Una Historia de la Musica Rock

por piero scaruffi

(Traducido por David Medina)

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Música disco 1975-80

Funk 1974-78

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Los cimientos de la música funk habían sido puestos a mediados de los 1960s por James Brown, los MG's, Sly & The Family Stone, los Meters, Dyke & The Blazers, etc. El poli ritmo sincopado, la línea de bajo groovy, el timbre metálico de la guitarra, el aullido falsete fueron introducidos en los 1960s. Sin embargo, la música funk tendría que esperar hasta la era de la realineación antes de que es convertir en un generó por sí mismo. La banda blanca de Detroit Rare Earth, con I Just Want To Celebrate de Dino Fekaris (1971), War, el viejo grupo fundado en Los Angeles por el vocalista británico Eric Burdon, con Spill The Wine (1970) y The World Is A Ghetto (1972), y los Jackson Five (protagonizando el joven Michael Jackson), con I Want You Back (1970), ABC (1970), The Love You Save (1970) y I'll Be There de Berry Gordy (1970), lo llevaron a la cima de las listas éxitos, mientras empezaba una manía por el baile que no había sido vista desde el twist de principios de los 1960s. Las discos abrieron sólo para tocar música funk.

War, uno de los pocos grupos multirraciales, fueron los más innovadores de los grupos funk comerciales con sus fantasías extensas: una con tintes cubanos Fidel's Fantasy en War (1971), la cancioncilla bailable contagiosa The World Is A Ghetto y la sesión proto-disco City Country City en The World Is A Ghetto (1972). Más adelante promovieron la fusión latino-funk con The Cisco Kid (1972) y especialmente Low Rider (1975).

Por mucho el artista más creativo (y figura de culto) de la música funk primera fue George Clinton, cuyas bandas, Parliament (3) y Funkadelic (2), con el tecladista Bernie Worrell (quien en 1978 fue pionero en las líneas de bajo sintetizadas) y el bajista de James Brown, William "Bootsy" Collins, adoptaron el ethos de la contracultura psicodélica, la actitud satírica de los raros, un sonido que mezclaba jazz, soul, Jimi Hendrix y acid-rock, y letras rayaban en lo porno, horror y ciencia ficción. Su vodevil excéntrico no tenía rivales: Funkadelic (1970), Maggot Brain (1971) y el gigantesco One Nation Under A Groove (1978) de Funkadelic, así como Clones of Dr Funkenstein (1976), el visionario Mothership Connection (1976), el grandioso Funkentelechy Vs The Placebo Syndrome (1977) y el surrealista Motor-Booty Affair (1978) de Parliament, hicieron a Clinton el Frank Zappa de la música funk.

La música funk era la banda sonora de mediados de los 1970s, abrazada por grupos tales como: Kool And The Gang de Ronald Bell, el Maciel el modelo de Sly Stone, desde Funky Stuff (1973) hasta Celebration (1980); el trío vocal Labelle, protagonizando Patti LaBelle (Holt) y Nona Hendryx, quienes mezclaban rhythm'n'blues y rock'n'roll y adoptaron una imagen clamorosa para Lady Marmalade de Bob Crewe y Kenny Nolan (1974); los Commodores, dirigidos por el saxofonista tenor Lionel Ritchie, con el instrumental electrónico Machine Gun (1974); el concepto de fusión jazz-soul-rock del baterista Maurice White, Earth Wind And Fire, con Shining Star (1975) y Serpentine Fire (1977), el falsete afeminado de Philip Bailey, los teclados flotantes de Larry Dunn, y una sección de metales tipo Stax; los percusivos Ohio Players, con Fire (1974) y Love Rollercoaster (1975); El exuberante K.C. And The Sunshine Band de Harry Wayne Casey y Richard Finch, desde That's The Way I Like It (1975) hasta Baby Give It Up (1983), la quintaesencia del "Miami sound"; Graham Central Station de Larry Graham, con The Jam (1976), el sonido de la música funk que vendría; Cameo de Larry Blackmon, los únicos veteranos en dominar dos décadas, desde Funk Funk (1977) hasta Word Up (1986); y, en Gran Bretaña, la Average White Band, con el instrumental Pick Up The Pieces (1974). La vocalista ex-Labelle Nona Hendryx fusionó funk, soul y hard-rock en su Nona Hendryx (1977). Tina Turner, la esposa de Ike quien había sido el sexy pilar de su negocio, capitalizó un estilo vocal tipo tigre con el groove funk-boogie de Nutbush City Limits (1973). Betty Davis (esposa de Miles), fue sexualmente agresiva y vocalmente ruda en Betty Davis (1973), con la sección de ritmo de Sly Stone y las Pointer Sisters, y fue pionera en una imagen que uniría a la era psicodélica y la era disco.

