Una Historia de la Musica Rock

por piero scaruffi

(Traducido por David Medina)

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Mente psicodélicas

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El auge de la música psicodélica, y la liberación psicológica traída por la generación hippie, adoptó la llegada de una generación de músicos originales.

una de las mentes más luminosas e idieosincráticas en la historia de la música rock, y uno de sus mitos más durables, Syd Barrett (11) fue el alma excéntrica e idealista del primer Pink Floyd. Después de abandonar la banda, grabó dos obras maestras de la música folk psicodélica, The Madcap Laughs (1970) y el aún mejor Barrett (1970). Las palabras de Barrett están inspiradas en (y cantadas en el tono de) cuentos de hadas y canciones de cuna, pero lo traiciona la paranoia y la soledad. Su voz es indiferente al extremo de que no tiene sentido luchar contra la agonía. Su mente transmite visiones otro mundo, y casi suena como Alicia en el país de las maravillas reportando desde el bajo mundo, pero ésta es Alicia después de que se da cuenta de que no puede regresar nunca más, Alicia paralizada por el miedo y la angustia. Musicalmente, Barrett, bendecido con el don de la espontaneidad, tenía una forma simple de organizar una amplia paleta, que abarca la gama desde lo espiritual (Baby Lemonade) al ragtime (Gigolo Aunt) desde el blues (Rats) hasta la música de circo y de salón de baile. Su melodía más perfecta, Love Song, y el himno definitivo de su locura melancólica ingenua, Waving My Arms In The Air se eleva sobre el panorama tipo Dalí. Porque ellos definieron, de una vez y por todas, la relación entre la música "excéntrica" y la "privada" (en una forma similar al surrealismo y al psicoanálisis), esos álbumes ejercerían una influencia sin paralelo en las generaciones subsecuentes de cantautores. Barrett, cuya salud mental estaba deteriorándose rápidamente, nunca grabaría a través.

Otro raro psicodélico, John "Twink" Alder (1), ex-Tomorrow y ex-Pretty Things, ensamblo otro repertorio formidable de sinsentidos, Think Pink (1970). Twink y los remanentes de los Deviants formaron los Pink Fairies (2), quienes grabaron dos de los álbumes más originales del hard-rock: Never Never Land (1971), con Uncle Harry's Last Freak-out, y Kings Of Oblivion (1974).

El tercer iconoclasta solitario de la psicodelia británica fue el guitarrista de Fleetwood Mac Peter Green (10), quien lanzó el álbum todo instrumental The End Of The Game (1970) antes de retirarse por casi una década. Tomando el formato de la sesión de jazz, pero con la atmósfera de las pinturas surrealistas de Ernst, bandas sonoras de horror y rituales vudú, Green fue indulgente en panoramas sonoros puros. El movimiento alucinante de la guitarra ondea texturas coloridas para salmos tipo mantra. Su música visceral y primordial captura la erupción de los volcanes, de las mareas del océano y el ciclo de vida de los bosques ecuatoriales. La expansión de conciencia de Green es tanto tontería y éxtasis, que bien podría ser definido como terror épico.

Hawkwind (2) fueron pioneros en el "space-rock", un híbrido del hard-rock y del acid-rock que unía el poder sónico del primero y la libre improvisación del segundo (y las visiones de ciencia ficción de Robert Calvert). In Search Of Space (1971) y Doremi Fasol Latido (1972), resumidos en su Space Ritual (1973), redefinieron la idea, pero lo de ellos en un fenómeno de culto que se enfocaba básicamente en las ejecuciones en vivo (algo similar a lo que había ocurrido en los Estados Unidos con los Grateful Dead) mientras tenían la actitud frenética y ruidosa de los MC5. El sonido gigantesco de Hawkwind también representaba un enlace natural (sin importar qué tan demente) entre la cultura hippy y la cultura punk.

En los Estados Unidos habían varios casos de locura similar. El bajista de Buffalo Springfield Bruce Palmer (1) lanzó The Cycle Is Complete (1971), quizás el único trabajo más "drogado" de la era, antes de desaparecer de la escena musical.

David Crosby (10), original de los Byrds quien podría reclamar ser el inventor del acid-rock, del raga-rock y del space-rock, lanzó sólo un álbum antes de caer víctima de sus adicciones a las drogas, pero ese álbum, If I Could Only Remember My Name (1971), que absorbía su experiencia con los Jefferson Airplane y con Crosby Stills Nash & Young, permanece como uno de los documentos más conmovedores de la era post-hippy. Muchas figuras históricas de la escena del acid-rock de San Francisco asistieron a las sesiones, incluyendo la mayoría de los Jefferson Airplane y de los Grateful Dead. Los salmos melancólicos, soñadores y extáticos de este álbum están imbuidos en estructuras sueltas, deslumbrantes e impresionistas. Crosby viaja a otro universo, susurra, se lamenta, balbucea, agoniza, irradia "om"s, platica con espejismos y fantasmas, se hunde en un trance místico-psicodélico.

