Una Historia de la Musica Rock

por piero scaruffi

(Traducido por David Medina)

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DJs, raperos, ravers

Uno de los problemas con los 1980s era que, hacia el final de la década, un "rockero" era tan obsoleto como figura social y musical así como un cantante pop lo era en 1956. Durante los 1980s tres revoluciones habían tomado lugar en la música popular: la emergencia de los disc-jockeys como una fuerza creativa (en particular en música techno), la llegada del hip-hop (y por lo tanto del "rapero"), y el enlace de la música industrial, heavy metal y hardcore (genéricamente asociado con la cultura "cyber-punk").

Música rap 1979-87

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La idea de rapear fue importada en Nueva York por los inmigrantes jamaiquinos, quienes estaban familiarizados con "toasting" (un artista reggae hablando en rima sobre las secciones instrumentales de un disco). Algunos de ellos se hicieron disc-jockeys ("dj") que viajaban alrededor de Nueva York llevando su "sistema de sonido" para ejecutar en fiestas callejeras.

En 1975 en el Bronx de Nueva York, uno de ellos, Clive "Hercules" Campbell, o "Kool Herc", comenzó a hacer música con dos tornamesas y breakbeats (las secciones instrumentales "breaks" de una canción que se enfocaban en la sección rítmica, la parte favorita de la canción de la mayoría de los bailarines), mientras otro joven negro del Bronx, Theodore "Grand Wizard" Livingstone descubrió accidentalmente el sonido "raspado" de una tornamesa. Los fundamentos técnicos del rap y de la música hip-hop estaban puestos por estos eventos casi aleatorios.

El rap nació de un fenómeno intercultural incestuoso de los suburbios pobres de Nueva York (Harlem, Soho, Greenwich Village, Bronx, Queens, Brooklyn). La música rap fue una evolución de la música dub de Jamaica. El rapero grabaría su voz sobre una base pregrabada de percusiones, bajos y metales. Los precursores del rap fueron disc-jockeys, o "giradores", quienes usaban la técnica de comentar sobre la canción o incitar a la multitud a bailar. La idea de alterar la parte instrumental se originó de la necesidad de proveer canciones bailables interminables, pero evolucionó cuando los disc-jockeys empezaron a pronunciar eslóganes más pretenciosos equivalentes a las letras de una canción, y cuando ellos aprendieron a operar el equipo electrónico que los acompañaba con ritmos más sincopados. Campbell (el mismo solamente un dj) empleaba dos MCs ("maestros de ceremonias", un sobrenombre para los raperos) para introducir sus pistas, y ellos constituían la primer "tripulación (crew)" de raperos (Kool Herc & the Herculoids).

Inspirados por James Brown, los muchachos que atendían las fiestas de Campbell desarrollaron una manera de bailar sexy y estilizada. El baile hip-hop se convirtió en un idioma artístico por sí mismo. El término "b-boy" había sido acuñado en 1969 por DJ Kool Herc para referirse a un estilo de baile acrobático, "breakdancing". Éste fenómeno se había vuelto tan popular que "tripulaciones" se habían formado, notablemente los "Nigger Twins" (1974) y "Rock Steady" (1977), y ellos incorporaron elementos de otros estilos, tales como "capoeira", un baile afrobrasileño. Los "b-boys" estaban solamente interesados en la parte instrumental de una canción, y Campbell pronto aprendió cómo construir pistas ficticias de las partes instrumentales de las canciones funk. Mientras las discos gay se hacían más chic y "blancas", las fiestas de Hercules permanecieron fieles a la música funk hardcore. Cerca, Afrika Bambaataa Asim (Kevin Donovan), líder de la pandilla Zulu Nation, arrojó su primera fiesta a finales de 1976. Mientras tanto, Joseph "Grandmaster Flash" Sadler ofrecía fiestas al aire libre, y Sadler se convertía en el maestro de técnicas tales como "cortar" (cortar una canción en el ritmo), "faseo" (alterar la velocidad del tornamesa) y "back-spinning" (girar un disco en sentido contrario) que mejoraba la experiencia en general.

Los "deejays" se hicieron figuras de culto, el equivalente moderno de los caballeros medievales, peleando duelos que estaban basados en habilidades en la tornamesa. En 1977, el Bronx estaba dividido en tres esferas principales de influencia: Bambaata en el sureste, Hercules en el oeste, y Grandmaster Flash en el centro. Ellos también correspondían a esferas de influencia de diferentes "pandillas" (un concepto que probablemente se originó en New Orleans, donde "pandillas" similares competían durante el "Mardi Gras").