El soul percutor y con tintes latinos de Miami fue mejor representado por los escritores de canciones y productores blancos Richard Finch y Harry Casey, quienes grabaron Rock Your Baby de George McCrae (1974) y formaron la KC and the Sunshine Band, uno de los grupos con más éxitos frecuentes con Get Down Tonight (1975), That's The Way I Like It (1975), Shake Your Booty (1976), I'm Your Boogie Man (1977), Please Don't Go (1979), Baby Give It Up (1983).

Otro visionario tipo Zappa, August Darnell (2), formó el cómico y exótico Dr Buzzard's Original Savannah Band (1976) y escribió la trilogía acreditada a Kid Creole And The Coconuts, cuya mejor obra fue el musical tropical y odisea satírica Fresh Fruit In Foreign Places (1981). Ambas aventuras visualizaban en formato multiétnico tipo collage y caótico que se prestaba igualmente al swing, cha-cha-cha, soul, salsa, calipso, reggae, rock.

Lipps Inc, el proyecto solista de Steven Greenberg, marco la transición a la música funk totalmente electrónica con Funkytown (1980).

Música disco 1974-78

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La música funk abrió las puertas a la subcultura disco. Había una reacción, particularmente entre los homosexuales neoyorquinos, para la dominación de la música rock en las ondas de radio. Las personas querían bailar, pero la contracultura había satanizado la música bailable. La música funk servían para una audiencia que estaba cansada de solos de guitarra y ritmos boogie. Los negros solían organizar fiestas bailables. Perseguidos por la opinión pública y por sectas puritanas, los homosexuales habían creado islas sociales dentro de las metrópolis. Sus clubes nocturnos estaban tan segregados como las iglesias negras en los 1950s. Los homosexuales tomaron la misma idea de las fiestas bailables negras y usaron la misma música para sus fiestas, que se llevaban a cabo en aquellos clubs privados, que pronto se convertirían en "discos". Las discos se hicieron tan exitosas que se transformaron rápidamente desde un fenómeno marginalizado, discriminado y subterráneo a una locura chic para los yuppies. Lejos de ser agentes de las instituciones, los homosexuales adoptaron muchas marcas de la cultura hippy (baile en forma libre, luces psicodélicas, disfraces coloridos, alucinógenos). La comunidad homosexual neoyorquina redescubrió una nueva faceta de la psicología humana, que había sido bien conocida para las culturas antiguas: la despersonalización debido al éxtasis colectivo permitía y promovía la libertad de expresión. La fusión catártica y regenerativa de la música disco se toma en cuenta para la velocidad de rayo con la que se esparció alrededor del mundo.

