: "música ambiental", una música hecha de zumbidos estáticos y notas lánguidas, una música en que apenas cambia, que apenas traza algún sentimiento, música intención es "no" ser escuchada, el equivalente de vanguardia de la música de supermercado. Esta fue su tercer revolución. Y se convertiría en uno de los géneros más abusados de los 1990s. On Land (1982), Apollo (1983) y Thursday Afternoon (1985) ofrecía una versión psicológica de la música ambiental. En el camino convertirse en uno de los compositores más influyentes del siglo, Eno también se ve convertido en uno de los productores más influyentes en la música rock. En particular, el esculpió el techno-étnico-funk que reinventó la carrera de los Talking Heads en 1979-80. Todo indica que tomará unas cuantas más décadas antes de que la escena musical absorba todas las intuiciones de Eno.

Larry Fast (3), alias Synergy, se especializó en arreglos masivos basados en sintetizador, como lo proclamó en Electronic Realizations For Rock Orchestra (1975). Quizás inspirado por las últimas sinfonías románticas de Mahler y por las orquestaciones jazz de Gershwin, Fast en todos los pasajes sonoros futuristas de Cords (1978) y Metropolitan Suite (1985), haciendo énfasis en movimientos frenéticos y sonido denso.

La música en Patrick Moraz (1976), por el tecladista suizo y miembro original de Yes Patrick Moraz, fue similar en alcance, aunque menos ambicioso. Otro punto de referencia en el rock progresivo orquestal fue The Pillory de Jasun Martz(1978).

El impresionante percusionista japonés Stomu Yamashta (1) causó una breve sensación con el álbum percusionista solo de Red Buddha (1972), con la banda de jazz-rock Come to The Edge, que grabaron Floating Music (1972), con el espectáculo multimedia de The Man From The East (1973), pero su fusión exótica de jazz-rock está mejor documentada en Go (1976), el supergrupo formado con los tecladistas Klaus Schulze y Steve Winwood, el percusionista Michael Shrieve y el guitarrista Al DiMeola.

El percusionista legendario de Grateful Dead Mickey Hart (2) se reinventó asimismo como uno de los más brillantes ideólogos y mentores de la world-music con álbumes que eran despliegues deslumbrantes de música basada en percusiones. El álbum de la Diga Rhythm Band, Diga (1976), fue una de las primeras fusiones maduras de jazz y música india, uno de los puntos de referencia del world-music. Después Yamantaka (1982), una colaboración con Henry Wolff y Nancy Hennings en las campanas tibetanas, y Dafos (1983), otra excursión en el jazz, Hart encontraría una nueva audiencia (la audiencia new-age) con At The Edge (1990), que incorporaba sonidos naturales, la orquestal Mystery Box (1996) y el más convencional Supralingua (1998).

El guitarrista original de Slapp Happy y Henry Cow Peter Blegvad (2) grabó el lieder jazz sinsentido de Kew Rone (1976) y la muzak pop desviada de King Strut (1990).

Techno-rock 1973-76

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Jeff Lynne's Electric Light Orchestra (2) inventó virtualmente el "high-tech pop", la idea de arreglar estribillos pegajosos con paredes de teclados, arreglos orquestales exuberantes, pompa neoclásica y letras seductoras. Las cuatro suites orquestales extensas de II (1973) actuaban como laboratorio para destilar las canciones de Eldorado (1975), su cima melódica. Ese álbum, y los más triviales Face the Music (1975) y A New World Record (1976), llevaron a el tour de force de Out of the Blue (1977) de la misma forma que el Sgt Pepper de los Beatles llevó a su White Album.

Supertramp (1) fueron aún más originales en mezclar el rock pomposo de Yes, el rock pesado de Led Zeppelin, las armonías vocales de los Beach Boys, el rock neoclásico de EL&P, la música disco y estribillos pegajosos, gracias al ataque de su doble teclado y metales, Breakfast In America (1979) permanece como uno de los álbumes pop más originales de los 1970s.