Otro elemento de hip-hop, aunque no musical, fue el arte graffiti de pintura con spray, o "etiquetar" (la "etiqueta" siendo la firma estilizada del pintor graffiti). Comenzó en Filadelfia por los 1960s, con pioneros como las figuras legendarias de Cornbread y Cool Earl (quien pudieron o no haber existido). En 1970 una forma particular de graffiti empezó a aparecer en los carros del subterráneo de Nueva York, y el año siguiente el New York Times reclamaba haber entrevistado al autor, un adolescente solamente identificado como Taki 183 (quien pudo o no haber existido). Estos pioneros podrían ser sólo fantasía, porque muchos otros muchachos empezaron a producir graffitis y firmarlos con los nombres legendarios. (Algunos de estos artistas graffiti, tales como Jean-Michel Basquiat y Keith Haring se hicieron artistas profesionales).

Las primeras grabaciones rap fueron los Sugar Hill Gang's Rapper's Delight (1979) y Kurtis "Blow" Walker's Christmas Rapping (1979) y The Breaks (1979). El último fue el primer sencillo rap certificado en oro.

Así como los collages vertiginosos de breakbeats, efectos de sonido y fragmentos de canciones (una verdadera forma del "montage" predicado por los "futuristas" italianos en los 1910s) se hicieron más atrevidos, los raperos empezaron a enfocarse en las letras para acompañar a la música. Los raperos empezaron a recitar "mensajes" sociopolíticos, como Kurtis Blow lo había hecho en The Breaks (1979), tal como Grandmaster Flash's Message (1982) y Bambaataa's Planet Rock (1982), que establecieron una forma de comunicación subterránea entre los practicantes del género. Los "mensajes" de Grandmaster Flash eran frescos de la vida del ghetto, fusionando comentario sociopolítico y diversión sinsentido. Su The Adventures... on the Wheels Of Steel (1981) fueron los primeros sencillos en usar muestras de las canciones de otras personas (Chic, Blondie, Queen). White Lines (1983) era una orgía de efectos electrónicos.

El primer artista consciente del collage aural del rap fue Afrika Bambaataa Aasim (1), el Leonardo de la "caja de ritmos", el artista rap de Planet Rock (1982), Looking For The Perfect Beat (1982), Renegades Of Funk (1983), World Destruction (1984), cuyo álbum Beware (1986) resumía cinco años experimentos (ayudado por el productor Arthur Baker) de mezclar muestras, ritmos epilépticos, ritmos disco y pop electrónico de Kraftwerk. El estilo fuertemente electrónico de Bambaataa acuñó el "electro-funk" (a menudo abreviado como "electro").

Electro se hizo un género en sí mismo (no relacionado directamente con el "electro" de Detroit, una fusión de house y techno, y sólo vagamente relacionado con el "electro" alemán, una clase de baile industrial). Fue indulgente en un arsenal de máquinas de ritmo, secuenciadores y sintetizadores, los instrumentos una nueva forma de música (en lugar de guitarras, bajo y batería). Donald D And Dj Chuck Chill Out siguieron el camino de Bambaataa con los B-Boys' Rock The House (1983), y Hashim (Jerry Calliste) entregó Al Naayfish (1983). En 1984, Marley Marl (Marlon Williams) accidentalmente produjo la primer muestra de una máquina de ritmos y empezó su carrera como un productor de pistas electro-funk innovadoras, notablemente los Super Kids' The Tragedy (1985). Otras sinfonías para máquinas de ritmo fueron producidas por Duke Bootee, tales como Z-3 MCs' Triple Threat (1986) y Word of Mouth's Coast To Coast (1986). Planet Patrol's Play At Your Own Risk (1984), the Imperial Brothers' We Come To Rock (1984), Nitro Deluxe's Let's Get Brutal (1986). Pero los mejor de todos fueron Mantronix (el producto intelectual del jamaiquino y experto blanco en máquinas de ritmo y tornamesa Curtis Jaleel) con Fresh Is the Word (1985), Needle To The Groove (1985), Bassline (1986), King Of The Beats (1988).

La innovación más importante desde el punto de vista instrumental fue el nacimiento de un nuevo instrumento, la tornamesa. En 1983 el tornamesista DST (DXT) tocaba un solo de "skratch" en Herbie Hancock's Rockit. Lentamente, el tornamesista se hizo tan importante como el guitarrista en la música rock.

Borrando la línea entre "musique concrete" y audio-verite', el tornamesista neoyorquino Steve "Steinski" Stein y Douglas "Double Dee" DiFranco fundaron el arte de DJear (como una forma de arte) con sus mezclas influyentes Lesson One: The Payoff Mix (1983), Lesson Two: The James Brown Mix (1985), Lesson 3: The History of Hip-Hop (1985).

La fusión entre hip-hop y el mundo rock fue alcanzada primero por Run-DMC (3), cuyos álbumes Run-DMC (1984), King Of Rock (1985) y Raising Hell (1986) corrían la gama desde riffs de guitarra hard-rock hasta raps politizados.