Mientras la música funk estaba en pleno auge, tres eventos agregaron ímpetu a las discos. El soul orquestal alcanzó una nueva cima con las líneas y posturas sexy de Barry White: las baladas sensuales y lánguidas Can't Get Enough Of Your Love (1974) y You're The First The Last My Everything (1974), así como el instrumental de la Love Unlimited Orchestra Love's Theme (1973), de su Rhapsody in White (1974). Ese mismo año, Autobahn de Kraftwerk se convirtió en el primer sencillo exitoso en ser tocado completamente con instrumentos electrónicos y elevando un ritmo electrónico. Finalmente, en 1975 Robert Moog introdujo el Polymoog, el primer sintetizador polifónico comercial, el cual reducía grandemente el costo de producir música electrónica.

Los primeros artículos relativos a "música disco" aparecieron en 1972, y el invento se acredita al saxofonista de jazz nacido en Camerún pero basado en París, Manu Dibango, quien lanzó en ese año Soul Makossa (1972), una mezcla excitante de líneas de saxofón funk-jazz y ritmos africanos hipnóticos. Otros venenos el concepto, tales como los Equals, una banda británica racialmente mezclada liderada por el vocalista de Guyana, Eddy Grant, con Black Skin Blue Eyed Boys (1970) y War con City Country City (1972), exhibieron los mismos fundamentos multirraciales y cosmopolita. El catalista, sin embargo, era la audiencia homosexual negra, particularmente en Nueva York. Un poco después, los productores de soul veteranos de Filadelfia, Kenny Gamble y Leon Huff escribieron Love Is The Message (1973) para MFSB (siendo su núcleo la máquina rítmica humana del baterista Earl Young y el bajista Ron Baker), el modelo para los primeros éxitos disco. Otra grabación pionera fue lanzada por los Hues Corporation, Rock The Boat de Wally Holmes (1974).

Sin embargo, el tecladista y productor alemán nacido en Italia Giorgio Moroder (1), quien había fabricado sencillos bailables desde finales de los 1960s, es el hombre a quien se le puede acreditar con unir la música robótica de Kraftwerk (un artefacto muy europeo y elitista) con la música soul/funk (un género muy estadounidense y enraizado). Moroder comprendió el poder de los teclados electrónicos tanto para "cantar" la melodía y para "marcar" el ritmo. Su primer experimento fue la diva estadounidense del soul Donna Summer: su Love To Love You Baby (1975) co inventó la música disco y lanzó la idea de la "disco mix", mientras I Feel Love (1976) básicamente marcó el nacimiento del synth-pop. Las obras maestras de producción de Moroder fueron sus álbumes solistas, notablemente From Here To Eternity (1977). Un estilo similar estaba siendo refinado en Francia por Jean-Marc Cerrone, particularmente con las dos suites electrónicas extensas Love In C Minor (1977), una de las primeras canciones de duración del lado de un álbum que simplemente extendía la versión de una canción, y Supernature (1978).

Otras estrellas alemanas de los años de la música disco son Silver Convention, la obra intelectual de los productores Silvester Levay y Michael Kunze, con Fly Robin Fly (1975) y Get Up And Boogie (1976), y Boney M, la obra intelectual del productor Frank Farian, con Baby Do You Wanna Bump (1975) y Rasputin (1978).

The Hustle de Van McCoy (1975) definió el estándar en Manhattan, centrando la armonía alrededor del ritmo hipnótico de la sección de ritmos. La moda de los sencillos de 12" empezó cuando Walter Gibbons lanzó una versión de 11 minutos de Ten Percent de Double Exposure (1976). Disc-jockeys negros y homosexuales revivieron canciones de rhythm'n'blues viejas y oscuras, le agregaron un ritmo pulsante y extendieron su duración (una técnica importada de Jamaica) con el fin de hacer a la gente bailar el mayor tiempo posible. La música disco se convirtió en una música de productor, y una música orientada hacia el estudio, impulsada por instrumentos artificiales, el opuesto exacto de la música rock, el cual enfatizaba la experiencia en vivo y estaba interpretado con instrumentos eléctricos. La diferencia era más que técnica: rock music era un espectáculo macho, directo y agresivo, mientras que la música disco era un desliz sensual, afeminado y lánguido.