Alan Parsons Project (2), dirigido por un tecladista que había trabajado como ingeniero de sonido en Abbey Road de los Beatles y Dark Side Of the Moon de Pink Floyd, se especializó en arreglos exquisitos, casi sinfónicos, y álbumes conceptuales tales como Tales of Mystery and Imagination (1976) y I Robot (1977), aunque el éxito vendría con el sonido más electrónico y más easy-listening de Pyramid (1978) y trabajos posteriores.

Emblemáticos de la importancia del sonido fueron los éxitos tales como Baker Street de Gerry Rafferty (1978), protagonizando un elevado solo de saxofón de Raf Ravenscroft y arreglos orquestales melodramáticos.

En los Estados Unidos, el pop a través de los teclados produjo algunos de los grandes éxitos de la era. Kansas (1) acercó el rock pomposo de Yes desde un ángulo más íntimo y melódico gracias a la alineación neoclásica fuerte en el violín y los teclados, particularmente en Kansas (1974). Sin embargo, después del elegante Magnum Opus Suite (1976), se convirtieron en estrellas de la balada pop suave. Suite Madame Blue (1975), transformó a Styx (1) en la banda "pomp-rock" quintaesencia, un estilo que refinaron en The Grand Illusion (1977), su gran éxito comercial. Pavlov's Dog fueron los proveedores más serios de rock progresivo en los Estados Unidos, usando el mellotron y el violín para crear el atmosférico Pampered Menial (1975).

Split Enz de Nueva Zelanda (1), formado por el vocalista y tecladista Tim Finn, lanzaron un híbrido excéntrico de glam-rock y techno-pop, Mental Notes (1975), antes de que el guitarrista y vocalista Neil Finn se uniera a la banda y la transformara en la máquina pop de Bold As Brass (1977), I See Red (1978), I Got You (1979), History Never Repeats (1981) y Dirty Creature (1982).

El valor de la producción 1973-78

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Tanto el rock progresivo y el jazz pop de los 1970s habían enfatizado el "sonido" sobre la melodía, ritmo y la armonía. El "sonido" se debió principalmente al juego de timbres y al trabajo del productor. Desde los éxitos de Phil Spector a Pet Sounds de los Beach Boys a Sgt Pepper de los Beatles a Dark Side of the Moon de Pink Floyd, el valor final de una pieza de música había cambiado consistentemente desde el rock'n'roll hasta el engaño del estudio de grabación y los arreglos. Avances significativos (y menores costos) en las técnicas de grabación llevaron a una generación de músicos cuya meta principal era componer "sonido" más que canciones.

A pesar de sus letras eruditas, Steely Dan (2), formado por el pianista Donald Fagen y el bajista Walter Becker, inventaron el estereotipo para la fusión elástica, lisa y sin pretensiones pop-jazz-soul que se convertiría en la música lounge de la generación yuppie no comprometida. Countdown To Ecstasy (1973) y Pretzel Logic (1974) son quizás los mejores ejemplos de ese sonido "limpio", el cual fue principalmente un milagro de la producción, y la ejecución elegante y técnicamente impecable.

Hall & Oates se convirtieron en maestros del género que nació del soul de ojos azules cuando el estudio de alta tecnología les permitió escribir baladas melosas, lánguidas y románticas puestas en arreglos exuberantes, ritmos bailables y teclados espaciales. Sus éxitos trazan su evolución, desde Sara Smile (1975) y Rich Girl (1976) a Kiss On My List (1981) y Maneater (1982). A pesar de la muzak horrible producida como Hall & Oates, los álbumes solistas de Daryl Hall, Sacred Songs (1980), grabados en 1976, Three Hearts In The Happy Ending Machine (1986) y Soul Alone (1993) fueron experimentos de art-rock.

Con su nueva locación en San Francisco, y reformado por el guitarrista Lindsey Buckingham y la vocalista Stevie Nicks, Fleetwood Mac (2) se convirtió en un grupo sofisticado vocal y percusivo, herederos del folk-rock y de los arreglos barrocos de Brian Wilson, conscientes del new wave y del sonido de estudio artificial de Pink Floyd, y, desde su poca probable fusión, se las ingeniaron para preparar dos de los mejores éxitos de todos los tiempos y obras maestras de la producción: Rumours (1977) y Tusk (1979), para los cuales Buckingham compuso algunas de las melodías más memorables de la época.