Aún mejor, el colectivo llamado Tackhead (23), quienes lanzaron álbumes bajo diferentes nombres, ofrecían uno de las mezclas más exclusivas y de protesta de los dos mundos (y de muchos otros mundos). Con el tecladista Keith Leblanc, el bajista Doug Wimbish, el guitarrista Skip McDonald y el productor londinense Adrian Sherwood como el ingeniero de mezclado en vivo (así introduciendo virtualmente un nuevo instrumento en una alineación del grupo), primero ayudaron al vocalista original del Pop Group, Mark Stewart hacer el maravilloso Learning To Cope With Cowardice (1983) y su continuación Mark Stewart (1987), y procedieron a reinventar el funk, soul, rap y rock a través del montaje multiétnico en Tape Time de Gary Clail (1987) y Stranger Than Fiction de Keith Leblanc (1989). Su misión terrorista culminó con la visión apocalíptica de Friendly As A Hand Grenade (1989).

James Todd Smith, mejor conocido como LL Cool J (1), cantaba acerca de los esplendores y las miserias del ghetto en Radio (1985), y después procedió a acuñar una hiperfusión hiperrealista y híper egocéntrica en los álbumes subsecuentes. Fue el epítome del "rap de fiesta", un compromiso con la sensibilidad pop comercial, un tercer camino entre el "chico rudo" y el símbolo sexual.

1985-86 vio una explosión de la población dentro de la nación hip-hop: Roxanne Roxanne de UTFO (1985), el cual fue tocado por Full Force, The Home Of Hip Hop del raspador Derek "D.ST" Howells (1985), The Show de Doug E. Fresh (Davis) (1985) y La-Di-Da-Di (1985), Sexy de los Masters Of Ceremony (1986), Go See the Doctor de Kool Moe Dee (Mohandas Dewese) (1986), producido por el joven Teddy Riley, Lost In Emotion de Lisa Lisa And Cult Jam (1987), también interpretado por Full Force. etc.

El productor de hip-hop neoyorquino Marley Marl (Marlon Williams), quien hizo su reputación con Roxanne's Revenge de Roxanne Shante (1984), fue el principal responsable para crear sonido de el "rap de fiesta" basado alrededor de nuevas técnicas de sampleo, una hábil combinación de los ritmos de James Brown y secuencias de batería. Su "Juice Crew" realizado por el sexy Big Daddy Kane (Antonio Hardy), el MC de Raw (1988), el comediante Biz Markie (Marcell Hall), es decir la caja de ritmos humana de "Make the Music With Your Mouth" (1988), y el cronista callejero Kool G Rap (Nathaniel Wilson) de Streets of New York (1991), sin mencionar The Symphony del propio Marl (1991), un resumen de toda la tripulación.

Marl representaba el rostro nuevo y profesional del hip-hop: mientras que los primeros raperos están perfectamente felices haciendo discos con un tornamesa y una voz (y sin instrumentos), ahora el dj había evolucionado en un productor, y el breakbeat había sido reemplazado por una banda. El poder estaba cambiando del rapero iliterato al artista rítmico tecnológico.

Otros álbumes transicionales de la cultura "hip-hop" fue el segundo álbum de Whodini Escape (1984), producido por Larry Smith, Full Force de Full Force (1985), Crushin' de los Fat Boys (1987), con el trío cómico de Mark "Markie Dee" Morales, Damon "Kool Rock-Ski" Wimbley y Darren "Buff" Robinson, y He's The DJ I'm The Rapper de DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince (1988), por el rapero de Filadelfia Jeff Townes y el tornamesista Will Smith (un amo del raspado, ritmos sedosos, atmósferas ambientales). Ellos movieron el género simultáneamente hacia la melodía pop (y por lo tanto hacia la aceptación en masa) y hacia la celebración de la violencia de pandilla (y por lo tanto al repudio en masa), una contradicción en términos que permanecería inminente al género.

Paid In Full de Eric B. & Rakim (1) (1987), elaborado por el virtuoso del ritmo Eric Barrier y el estilista en rimas elevadas William Griffin, fue posiblemente el álbum más influyente de la era, tanto rítmicamente (los sampleos de James Brown de Eric y vocalmente (el rapeo fluido y casi melisma de Rakim).

El "mensaje" se hizo mucho más relevante con los raperos Carlton "Chuck D" Ridenhour (la voz revolucionaria) y William "Flavor Flav" Drayton (su contraparte absurda) de Public Enemy (12), cuya música hip-hop de protesta era un llamado a las armas explícito en el rostro de la violencia urbana. Atrapado entre el galvanizante pero ingenuo Yo Bum Rush The Show (1987) y el ebullente, de cataclismo y auto indulgente Fear Of A Black Planet (1990), su obra maestra (y la obra maestra del hip-hop) It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back (1988) fue una colección de sermones poderosos, reminiscencia de los MC5. El equipo de producción, "Bomb Squad", dirigido por Hank Shocklee y dj Norman "Terminator X" Rogers llevó los montajes sónicos del hip-hop hacia nuevos excesos delirantes y violentos. Public Enemy optó por un estilo menos dinámico/intenso pero más estático/duro en Apocalypse 91: The Enemy Strikes Black (1991), un paso que llevó a la vorágine sonora de Muse Sick-N-Hour Mess Age (1994), la cual fue, de nuevo, uno de los álbumes más originales de la era.