Los Bee Gees, los hermanos australianos veteranos dirigidos por el escritor de canciones Barry Gibb, quienes habían sido estrellas de los sesentas (A Message To You, 1968), se convirtieron a la música funk orientada en teclados con Jive Talking (1975) y You Should Be Dancing (1976), y después grabaron la banda sonora para la película Saturday Night Fever (1977), que, gracias a Staying Alive y Night Fever, lanzaron una moda mundial de la música disco.

Los Trammps estaban entre los primeros grupos soul en beneficiarse de la nueva moda, gracias a Disco Inferno (1977), escrita por el tecladista veterano de Philadelphia, Ron Kersey.

Chic (un quinteto dirigido por el bajista negro virtuoso Bernard Edwards y el guitarrista Nile Rodgers) promovieron el estereotipo más abusado: ritmo funk minimalista propulsado por la batería como máquina (Tony Thompson) y embellecido con cuerdas y cantantes femeninas. La formulación clásica del dogma se puede encontrar en Dance Dance Dance (1977), Le Freak (1978) y Good Times (1979), tres himnos de la decadencia sociopolítica de la era. Rodgers se convirtió en uno de los productores más distintivos de la música bailable.

El aspecto femenino fue mucho más relevante en la música disco de lo que había sido en la música rock. Muchos de los primeros sencillos disco estaban cantados por mujeres, estableciendo una primacía que permanecería a través de los años.

La iconografía homosexual femenina le debe mucho a la modelo jamaiquina Grace Jones, cuya apariencia glacial, andrógina, futurista y aspecto de pantera así como su voz monótona redefinió el concepto de elegancia para las masas de la música disco. I Need A Man (1977) fue el éxito que creó el culto. Ella representaba el punto final de una enfermedad que se había esparcido desde la Lulu de los expresionistas a Marlene Dietrich al rock decadente.

La "diva de la disco" prototípica fue Gloria Gaynour, quien fue pionera en la mezcla extendida con la versión de Never Can Say Goodbye de Isaac Hayes (1974), por mucho el invento de Tony Bongiovi, originalmente un productor de Motown quien en Nueva York fusionó los arreglos orquestales deslumbrantes de la música soul estilo Filadelfia y el estilo energético de Motown (con el baterista Alan Schwartzberg definiendo el estándar para la propulsión high-hat cymbal implacable) y cuya I Will Survive (1979), compuesta por Dino Fekaris, permanece como uno de los himnos quintaesencia de la era, y Thelma Huston, la cual su éxito más grande fue una versión de Don't Leave Me This Way de Kenny Gamble y Leon Huff (1977), pero también veteranas como Shirley Goodman (de Shirley & Lee), quien cantó Shame Shame Shame (1975), una una canción compuesta por otra veterana, Sylvia Robinson (de Mickey & Sylvia).

Lejos de ser simples éxitos "bubblegum", muchas de estas producciones emplearon instrumentalistas de alto nivel provenientes de la escena rhythm'n'blues y del jazz. El sistema de producción era, de hecho, muy similar a los de las fábricas de éxitos de Motown o Filadelfia, con la ventaja de que Nueva York ofrecía músicos de jazz fácilmente disponibles.

A finales de 1976 Blondie tendió un puente entre la música disco y el punk-rock, los dos géneros que estaban avanzando dramáticamente en la civilización occidental. En 1977 la película "Saturday Night Fever", al promover la música disco más allá de homosexuales y negros, lanzó la fiebre disco alrededor del mundo. Millones de muchachos dejaron de soñar en convertirse en guitarristas y empezaron a soñar en convertirse en bailarines acrobáticos. Aquellos que no eran punks, eran adictos al disco.