Merrell Fankhauser (2), educado en la música surf de Los Angeles (él escribió Wipe Out de los Surfaris), formó Mu junto con el guitarrista de Captain Beefheart, Jeff Cotton. Su primer álbum, Mu (1971), fue un ejemplo único de rock místico/exótico/ácido. Mudándose a Hawaii, Fankhauser produjo un álbum bizarro tras otro, alcanzando eventualmente el nirvana musical con Message To The Universe (1986), una ópera rock metafísica.

El cantante folk de protesta Buffy Saint-Marie cantó el alucinado Illuminations (1969), arreglado con sonidos electrónicos por el compositor Michael Czajkowski.

Ya Ho Wha 13 (1) fueron formados en 1969 (también en Los Angeles) por un beatnik maduro llamado Jim Baker quien se creía asimismo un dios y se hacía llamar Father Yod. En álbumes tales como la obra maestra Penetration (1974) ellos entregaron sonidos psicodélicos extremos, que empleaban tambores tribales y guitarras distorsionadas en una forma deliberadamente infantil.

En Florida, Strange de Terry Brooks (1) grabó álbumes de psicodelia disonante y de forma libre, tales como Raw Power (1976).

Space-rock japonés 1970-73

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El rock psicodélico había sido importado en Japón por innumerables bandas que hacían versiones y por bandas originales tales como los Jacks, cuyo Vacant World (1968) fue un clásico original. El space-rock japonés nació con Hadaka no Rallizes (también conocido como Les Rallizes Denudes), quien tomó inspiración de los espectáculos de luz y sonido Exploding Plastic Inevitable de los Velvet Underground, y del sonido altamente amplificados de Blue Cheer. A pesar del hecho de que nadie lo escucharía por dos décadas, Japón permaneció como una fuente invaluable de bandas de space-rock.

Los Taj Mahal Travellers (11), dirigidos por el compositor y violinista de vanguardia Takehisa Kosugi, tocaban sesiones extensas e improvisadas para pequeños ensambles (violín, armónica, bajo, tuba, trompeta, sintetizador, mandolín, percusiones) que podía ser resumido en tres principios: un acercamiento del Lejano Oriente a la música como un organismo viviente, un procesamiento electrónico intenso de instrumentos y voces, una sobre exposición semi matemática de frecuencias. Básicamente: LaMonte Young en ácido. Coleccionada en July 15 1972 y August 1974, su música abarcaba desde los siseos cósmicos a las distorsiones de pesadilla, desde los bacanales pow-wow a los cantos y zumbidos tipo tibetanos.

Lost Aaraaff de Lost Aaraaff (1971) fue dedicado a tres sesiones improvisadas. Su joven guitarrista, Keiji Haino (4) grabó la misa oriental Ama No Gawa - Milky Way (1973). Después, inspirado por el maestro del free-jazz Takayanagi Masayuki, Haino formó Fushitsusha (2) para tocar sesiones improvisadas psicodélicas. Empezando con Live I (1989), 100 minutos de ruido que quedan entre las obras maestras de las sesiones psicodélicas de todos los tiempos, un bacanal que vomitaba las ruinas de Blue Cheer, MC5, Iron Butterfly, free-jazz, Grateful Dead y Jimi Hendrix, este trío prolífico (originalmente un cuarteto) lanzaron trabajos monumentales y disolutos que no parecían conocer límites. Fushitsusha (1991) y Hisou - Pathetique (1994) están entre la tendencia, pero lanzamientos posteriores tales como The Wisdom Prepared (1998) y I Saw It (2000) fueron igualmente torrenciales. Mientras tanto, Haino también estaba ocupado con Nijiumu y Vajra. Sus álbumes solistas incluyen las suites galácticas Affection (1992) y Execration (1993), así como su experimento más osado, I Said This Is The Son Of Nihilism (1995). Así como las influencias de LaMonte Young y Brian Eno aumentaban, Haino llegó con Abandon All Words At A Stroke So That Prayer Can Come Spilling Out (2001), contiene una pieza hipnótica para órgano de calle y voz tratada, y un collage industrial de ruidos metálicos, distorsiones y voces fantasmales, así como C'est Parfait (2003), una canción en vivo para caja de ritmo y voces de intensidad vagneriana, Yaranai Ga Dekinai Ni Natte Yuku (2006), un tour de force maníaco de guitarra solista y voces sobre expuestas. Sus colaboraciones incluyen Animamima (2006), con una orquesta sitar de 20 componentes.

La música de Maru Sankaku Shikaku, activa entre 1970 y 1973, fue una experiencia étnica y mística que abrazó el espíritu hippy de los Taj Mahal Travelers y Third Ear Band.

El estilo ecléctico de los Flower Traveling Band (1) alcanzó su cima con la suite en cinco partes Satori (1971), una confluencia de acid-rock, blues-rock, space-rock y hard-rock.

  • 1970: El primer Kinko abre cerca de la Universidad de California en Santa Barbara
  • 1970: Se inventa la fibra óptica
  • 1970: Hay más inmigrantes de América Latina (39%) que de Europa (18%)
  • 1970: Los terroristas palestinos ponen bombas en aeroplanos y otros edificios en Europa