Bajo la influencia de Public Enemy, el comentario social se hizo más prominente y hasta el punto en Criminal Minded (1987) y especialmente By All Means Necessary (1988) por Boogie Down Productions (1), la obra intelectual del rapero KRS-One (Kris Parker), Step In The Arena de Gang Starr (1990), Strictly Business de EPMD (1988), Critical Beatbown de los Ultramagnetic MCs (1988), con el joven (pero ya demente) "Kool" Keith Thornton, uno de los primeros grupos en emplear un sampler como un instrumento (acreditado al productor Cedric Miller), y One For All de Brand Nubian (1990).

Schoolly D de Filadelfia (Jesse Weaver) virtualmente inventó el "gangsta rap" (un género que dominaría la escena de Los Angeles en los 1990s) con Gangster Boogie (1984), PSK (1985) y el álbum Saturday Night (1987).

El rap atravesó la barrera racial con raperos blancos tales como los Beastie Boys (1). Licensed To Ill (1987) integró el punk-rock y el hip-hop en un todo orgánico (y fue el primer álbum rap en alcanzar las listas de éxitos), mientras que la orgía de muestras de Paul's Boutique (1989) virtualmente inventó una nueva forma ("cortar y pegar") de hacer música (gracias el equipo productor de los Dust Brothers). Entre los blancos en explotar el género, 3rd Bass fueron quizás los menos peores, gracias a The Cactus Album (1989).

El rap también cruzó géneros con la llegada de una generación viable de raperas femeninas, un fenómeno iniciado en Filadelfia por To the Beat Y'All de Lady B (1980) pero mejor representado en Nueva York por MC Lyte (Lana Moorer)'s Lyte As A Rock (1988) y por las dos damas del destacamento "Native Tongues": Queen Latifah (Dana Owens), con la fusión pop-soul-rap-house de All Hail The Queen (1989), y la londinense Monie Love (Simone Johnson), con Down To Earth (1990). Latifah, en particular, fue influyente en establecer el hip-hop feminista. Las raperas femeninas más exitosas fueron el trío de Nueva York Salt'N Pepa, con sencillos tales como The Show Stoppa (1985), Push It (1988) y Let's Talk About Sex (1991).

Hip-hop empezó a dominar las ondas de radio hacia el final de la década. Nueva York seguía dirigiendo la nación rap, gracias a sus innumerables "destacamentos (posses)" y "tripulaciones (crews)" (términos del hip-hop para "grupo musical"). El mejor álbum en salir del "Juice Crew" fue Kool G Rap & DJ Polo's Wanted Dead Or Alive (1990). El destacamento "Native Tongues", quizás el más creativo de todos ellos, produjo algunos álbumes notables: De La Soul (1)'s el fantasmagórico 3 Feet High and Rising (1989), producido por "Prince Paul" Huston en una forma extravagante que era reminiscencia de George Clinton, Van Dyke Parks y Frank Zappa; Los Jungle Brothers (1)' segundo álbum Done By The Forces Of Nature (1989), uno de los trabajos más positivos y espirituales del hip-hop; Y A Tribe Called Quest (1)'s Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1990) y especialmente su segundo álbum The Low End Theory (1991), dos de los primeros intentos en la fusión jazz-hop. El movimiento "Native Tongue" anunciaba la llegada de una generación de raperos intelectuales, filosóficos y sociológicos que investigaban la condición del alma afroamericana más que las calles épicas de los gángsters.

De La Soul y los Jungle Brothers fueron emblemáticos del "sonido daisy-age" que aumentaron la apuesta para los productores de hip-hop. El tercer pilar del movimiento fue otro grupo neoyorquino, Stetsasonic (1), consistente de tres raperos y tres djs (incluyendo al joven "Prince Paul" Huston), quienes elaboraron In Full Gear (1988) y especialmente Blood, Sweat & No Tears (1991). Ellos también fueron el primer grupo en enfatizar la instrumentación en vivo en la música rap. A.F.R.I.C.A. de Stetsasonic (1987) fue también uno de los primeros discos rap en enfrentar los temas afro americanos.

El trío de rap londinense Stereo MC's estaban también influidos por el movimiento "daisy age" en su Supernatural (1990).

