Dave Pajo: Post-ambient post-rock post-...?
An interview with Dave Pajo
(Copyright © 1999 Piero Scaruffi | Legal restrictions - Termini d'uso )
An Introduction to Dave Pajo - Scheda
Papa M is the new alias used by guitar and bass god Dave Pajo, who two years ago recorded Aerial M (Drag City, 1997). The humble and taciturn Pajo, who has been rarely interviewed, has a long and distinguished career in some of the most important bands of the decade: Slint and For Carnation above all.

Aerial M and now Papa M... what do the names stand for?
The band started in 1995 and the name at that time was M... the letter M. Part of the plan in the beginning was to have a band that never remained dormant, which included the lineup, the name, and the instrumentation. It's okay to see M as the thread that connects the various incarnations, but even that's not carved in granite.

You have had one of the most intense careers on record. Please tell me how you feel now about Slint and For Carnation.
I prefer to not talk about any other bands I've ever been in. Because I am not in any of those bands anymore.

What do you think of your own development over so many bands? What has changed over the years?
It was an education, it was my school. The difference between now and then is that my desires are more defined.

Why are you in such high demand?
That's a very good question and one I ask myself sometimes. It's not technical ability. Maybe it's a similarity in attitude. By that I don't mean that our preferences our all the same, but that there is a similarity in background, motivation, or manifesto.

Why Aerial M?
I wanted to know what my sound was, because all I'd known before was collaboration. I need to know what it was that I brought to the table.

You are the only musician who has made it to the top 50 of two of my "best of" lists (guitar and bass). I consider you a jazz musician, in spirit if not in practice. Rock musicians go for the guts, jazz musicians go for the mind... What do you demand from music?
I'm going for invisibility, what's considered nothing, that's deeper space. The wind, gravity, music... It's not far out or new age, it's what is already there.

What are your influences as a guitarist? Incidentally, I once described your guitar style as a cross between Pat Metheny (jazz), Robert Fripp (rock) and John Fahey (folk)...
I'm not influenced by guitarists like I once was; as a kid I would teach myself Van Halen and Hendrix songs and other groups I won't mention out of pride! Then I stopped doing that and started playing in a way I thought was cool and less flashy. But I love the playing of Blind Willie Johnson, Bukka White, Nick Drake, Robert Wilkins, Martin Rev, etc. In all honesty I'm not familiar with the music of the artists you mentioned with the exception of John Fahey. It's amazing the amount of music I'm not exposed to; the records I love I listen to over and over so I end up missing a lot of other stuff.

What are your influences as a bassist?
Britt Walford was a big influence. Ethan Buckler. (Note: Walford and Buckler are St Louis musicians that Pajo has played with at the beginning of his career)

How can you so easily and masterly switch from one instrument to the other?
The only instruments I can play comfortably are drums, bass, and guitar. A little piano. But I've never played wind instruments. To learn an instrument is easy, you just need the time and dedication to sit down with it. For most people, myself included, the only thing difficult is finding the time and dedication.

What would you name as your influences?
I'm influenced by books and movies mostly. But Suicide is one band that, over the years, I can not get sick of. I still can not get tired of Suicide.

What else do you play and how does it relate to guitar and bass?
Drums. I think everyone should learn drums, they should learn how to hold down a groove. Even though Papa M is not percussion or rhythm oriented, being able to play drums has certainly benefited my guitar playing. I think it's beneficial to practice blindfolded, to know your instrument, to feel the notes behind the senses.

Personally, your compositional techniques reminds me a lot of cubist painting and Bach's Art of the Fugue... You compositional style is a strange hybrid of minimalisms (the way you "digitize/deconstruct" a melody and let the pattern evolve by repeating over and over with continuous variations), jazz (the search for seductive tones), industrial, ambient, movie soundtracks... Give me your description of your compositional technique, of how you write a song.
Songs usually start as guitar riffs. I brainstorm until 'something cool' happens. Usually that riff will inspire a transition. I usually know from there what the point of the song is. The riff itself often dictates the direction of the song. From there I can add and subtract other parts/instruments, using the point of the song as a guideline. Sometimes an idea just has to be worked on over and over, you add something to balance something else, or remove whole areas that seem to clutter the picture. There's no formula, other than the brainstorming technique. When it comes to the finished song, I prefer the 'KISS' method of songwriting: Keep It Simple, Stupid. Also known as the Angus Young "Less is best" technique.