Toto (1) eran emblemáticos en el valor de la producción en el rock melódico protagonizado por los teclados. Toto IV (1982) fue quizás su "producción" mejor lograda.

Jim Steinman (13) tiene algo que reclamar: él acuñó un estilo de producción que hace al "wall of sound" de Phil Spector verse tímido. Las producciones de Steinman sonla quintaesencia de lo grandilocuente, trágico, titánico, desesperado. Sus cantantes sangraban sus letras. Sus teclados son los truenos del Apocalipsis. Sus melodías son salmos religiosos. Bat Out of Hell de Meat Loaf (Marvin Lee Aday) (1977), el cual Steinman escribió y produjo, comenzó como una broma (una exageración histérica y enfática de los clichés del rock'n'roll), pero de hecho reinventó el espíritu del rock'n'roll, como lo hizo su álbum solista Bad For Good (1981). Steinman se movía hacia el más puro melodrama: Total Eclipse For The Heart (1983) y Tanz der Vampire (1988) de Bonnie Tyler probaron lo que él podía hacer. Sus orquestaciones extravagantes y su ideología de excesos sónicos triunfaron en Original Sin (1989), acreditado a Pandora's Box, la obra maestra de su sonido sinfónico, y una de las obras maestras del rock de todos los tiempos. Steinman compuso conceptos metafísicos que imitaban a los musicales de Broadway y que alternan con la parodia tipo Zappa y el pathos de la calle. Esto era música brutal, colosal, de crescendos maníacos, de ritmos castigadores y coros delirantes.

Rock progresivo 1974-80

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El sonido de "Canterbury" seguía vivo y coleando en Gran Bretaña, aunque mutando en una nueva forma de easy-listening y jazz-rock.

Camel (1) evocaban los estilos de Colosseum, Yes y King Crimson en The Snow Goose (1975) y Rain Dances (1977), cuyo espíritu romántico era enfatizado por arreglos meticulosos basados en los teclados electrónicos.

Brand X (2), formado por el baterista de Genesis, Phil Collins, tocaba jazz-rock suave, de clase, relajado, espiritual e instrumental en Unorthodox Behaviour (1976) y Moroccan Roll (1977).

Feels Good To Me (1977) por Bill Bruford (1) era emblemático de qué tan cerca el rock progresivo de Gran Bretaña se había movido hacia la música jazz.

Una de las bandas más originales de los 1970s, Penguin Cafè Orchestra de Simon Jeffes (13) tocaban música étnica con elegancia de un ensamble de cámara y el languor decadente del cafe`-concerto. En la era del punk-rock, el grupo de violonchelo, violín, ukulele y guitarra nostálgico y aristocrático grabaron Music From The Penguin Cafe (1976) era una contradicción grotesca. Las viñetas, haciendo referencia a los estilos de la música barroca y renacentista, exploraban en las islas caribeñas, África y el Mediterráneo. Los patrones repetitivos favorecidos por compositores minimalistas y agregaban una calidad surrealista a cada uno de esos bocetos. Esas tarjetas postales de exóticas tierras dejaban impresión de recuerdos imaginarios, que, juntos formaban una memoria imaginaria colectiva de algún edén encantado, un refugio de las tensiones agitadas de la sociedad industrial. La Orquesta ejecutaba un renacimiento, pero era la reconstrucción de una era, no sólo un sonido, y una era que nunca existió, una época que era un estado eterno del subconsciente. Penguin Cafè (1981), Broadcasting From Home (1984) y Signs Of Life (1987) aumentaron el número de instrumentos pasados de moda (viola, bajo, acordeón, piano, harmonio, órgano, pianola, flauta pequeña, trombón y otros así) y coquetearon más frecuentemente con la vanguardia, mientras retenían esa compostura estilizada y austera.

Los países de habla francesa permanecieron durante finales de los 1970s y los 1980s como una inacabable fuente de ensambles de rock progresivo.