El rap del oeste (que, formalmente, había nacido con Gigolo Rapp de Disco Daddy and Captain Rapp en 1981, y que fue basado principalmente en el área metropolitana de Los Angeles) lentamente empezaron a competir contra el rap del este, gracias a Tracy "Ice-T" Marrow (1)'s 6n' Da Mornin (1986), el primer sencillo de la costa oeste en hacerse popular a lo largo de la nación (y un contrincante por el título al primer himno "gangsta-rap"); gracias a Todd "Too Short" Shaw de Oakland, que se convirtió en la primer estrella rap de la costa oeste con Born to Mack (1987); gracias a MC Hammer (Stanley Kirk Burrell) de Oakland, cuyo Let's Get It Started (1988) hizo al hip-hop atractivo para una audiencia aún mayor y cuyo álbum con tintes de funkPlease Hammer Don't Hurt 'Em (1990) se convirtió en el álbum rap mejor vendida de la era; gracias al cómico Wild Thing de Anthony "Tone-Loc" Smith (1989, escrito por Marvin "Young MC"), el primer éxito comercial para un rapero negro, y Loc'd After Dark (1989), el segundo álbum rap en alcanzar las listas de los éxitos (después de los Beastie Boys); y gracias su mentor, el londinense Young MC (Marvin Young), quien alcanzó su éxito con Stone Cold Rhymin' (1991).

Ice-T fue por mucho el más dotado de su generación. Refinó su acercamiento violento a la vida del ghetto en su segundo álbum confrontacional, Power (1988), pero también emancipó el rap de la costa oeste del rap de la costa este en el álbum doble Original Gangster (1991). Y también tendió un puente entre el mundo del gangsta-rap y el mundo del heavy-metal en Body Count (1991), un proyecto de rock.

La contraparte neoyorquina débil de Ice-T fue Ricky "Slick Rick" Walters, quién reclamarle invención del gangsta-rap para Great Adventures (1988), un ejemplo impresionante de los temas vulgares serían asociados con el género (homicidio, homofobia, misoginia y racismo).

El Is What We Are de 2 Live Crew (1986) introdujo el efervescente sonido "Miami Bass", basado en un ritmo poderoso y galopante; pero se hicieron famosos principalmente por las letras sexualmente explícitas de Move Somethin' (1987), el primer álbum en ser vendido en una versión "limpia" y una versión "sucia", y As Nasty as They Wanna Be (1989), el primer álbum rap en ser prohibido por obsceno.

La breve moda de "new jack swing" fue iniciada y dominada por Teddy Riley's Guy, cuyo Guy (1988) mezclaba hip-hop y rhythm'n'blues en una forma altamente entretenida.

El hip-hop estableció un paradigma significativamente diferente en la forma de hacer la música. Cambiando el énfasis desde la melodía hacia el ritmo no era simplemente una extensión de lo que la música funk ya había hecho: era una revolución copernicano que cambiaba el significado de la palabra "canción". La melodía elegante de la música pop era una negación de la realidad, mientras que los ritmos intrincados de la música hip-hop era una afirmación de la realidad. Donde había canciones melódicas, fundamentalmente, significaba ofrecer un respiro del mundo real, una canción hip-hop era una forma de interpretar una inversión total en esta. La música pop tenía que ver con ser una víctima o una protagonista: la música hip-hop tenía que ver con ser testigo. La música pop tenía que ver con hacer una historia memorable y fácil de recordar: la música hip-hop tenía que ver con hacer una historia tan fría y basada en hechos como la narración de las noticias. El montaje sonoro se hizo posible por las técnicas de sampleo que le agregaron una dimensión extra. El pop concibe al arte como orden: el hip-hop concibe al arte como caos. Así como los instrumentos electrónicos reemplazaban a los instrumentos tradicionales, la composición se hizo una rama de ingeniería, y la ingeniería seis una forma de reflejar el caos del ambiente (urbano).

En Gran Bretaña, The Art Of Noise (1), un colectivo de disc-jockeys y productores con la música electrónica Anne Dudley al frente, fueron indulgentes en pistas instrumentales dichas en estudio que mezclaban ritmos hip-hop y melodías pegajosas, desde Beatbox (1983) hasta Legs (1986), y precedieron al "ambient house" y otros géneros en Who's Afraid Of (1984). Ellos mostraron que la nueva música bailable podría ser fabricada en el estudio, sin la necesidad de una "estrella".

Techno 1984-88

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Techno apareció en Detroit sigilosamente, discretamente, pero el trabajo de visionarios negros tales como Juan Atkins (1), Carl Craig (2), Derrick May, y Kevin Saunderson pronto cambiarían el rostro de las discos alrededor del mundo.

El inventor del techno fue probablemente Juan Atkins, quien en 1981 empezó a hacer grabaciones "techno" en Detroit: el ritmo punzante y rápido de un secuenciador Roland MSK-100, acoplado con arreglos básicos de funk. Atkins fue un miembro del colectivo Deep Space Soundworks, formado con compañeros de preparatoria Derrick May y Kevin Saunderson y centrados alrededor de la disco de la ciudad de Detroit "Music Institute". Atkins acuñó el término "techno" para definir el funk tecnológico de Cybotron, su proyecto con el experto en sintetizadores Rick Davis, que producían sencillos tales como Alleys Of Your Mind (1981) y Cosmic Cars (1982). La identificación de "techno" con un ritmo electrónico rápido empezó con Techno City (1984). El primer sencillo de Atkin como Model 500, No UFO's (1985), realizó la idea. Atkins fue un visionario, pero siguió en los pasos de visionarios que habían venido antes que él. Su propósito era hacer una música futurista que mezclaría el funk abstracto de Parliament con el synth-pop robótico de Kraftwerk.