How much of your music is improvised (in the free jazz sense of the term)?
Very little. I leave open sections in some songs, where certainly anything can happen. But, for the most part, the improvisation happens in the songwriting process, and the unnecessary is whittled away.

The first thing I noticed about Live From A Shark Cage (Drag City, 1999) is a transcendental feeling that was already in the previous album but it seems now very strong. It sounds very spiritual, in the eastern religion sense.
I listen to music of different ethnicities and I love the feeling I get from it. The music attempts to capture power with the intent to dream. But in my world view, I never say something is spiritual. Because it implies that there are some things are not spiritual. I also operate under the notion that repetition can empower a song; focus develops with each cycle. This is similar to a mantra which could give it that eastern feel. This idea of having songs that reveal themselves slowly also references a sense of 'no-time' or eternity.

Can you shortly comment on these songs (you can read my impressions in my the review). I would like to know what they are about, what instruments and recording tricks (if any) you are employing, what happened in the studio, etc:
For Roadrunner I employed guitar, electronic tabla, piano, synthesizer, glockenspiel, electronic drums. I recorded the tabla first, added guitar and other instruments, added drums last. During the mixing process I added filters to the tabla and an extra piano track. The drums were played on electronic pads; I was looking for the dinkiest sounds I could. I didn't want big heavy drum sounds, but little pops of static. Plastic Energy Man is only for drum machine and acoustic guitar. I recorded the drum machine first, then guitar, then I processed the drums heavily to make it this swirling thing underneath. Crossfaded the ambient mics and close mics on the guitar to make it appear to be coming closer from a distance and then back again. Up North Kids (two guitars, bass, drums) is based on cut and paste drum technique. Heavily processed melody guitar, double tracked. Main guitar reverses while the music fades out. For Pink Holler I used acoustic guitar, Electric guitar, banjo, feedback guitar. Each instrument has it's own loop. Simple crossfades. The feedback guitar was sent through a Moog filter to give it a synthesized effect. It also had a long stereo delay so that it sounds like two different feedback tracks. Like many of the Papa M songs, new melodies and variations are created by the layering of off-beat musical phrases. Drunken Spree is orchestrated with drums, two guitars, bass, tamboura. I recorded the cymbals and toms separately from the drum kit. The tamboura was added as adhesive for the other instruments. I Am Not Lonely With Cricket is a simple tune for two guitars. I'm playing along with a sampler pedal, making live loops. The second guitar does the higher sustaining tones. It has distortion and tremolo on it, using harmonics and volume swells. Arundel is an even simpler tune for one guitar, but I recorded this very loud through my amp late at night. I was trying to play as quietly as possible (so as not to wake the neighbors) with my amp turned all the way up. The crickets were very loud on the track but I was able to EQ most of it away.

I wrote "Pajo has found the magic balance between technique, emotion and structure." How would you define in your own words the balance your are looking for? Or, if you do agree with my definition, how can a musician achieve a balance between those three elements?
I'm glad you asked that because most people don't notice that particular quality of the music. Balance is the goal. A song has to satisfy on many different levels, it has to be interesting on multiple levels. If you go too far in one direction, there is the danger that the extremism itself might distract from the intent of the song. There's always this tug of war happening between subtlety and directness, deliberation and passivity. The challenge is to work it to a point that it feels balanced. To work it until the sum surpasses the individual parts.