Al mismo tiempo que la música disco se convertiría en un fenómeno de mercado de masas, algunos clubs siguieron definiendo el estándar para la innovación. En 1977 la disco "Warehouse" abrió en Chicago y Frankie Knuckles se convirtió en su disc-jockey residente, y en 1978 la disco "Paradise Garage" para homosexuales negros abrió en Nueva York y su fundador Larry Levan se convirtió en el primer disc-jockey superestrella.

El sonido de la música disco empezó a cambiar después de que (1978) Dave Smith (de Sequential Circuits) introdujo el "Prophet-5", el primer instrumento musical basado en microprocesador, así abriendo la puerta a la edad de los sintetizadores digitales, la cual reemplazó a los sintetizadores controlados por voltaje (análogos). El año anterior Roland había introducido la primer máquina de ritmos para las masas, y en 1978 Roland introdujo el secuenciador MC-4, el primer secuenciador para las masas. Secuenciador, máquinas de ritmo y los nuevos sintetizadores vinieron a caracterizar el sonido de la era disco.

Así como los productores blancos (y frecuentemente europeos) empezaron a componer suites inspiradas por la música clásica y por música easy-listening, empleando baterías de máquinas de ritmos, secciones del cuerdas y solos de metales, la música disco se hizo cada vez menos "negra" y cada vez más "blanca".

La era dorada de la música disco terminó básicamente en 1979, el año de los himnos, notablemente la YMCA de Village People (1979), producida por Jacques Morali, y We Are Family de Sister (Debbie) Sledge (1979), escrita por Edwards y Rodgers de Chics, las cuales ambas celebraban a la comunidad disco al interior. Igual que las auto celebraciones de la civilización hippy anunciaban la comercialización del rock psicodélico, las auto celebraciones de la civilización homosexual anunciaban la "mercantilización" de la música disco.

Esto es evidente, por ejemplo, en los sencillos infectados de gospel elaborados por el productor Richard Perry para las Pointer Sisters, que acelerarían su ritmo cada vez más, desde He's So Shy (1980) hasta I'm So Excited (1982), Jump (1984), Neutron Dance (1984).

Simbólicamente, la música disco regresó a África con Discolypso (1979), un baile electrónico con tintes de calipso cantado por Mack Bunny (Cecil MacCormack) de Sierra Leona, y después con Rikiatou (1982) y African Typic Collection (1983), números makossa para salón de baile por Sam Fan Thomas de Camerún.

Los reyes del pop 1975-79

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Los 1970s fueron la década en la cual la música pop se hizo negra, ya que las listas tradicionalmente definidas como "música blanca" vinieron a ser dominadas por cantantes negros. Básicamente, la música soul derrocó a la música pop.

Michael Jackson (1), quien se hizo independiente en 1979 bajo el tutelaje del productor veterano de rhythm'n'blues y jazz Quincy Jones, lanzó el álbum más grande todos los tiempos (si las ventas definen la grandeza), Thriller (1982). Como su predecesor, Off The Wall (1979), y su sucesor, Bad (1987), este collage trivial de clichés pop-soul y ritmos bailables, estilísticamente y magistralmente orquestado por Jones empleando la más alta tecnología, fue complementado por la construcción deliberada de una persona surreal, una especie de figura de cuento de hadas, mitad niño y mitad hombre, tiernamente inseguro y ligeramente histérico, sexo neutro, raza neutra y edad neutra, fácilmente identificado por su máscara, sus disfraces y sus movimientos.