En 1988 Atkins, May y Saunderson viajaron a Gran Bretaña y Atkins fue invitado a tocar en frente de una multitud en uno de los eventos al aire libre llamados "raves". Atkins pronto se convirtió en un símbolo de lo subterráneo de Londres y ayudó a esparcir el techno de Detroit al resto de Europa a través de sus enlaces con disqueras en Bélgica y Berlín. Rápidamente perdió control de la música que él había inventado, y aún su mejor álbum, un concepto de ciencia-ficción titulado Deep Space (1995), sonaba obsoleto comparado con lo que sus discípulos estaban haciendo alrededor del mundo.

Saunderson era el cerebro detrás de Big Fun de Inner City (1988), pioneros del auge techno de 1988. Su música le debía más a Kraftwerk y Tangerine Dream que al rhythm'n'blues o al funk. Paradise (1989) fue el primer álbum de larga duración lanzado por un disc-jockey techno de Detroit .

El más experimental del trío de los fundadores, May introdujo tanto un elemento psicológico y una visión futurista en la música bailable. Nude Photo de Rhythim Is Rhythim (1987) y Strings Of Life (1987) fueron dos de las primeras obras maestras del techno. La transmisión en el show de radio de Alan Oldham "Fast Forward", comenzó la revolución techno. El estilo barroco, esquelético y melancólico de May le ganó el sobrenombre de "the Miles Davis of techno".

Carl Craig, el asistente en jefe de May en Detroit y Londres, era el cerebro detrás de Crackdown de Psyche (1989) y Bug In The Bassbin de Innerzone Orchestra (1995), dos sencillos influyentes que cambiaron el rostro del techno. Él, también, alcanzó su cima artística más tarde en la vida, con el álbum solista Landcruising (1995) y elProgrammed de Innerzone Orchestra (1999), dos trabajos experimentales que lo alejaban de la pista de baile.

House

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La música "house" fue una evolución más o menos natural de la música disco. De hecho, sus dos lugares de nacimiento fueron dos de los clubs históricos de la música disco, "Warehouse" de Chicago y "Paradise Garage" de Nueva York. A mediados de los 1980s los disc-jockeys residentes (respectivamente Frankie Knuckles y Larry Levan, ambos negros) empezaron a tocar (o, mejor dicho, "girar") música bailable electrónica construida alrededor de máquinas de ritmo y vocales soul.

En 1984 la tienda de discos de Chicago "Imports Etc" empezó a vender los discos "house" (como una contracción de "Warehouse"), los primeros eran Fantasy de Jessie "Z Factor" Saunders, Your Love de Frankie Knuckles y Set It Off de Walter Gibbons. En 1986 otro disc-jockey de Chicago, Nathaniel Jones (aka DJ Pierre, un miembro de Phuture), inventó el "acid house", un tipo de música house construida alrededor de la máquina Roland TB-303: Acid Tracks de Phuture (1987) fue el primer sencillo acid-house, y Dream Girl de DJ Pierre (1988) fue quizás el mas influyente.

El progreso vino rápidamente con Love Can't Turn Around de Farley "Jackmaster Funk" Keith (1986), Music Is The Key de Steve Hurley (1986), el primer disco de house en incorporar un rap, Move Your Body de Marshall Jefferson (1986), que inventó el sonido "profundo (deep)" del house, Let The Music Use You de los Nightwriters (1987), You Used To Hold Me de Ralphie Rosario(1987), etc. El cuartel de la música house se movió hacia "Muzic Box" de Ron Hardy (el cual había abierto en 1983) y la música house redescubrió el formato, la melodía y los vocales de la canción. Todd Terry hizo renacer la escena de Nueva York con algunas pistas basadas en muestras exitosas, tales como Alright Alright (1987), Weekend (1988), Bango (1988), pero, principalmente, la música house había terminado su proceso creativo.

Si los Estados Unidos habían inventado el estilo, definitivamente fue Europa quien lo transformó en una histeria de masas. La historia gira en torno a un pueblo turístico de España, Ibiza, y una nueva droga, "éxtasis (ecstasy)". Prohibida en Gran Bretaña y en Estados Unidos, esta droga se hizo popular en las fiestas nocturnas al aire libre de club "Amnesia" en Ibiza . La reputación de estas fiestas creció tan rápidamente que Ibiza empezó a atraer a jóvenes de toda Europa. Después de pasar el verano de 1987 en Ibiza, el disc-jockey británico Paul Oakenfold organizó "Spectrum", la primer fiesta basada en éxtasis en Londres. De ahí se movieron a "Hacienda" en Manchester, un club que había abierto en 1982. El "verano del amor" de Manchester en 1988 era la continuación de la escena de Ibiza.