(Translation by/ tradotto da Carlo Maramotti )
Papa M e` il secondo pseudonimo usato dal chitarrista e bassista Dave Pajo, che due anni aveva inciso un album a nome Aerial M (Drag City, 1997). L'umile e taciturno Pajo, che raramente ha concesso interviste, ha fatto parte di alcuni dei complessi piu` importanti degli ultimi dieci anni: Slint e For Carnation per tutti.
Aerial M e ora Papa M_per cosa stanno questi nomi?

Il gruppo part nel 1995 e il nome a quel tempo era M_la lettera M. Parte del progetto all'inizio era di avere un band che non rimanesse mai inattiva, questo includeva i componenti, il nome e la strumentazione. E' giusto vedere M come un filo che congiunge le varie incarnazioni, ma anche come qualcosa che non sia scolpito nel marmo.


Hai avuto una delle carriere piu' intense su disco. Dimmi come ti senti in rapporto a Slint e For Carnation.

Preferisco non parlare delle altre band in cui sono stato. Perche' io non sono piu' in nessuno di quei gruppi.

Cosa pensi del tuo sviluppo attraverso tanti gruppi? Cosa e' cambiato durante gli anni?

E' stata un'educazione, la mia scuola. La differenza tra adesso e allora e' che i miei desideri sono ben definiti.

Perche' sei cosi' richiesto?

Questa e' una buona domanda e me la faccio qualche volta. Non e' l'abilita' tecnica. Forse e' un'attitudine simile. Ma cio' non significa che le preferenze siano tutte le stesse, ma che c'e' qualcosa di simile nel background, nella motivazione, o nelle idee.

Perche' Aerial M?

Volevo conoscere qual'era il mio suono, perche' tutto cio' che conoscevo prima era frutto di collaborazione. Avevo bisogno di sapere quello che ero in grado di mettere in tavola.

Sei l'unico musicista che ce l'ha fatta ad essere tra i primi 50 delle mie due liste di migliori musicisti (chitarra e basso). Ti considero un musicista jazz, nello spirito se non nella pratica. I musicisti rock mirano allo stomaco, quelli jazz alla mente_Cosa domandi alla musica?

Cerco l'invisibilit…, quello che e' considerato nulla, e' lo spazio profondo. Il vento, la gravita', la musica_Non e' essere fuori o new age, solo quello che c'e' gia'.

Quali sono le tue influenze come chitarrista? Casualmente ho descritto il tuo stile chitarristico come un incrocio tra Pat Metheny (jazz), Robert Fripp (rock) e John Fahey (folk)_

Non sono influenzato dai chitarristi che volevo essere; da ragazzo volevo imparare le canzoni di Hendrix e Van Halen e altri gruppi che non voglio menzionare per rispetto! Poi ho smesso di farlo e ho iniziato a suonare in un modo che ritenevo cool e meno pacchiano. Ma amo lo stile di Blind Willie Johnson, Bukka White, Nick Drake, Robert Wilkins, Martin Rev, etc. In tutta onesta' non sono molto familiare con la musica degli artisti che hai citato con l'eccezione di John Fahey.

E' sorprendente la quantita' di musica che non conosco; i dischi che amo ascoltare piu' e piu' volte finiscono col farmi perdere un mucchio di altro materiale.

E le tue influenze come bassista?

Britt Walford e' stata una grande influenza. Ethan Buckler. (ndi: Walford e Buckler erano due musicisti di St.Louis con cui Pajo ha suonato all'inizio della carriera)

Come riesci a passare cos facilmente e bene da uno strumento all'altro?

Gli unici strumenti che suono cono facilita' sono batteria, basso e chitarra. Un po' il pianoforte. Ma non ho mai suonato strumenti a fiato. Imparare uno strumento e' facile, hai solo bisogno di tempo e dedizione per sederti con lui. Per molte persone, io incluso, l'unica grande difficolta' e' trovarli.

Chi vuoi nominare come tue influenze?

Sono influenzato soprattutto dai libri e dai film. Ma i Suicide sono l'unica band, attraverso gli anni, di cui non sono stufo. Non sono ancora annoiato dai Suicide.