Heldon Richard Pinhas (4) practicaba un rock'n'roll para guitarra y sintetizador que tenía pocos o ningún antecedente. Mientras aún ingenuo, Electronique Guerilla (1974) fue su manifiesto. It's Always Rock And Roll (1975), que contiene Cocaine Blues, y Agneta Nilsson (1976), que contiene Perspective, fueron sus planteamientos maduros, calderos de hard-rock, free-jazz y ruido puro donde Nice, King Crimson, Morton Subotnick, Silver Apples, Jimi Hendrix y Hawkwind compartían la misma órbita. Las sesiones extensas y sensacionales de sus últimos álbumes, tales como Interface (1978), Stand By (1979) y Bolero (1979), refinaron el concepto a niveles maníacos.

El tecladista francés Cyrille Verdeaux (2) ensamblo unos cuantos miembros clave de Gong (Steve Hillage, Tim Blake, Didier Malherbe) para grabar la Clearlight Symphony (1974), lanzado bajo el alias Clearlight, un deslumbrante trabajo electrónico y sinfónico. El cuarto álbum de Clearlight, Visions (1978), destacaba una pequeña orquesta compuesta de músicos de rock, de música india y de jazz. Este trabajo desplegaba la influencia de la música oriental que sería prominente en los trabajos solistas de Verdeaux, alcanzando su cima con la obra de siete horas Kundalini Opera, grabada entre 1982 y 1999.

Gilbert Artmann eran excéntrico que empezó con dos proyectos: Lard Free (1973), rock electrónico tipo Heldon, y Urban Sax (1), una sección de metales de 27 saxofones indulgentes en la repetición minimalista que debutaron con el impactante I (1978).

Thierry "Ilitch" Muller crearon álbumes de repetición minimalista para órgano y guitarra templada, tales como la canción principal en Periodikmindtrouble (1978), y de collages de electrónica, eléctrica y acústica, más ruido y voces, tales como 10 Suicides (1980).

Lo que Walter Carlos había hecho para la música electrónica pop, Jean-Michel Jarre (3) lo hizo para la música electrónica bailable. Oxygene (1976) y Equinoxe (1978) simplemente sobre encimaba y contrastada una melodía pegajosa, un ritmo estable y un sintetizador, mientras que los poemas electrónicos de Le Chant Magnetique (1981) exploraban la electrónica melódica en un nivel más abstracto. Las interpretaciones en vivo de sus éxitos involucraban espectáculos multimedia colosales los que eventualmente se hicieron más relevantes que su música.

Univers Zero (14), de Bélgica, empezaron con el despertar de King Crimson y Frank Zappa con 1313 (1978), pero Heresie (1979) viró hacia atmósferas góticas y texturas discordantes e industriales. Enfocándose en la orquestación y la producción más que en la melodía y la armonía, Ceux Du Dehors (1982) y Uzed (1984) llegaron con un flujo de ideas suave, majestuoso, estilizado y ocasionalmente titánico. Capaces de copiar y mezclar estereotipos desde la música atonal como también el jazz-rock, minimalismo así como música oriental, fantasías clásicas así como réquiems, los múltiples tours de force de Heatwave (1986) permanecen entre los más grandes logros del rock progresivo. Cinemáticas y misteriosas, elegantes y dramáticas, las composiciones para cuerdas, instrumentos de viento y teclados de Daniel Denis acuñaron una nueva clase de fusión de música de cámara y jazz.

Art Zoyd (3) fueron aún más clásicos. Mientras que ellos nunca se alejaron completamente de su influencia original (jazz-rock de Magma y Henry Cow), su paleta orquestal amplia pintaba un sonido lujoso y sinfónico con la postura austera de la vanguardia clásica. Generations Sans Futur (1980), Symphonie Pour Le Jour Ou Bruleront Les Cites (1981), los cuales trasponían el estilo de Stravinsky dentro de la música rock, y Phase IV (1982) desplegaban un "oído" notable para las texturas densas y dramáticas, las cuales surgirían nuevamente en la banda sonora Metropolis (2002).

Aksak Maboul de Bélgica (1) fueron quizás los seguidores más eclécticos de Henry Cow. Un sentido de humor dadaísta hizo Un Peu De L'Amour Des Bandits (1980) una deliciosa parodia de jazz-rock. Etron Fou Leloublan de Ferdinand Richard fueron igualmente consagrados con su Les Poumons Gonfles (1982).