En Inglaterra era Pump Up The Volume de M/A/R/S/S (1987) quien comercializaba la música house. En Bélgica fue Pump Up The Jam de Technotronics (1989), la hora intelectual del estadounidense Jo Bogaert (Thomas de Quincy). Conforme se movía hacia Europa, la música house tomó mayor velocidad: El house de Chicago eran principalmente alrededor de los 120 BPMs, golpes por minuto (la misma velocidad que el techno de Detroit), pero el house británico a menudo alcanzaba 140 BPM. En 1989, 150 personas atendieron un rave llamado "Love Parade" en Berlín organizado por Dr Motte como un evento político: que pronto se convertiría no solamente en el evento de música bailable más grande en el mundo, sino el evento más grande en general (el "Love Parade" del año 2000 en Berlín atraería a un millón de personas).

Música go-go

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El estilo de Washington, "música go-go", era completamente diferente, básicamente una continuación eufórica del funk progresivo de Sly Stone con percusiones politécnicas africanas y armonías tipo gospel de llamada y respuesta. Las bandas de go-go tenían muchos percusionistas y poca tecnología. Ellos era la antítesis de los disc-jockey. La música go-go era el hijo bastardo del cantante de rhythm'n'blues Chuck Brown, quien tomó el ritmo de Mr Magic de Grover Washington como la base para su éxito Bustin' Loose (1979). Durante sus interpretaciones en vivo, Brown empezó a usar intermedios rítmicos como este para enlazar sus canciones, y eventualmente estos enlaces se convirtieron en el verdadero espectáculo. Después refinó el arte con Go-Go Swing (1985), el cual está basado en Midnight Sun de Lionel Hampton. Hey Fellas de Trouble Funk (1982) y Da'butt de E.U. (1988)

Industrial dance

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Cabaret Voltaire y los otros pioneros de la música industrial habían adoptado los ritmos bailables a principios de los 1980s, y otros como Front 242 y Skinny Puppy habían hecho una carrera mezclando los géneros en el "Electronic Body Music" (EBM).

Meat Beat Manifesto de Jack Dangers (2) fueron una de las bandas más creativas de la mezcla industrial-dance. Su Storm The Studio (1989), ofrecía una mezcla espesa de ritmos hip-hop híperquinéticos, sampleos exuberantes y disonancia electrónica, precediendo a la "jungle music" para la siguiente década. Cuando el mundo se dio cuenta, Dangers se había movido un paso adelante con Actual Sounds And Voices (1998), una colección improvisaciones de jazz tórridas y de música compuesta al descomponer los ritmos de la música bailable en un magma abstracto de sonidos y después reconstruirlos de nuevo en ritmos poderosos.

Madchester

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la década estaba. Recabar cuando un movimiento aparición en Manchester que marcaría a la música bailable como ningún otro género de los 1980s: "Madchester", una fusión de psicodelia, techno y pop. Fue en 1988 cuando himnos tales como What Time Is Love de KLF importaron el acid house desde los Estados Unidos. El "verano del amor" de Manchester en 1988 se convirtió en un movimiento musical con el debut de Stone Roses (2), una de las bandas inglesas más influyentes de la década. Stone Roses (1989) fueron epítomes de la fusión de ritmos de disco hipnóticos, melodías pegajosas, arreglos surrealistas, y entusiasmo ingenuo estilo sesentas. Mezclando a los Byrds con Abba, y Hendrix con Petula Clark, y James Brown y los Mamas & Papas, canciones tales como I Wanna Be Adored, She Bangs The Drums y Made Of Stone tendieron un puente entre diferentes lenguajes y civilizaciones y al mismo tiempo poniendo los cimientos para un nuevo lenguaje y una nueva civilización. El crédito no fue tanto para él vocalista Ian Brown y el guitarrista John Squire, sino para la sección rítmica de Alan John "Reni" Wren (batería) y Gary Mounfield (bajo). La guitarra de Squire era más predominante en Second Coming (1994), un trabajo altamente infectado por el hard-rock y por el boogie sureño.

Happy Mondays de Shaun Ryder (1), quienes habían debutado con la música funk psicodélica de Squirrel And G-Man Twentyfour Hour Party People (1987), con fundaron el movimiento con Bummed (1989), el cual abrazaba el trance extasíaco de los raves pero también un acercamiento proletariado a este. Ryder, un "primadonna" sarcástico, indiferente (y adicto a la heroína) del techno, se enfocó en los ritmos con el álbum influido por música disco Pills'N'Thrills And Bellyaches (1990). Años después, elevó a Madchester a la generación de los Beastie Boys y Red Hot Chili Peppers con una nueva banda, Black Grape (1), básicamente un frente rapero y una orquesta de metales y teclados, y con la música bailable multifacética (funk, hip-hop, jungle, raga, house, reggae, heavy-metal) It's Great When You're Straight (1995)

Charlatans (UK) de Tim Burgess (1) eran emblemáticos de como "Madchester" pronto sería un fenómeno social más que un musical. Some Friendly (1990) simplemente ofrecía un pop-soul psicodélico basado en órgano y anticuado.