Cos'altro suoni e come lo relazioni rispetto a chitarra e basso?

La batteria. Penso che tutti potrebbe imparare la batteria, potrebbero imparare a buttare giu' un groove. Anche se Papa M non e' orientato alle percussioni o al ritmo, essere capace di suonare la batteria ha certamente giovato al mio modo di suonare la chitarra. Penso sia utile provare alla cieca, conoscere il tuo strumento, sentire le note dietro i sensi.

Personalmente, la tua tecnica di comporre mi ricorda molto i quadri cubisti e l'arte della fuga di Bach_Il tuo stile compositivo e' uno strano ibrido di minimalismo (il modo in cui "digitalizzi/decostruisci" una melodia e lasci che il pattern evolva con la ripetizione reiterata con continue variazioni), jazz (la ricerca di toni seduttivi), industrial, ambient, colonne sonore_Dammi una descrizione della tua tecnica compositiva, di come scrivi una canzone.

Le canzoni solitamente partono da un riff di chitarra. Penso fino a quando non accade qualcosa di cool. Quel riff ispira un passaggio. Solitamente capisco da quello a che punto e' la canzone. Spesso e' il riff stesso a dettare la direzione della canzone. Da quello posso sottrarre e aggiungere altre parti/strumenti, usando il punto della canzone come riferimento. Qualche volta un'idea deve essere solo lavorata piu' e piu' volte, devi solo aggiungere qualcosa per bilanciare qualcos'altro, o rimuovere tutte quelle aree che sembrano ingombrare il quadro. Non c'Š' una formula o di diverso da una tecnica di brainstorming. Quand'e' il momento di finire la canzone, preferisco il metodo 'KISS' di scrittura: Keep it simple, Stupid (Sii semplice, stupido). Conosciuto come tecnica Angus Young "Meno e' meglio".

Quanta della tua musica e' improvvisata (nel senso free-jazz del termine)?

Molto poca. Lascio delle sezioni aperte in qualche canzone, dove certamente ogni cosa puo' succedere. Ma, per la maggior parte, l'improvvisazione accade nel processo di scrittura, e il superfluo e' ridotto.

La prima cosa che ho notato di Live From a Shark Cage (Drag City,1999) e' un sentimento trascendentale che era gia' presente negli album precedenti ma non in modo cosi' forte. Suona veramente spirituale, nel senso delle religioni orientali.

Ho ascoltato musica di differenti etnie e amo le sensazioni che provengono da esse. La musica si sforza di catturare l'energia con lo scopo di sognare. Ma nella mia visione del mondo, non dico che qualcosa e' spirituale. Perche' e' implicito che ci sono cose che non sono spirituali. Ho sempre operato sotto la nozione che la ripetizione puo' dare pieni poteri a una canzone; la concentrazione si sviluppa con ogni ciclo. Questo e' simile a quello che puo' dare un mantra nell'idea orientale. Quest'idea di avere canzoni che rivelano se stesse lentamente inoltre si riferisce a un senso di mancanza di tempo o eternita'.

Ho scritto "Pajo ha trovato l'equilibrio tra tecnica, emozione e struttura." Come puoi definire con parole tue l'equilibrio che cerchi? O, se sei d'accordo con la mia definizione, come puo' un musicista ottenere un compromesso tra questi tre elementi?

Sono lieto che tu mi chieda questo perche' molte persone non notano questa particolare qualita' della musica. L'equilibrio e' il traguardo. Una canzone deve soddisfare su piu' livelli, deve essere interessante su livelli multipli. Se ti spingi troppo lontano in una direzione, c'e' il pericolo che lo stesso estremismo possa distrarre dall'intenzione della canzone. C'e' sempre questo braccio di ferro tra astuzia e sincerita', cautela e passivita'. La sfida e' di lavorare fino a che queste sensazioni siano bilanciate. Lavorare fino a che la somma sorpassi le parti individuali.

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