La música semi clásica de Geographies (1986) puso a Hector Zazou (1) aparte de cualquier otro. El ya había entregado un trabajo de rock progresivo original, Traite De Mechanique Populaire (1979), como miembro de ZNR.

Shub-Niggurath fueron discípulos de Art Zoyd y Univers Zero.

Dos grupos suecos fueron pioneros en una fusión original de folk, jazz y clásica: Ragnarok en Ragnarok (1976), y Kebnekajse en Balladen om Bjorbar och Natmelor, de su III (1975).

Finch (1), desde Holanda, crearon las cuatro sesiones instrumentales largas de Glory Of The Inner Force (1975) y los dos melodramas afluentes de Beyond Expression (1976), A Passion Condensed y Beyond the Bizarre.

Super grupos 1975-80

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En Gran Bretaña, la estación del art-rock alcanzó su cima con los grupos de finales de los 1970s.

10cc (1), formado por el veterano escritor de canciones Graham Gouldman (quien escribió muchos de los éxitos de los Yardbirds y los Hollies) y los multi instrumentalistas veteranos Lol Creme y Kevin Godley, servían arreglos kitsch ridículos con gusto demente e ingenio cómico, ocasionalmente reminiscencia de Bonzo Dog Doo Dah Band, mejor representada por su tour de force de alta tecnología The Original Soundtrack (1975), cuyo sonido deslumbrante fue el resultado de un verdadero collage de estudio.

Miembros originales de 10cc Godley & Creme (1) lanzaron una carrera separada con su ópera rock en tres álbumes Consequences (1976), que usaba una nueva técnica para producir sonidos sinfónicos, corales y naturales, el primero en una serie de álbumes pretendidamente bizarros.

Foreigner (1), formado por el guitarrista original de Spooky Tooth, Mick Jones, y por el tecladista original de King Crimson, Ian McDonald, tocaban una versión más pop y hábilmente arreglada de el boogie-rock de Bad Company en álbumes tales como Double Vision (1978).

UK (1) consistía el tecladista y violinista original de Roxy Music, Eddie Jobson, el guitarrista original de Nucleus, Allan Holdsworth, el bajista original de King Crimson, John Wetton y el baterista original de Yes, Bill Bruford. UK (1978) destacaba la suite In The Dead Of The Night. Wetton se unió a un nuevo supergrupo, Asia (1), formado por el baterista original de EL&P, Carl Palmer, el guitarrista original de Yes, Steve Howe y el tecladista original de Buggles, Geoff Downes, pero Asia (1982) ofrecía una mezcla de rock pesado y suave. Mientras que eran impecables técnicamente, las canciones de estos super grupos desplegaban poca emoción y sonaban algo atrasadas, considerando lo que había avanzado el rock progresivo.

Sky (1), formado por el guitarrista clásico John Williams y con el tecladista original de Curved Air, Francis Monkman, tocaban rock progresivo pretencioso para las masas, aunque con suites extensas tales como Where Opposites Meet (1979) y FIFO (1980), ambas escritas por Monkman, haciendo referencia a los primeros días del género.

  • 1973: Los Estados Unidos, derrotados, abandonan Vietnam después de haber matado a cerca de 2 millones de civiles y 1 millón de soldados, y perdiendo 58000 hombres
  • 1973: La CIA ayuda al ejército chileno, conducido por el general Augusto Pinochet, para derrotar el gobierno socialista de Salvador Allende (30,000 disidentes son encarcelados y torturados, y 2,000 "desaparecen")
  • 1973: Martin Cooper en Motorola inventa el primer teléfono(celular) portátil e inalámbrico
  • 1973: El aborto es legalizado en los Estados Unidos
  • 1973: Los países árabes imponen un embargo petrolero contra el occidente y los precios del petróleo se disparan, precipitando así una depresión mundial
  • 1973: Gran Bretaña se une a la Unión Europea
  • 1973: Se inaugura el World Trade Center en Nueva York, el rascacielos más grande del mundo