La idea era infecciosa de rave a rave a través del reino. Álbumes bailables psicodélicos de la era (a menudo caracterizados por un frenesí orgiástico) incluían: Nitzer Ebb's That Total Age (1987), the Weathermen's Black Album (1988) Renegade Soundwave's In Dub (1990), the Shamen's Boss Drum (1992); Donde Pop Will Eat Itself's This Is The Day (1989) y Jesus Jones' Liquidizer (1989) exportaron a la escena rave la fusión de ritmos bailables y guitarras rock que había precedido el hip-hop por grupos como Run DMC.

Entre los músicos que trascendieron la moda, 808 State (2), formado por el trío de productores Martin Price, Graham Massey y Gerald Simpson, pero dominado principalmente por Massey, eran maestros de los nuevos instrumentos electrónicos y así los sucesores ideales de Kraftwerk. Sus técnicas (que tomaron prestado del minimalismo de Terry Riley, de la música ambiental de Brian Eno y de la música de "cuarto mundo" de Jon Hassell) revolucionaron a la música house, techno e industrial con pistas tales como Pacific State (1989). Los ballets (básicamente instrumentales) electrónicos de 808:90 (1989), uno de los álbumes house más elegantes de todos los tiempos, y Ex:el (1991), eran hábiles en jazz-rock y world-music, acercándose al rock progresivo.

El otro pionero del house ambiental fue William Orbit (1), quien probó ser un arreglista electrónico innovador (y productor de primer mundo) con Strange Cargo (1988) y especialmente Strange Cargo (1993).

Richard Kirk de Cabaret Voltaire (2) experimentado con techno ambiental, primero como Sandoz en álbumes psicodélicos tales como Digital Lifeforms (1993), después como Electronic Eye con la fusión jazz, funk y dub de Closed Circuit (1994), y finalmente como si mismo en el monumental Number Of Magic (1993), un laberinto de ideas.

El cofundador de 808 State Gerald Simpson se convirtió en A Guy Called Gerald y grabó uno de los primeros álbumes del techno británico, Hot Lemonade (1988), aunque después abrazó una mezcla cosmopolita de hip-hop, synth-pop, dub y pop-soul.

Una mayor adición al canon vino de la escena bailable británica. Bomb The Bass (Tim Simenon) fue pionero en el collage de sampleos y beakbeats en Beat Dis (1988). Siguiendo sus pasos, Coldcut (1), es decir los disc-jockeys Matt Black y Jonathan More, introdujeron un estilo bailable que era fundamentalmente una forma de collage sonoro, y, en el proceso, ellos transformaron el "remix" en una forma de arte. What's That Noise (1989) fue su grabación principal. Su derivado DJ Food compuesto con A Recipe For Disaster (1995) un montaje frenético de ritmos hip-hop, líneas de bajo de dub, riffs de jazz, efectos electrónicos y raspado de rap.

Una banda escocesa, Primal Scream (1), empezaron en la vena del feedback-pop de Jesus And Mary Chain pero fueron a establecer un estilo único de psicodelia bailable. Después de dos álbumes dedicados a imitaciones mediocres de pop de los sesentas, el productor Andrew Weatherall (no la banda) escribió el caleidoscopio lustroso y denso de Screamadelica (1991), un álbum bailable que fue propulsado por ritmos disco fuertes y riffs tipo Rolling Stones. Álbumes posteriores, ricos en promoción pero pobres en sustancia, revelaron que los Primal Scream eran menos que renacentistas de segunda. XTRMNTR (2000), un álbum conceptual acerca de los demonios de la sociedad moderna, regresaron al tronco que los hizo famosos: Un ejercicio sofisticado en arreglos sobrepuestos. Ese también fue el límite para la banda más sobrevaluada de los 1990s antes de Radiohead.

La década que había empezado como la era de cyberpunks deprimidos terminó como la era de las fiestas más salvajes.

  • 1986: Un accidente nuclear en Chernobyl esparce radiación nuclear alrededor de Europa
  • 1986: Los periódicos descubren que la administración de Reagan vendió armas a Irán para dar fondos a los rebeldes anticomunistas en Nicaragua ("Irangate")
  • 1986: Rusia lanza la estación espacial permanente MIR
  • 1986: España se une a la Comunidad Europea
  • 1986: El trasbordador espacial "Challenger" explota durante su lanzamiento matando a toda la tripulación
  • 1986: Los Estados Unidos tienen 14,000 cabezas nucleares y la Unión Soviética tiene 11,000
  • 1986: Los Estados Unidos bombardean ciudades de Libia para amedrentar al coronel Qaddafi
  • 1987: Los palestinos en los territorios ocupados comienzan un levantamiento contra la ocupación israelí (la primera "intifada")