El multi instrumentalista de Minneapolis Prince Nelson (4) era la contraparte intelectual de Jackson. Este andrógino licencioso, especialista en baladas casi porno, no sólo escribía sus canciones sino también tocaba todos o la mayoría de los instrumentos. Su formato favorito era el álbum conceptual, no es sencillo de éxito. Su fusión de pop, soul y rock estaba conducida por libido pura. Prince básicamente transformó los gemidos y gritos de la cópula en un estilo de cantar, un falsete neurótico y delirante que continuamente hacia referencia al placer sexual. Si bien los elementos fundamentales permanecieron los mismos a través de la década, el énfasis cambio desde la auto celebración simple 1999 (1982) a la épica Purple Rain (1984) a la barroca auto indulgente Around The World (1985) al trabajo de relojería semiótico y postmoderno de Sign Of The Times (1987). Cada álbum era un tour de force tanto erótico y estilístico. Su carrera como un todo fue tanto un acto lascivo como una enciclopedia pop.
Las habilidades para escribir canciones de Prince, fueron desplegadas también en Manic Monday de las Bangles (1986) y Nothing Compares de Sinead O'Connor (1990), parte de una tradición blanca que hace referencia al Brill Building y atraviesa por Brian Wilson y Todd Rundgren.

Un híbrido funk-rock-pop parecido fue preparado por Rick James en Come Get It (1978), quien después perfeccionó la idea para Street Songs (1981).

Otro cantante y escritor de canciones negro, Lionel Richie, fue el amo de la balada sentimental, primero con los Commodores, principalmente Three Times A Lady (1978) y Still (1979), y después solista, por ejemplo Lady (1980), Endless Love (1981), All Night Long (1983), Say You Say Me (1985), y el himno humanitario We Are The World (1986).

Los éxitos solistas de Lionel Ritchie All Night Long (1983) y Say You Say Me (1985) continuaban con el formato de balada que él había acuñado con los Commodores Three Times A Lady (1978) y Still (1979).

Otros competidores negros en el género de la balada romántica fueron Billy Ocean, Teddy Pendergrass y el productor cantautor Luther Vandross.

Al final de la década, la música soul estaba siendo enterrada bajo la sofisticación tecnológica siempre creciente del hip-hop y el ruido del techno, pero se les ingeniaba para producir talentos digno de los clásicos, notablemente Anita Baker, quien definió un nuevo estándar para la balada romántica clásica con Angel (1983), Sweet Love (1985), Giving You The Best I Got (1988) y Body And Soul (1994).

Never Too Much de Luther Vandross (1981) y The Poet de Bobby Womack (1981) fueron álbumes influyentes del futuro de la balada pop-soul.

Entre la banalidad del pop blanco, Bette Midler cantaba The Rose de Amanda McBroom (1977), y Barry Manilow, el arreglista de Bette Midler, cantaba su propio Mandy (1974). Ambos se convirtieron en nombres conocidos y el último se convirtió en el único artista después de Frank Sinatra en tener cinco álbumes al mismo tiempo en la lista de éxitos de Billboard (1978). Olivia Newton-John fue, por mucho, la artista blanca mejor vendida de la década, gracias no tanto a sus éxitos insustanciales country-pop (empezando con Let Me Be There en 1974), sino a los duetos nostálgicos de John Farrar You're The One That I Want (1978) y Summer Nights (1978) por la película Grease y al mega éxito Physical (1981), compuesto por Steve Kipner y Terry Shaddick, y producido por John Farrar, para otra banda sonora de película. Debby Boone tenía el otro éxito masivo del tiempo, You Light Up My Life de Joe Brooks (1978), también de una banda sonora de película. Estos éxitos de Olivia Newton-John y Debby Boone fueron los primeros éxitos desde los sesentas en dominar verdaderamente las listas después de un largo período en el cual los éxitos iban y venían bastante rápido.

  • 1975: Sectas cristianas y musulmanes empiezan una guerra civil en Líbano
  • 1975: Tropas iraquíes masacran miles de civiles kurdos y rebeldes después de colectarlos en "dar al-fana" ("casas de aniquilación")
  • 1975: MacDonald's abre el primer restaurante con servicio en automóvil en Arizona
  • 1975: Los Baader-Meinhof aterrorizan Alemania
  • 1976: La serie televisiva "Los Ángeles de Charlie" tiene tres mujeres como protagonistas
  • 1976: El aeroplano supersónico Concorde comienza dar servicio entre Paris y Nueva York

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