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Tori Amos (Myra Ellen Amos), figlia di un ministro protestante della North
Carolina,
che all'eta` di tredici anni era gia` fuggita di casa e si guadagnava da vivere
cantando nei nightclub di Washington, vagabonda irrequieta che negli anni
successivi avrebbe continuato a cercare testardamente il successo
(a Los Angeles in un complesso di heavymetal, Y Kant Tori Read),
e` riuscita a realizzare i suoi sogni soltanto nel 1992, ventottenne.
I suoi vocalizzi camaleontici, ma per lo piu` il falsetto operatico di
Kate Bush, sottolineano le confessioni adulte di
Little Earthquakes (EastWest, 1991).
Dalle ballate pianistiche di Silent All These Years (a due passi dal
folk psicanalitico di Joni Mitchell ma con un tono quasi infantile)
e Winter (affogata invece in un tripudio un po' fuori luogo di violini
"hollywoodiani") a Me And A Gun, spettrale cronaca a cappella di uno
stupro, la raccolta ha come tema unificante quello dei traumi psicologici
inflitti alla donna, spesso resi con l'ausilio di immagini religiose
(Crucify, in cui canta "Every day I crucify myself").
Piu` che un album e` uno di quei diari che le ragazze tengono di nascosto.
La chiave del disco e` il magico contrappunto che Amos instaura fra il suo
melisma accorato e le figure epiche del pianoforte (non a caso piu` che Kate
Bush l'insieme fa venire in mente Cat Stevens). Esemplare e quintessenziale
e` Crucify,
in cui le vocali vengono spesso lasciate fluttuare libere, in una maniera che
sposa l'opera cinese con lo spiritual,
e il piano accompagna la melodia in maniera apparentemente distratta, in
realta` rinforzandone la potenza drammatica.
La lunga Mother e` invece una diretta emanazione dei primi dischi
di Joni Mitchell.
La tetra vertigine di Little Earthquakes e` l'unica che deve veramente
qualcosa a Kate Bush, per quell'inseguirsi di segni critpici (tamburi marziali,
ronzio di chitarra elettrica, coro da rito magico).
Con l'eccezione dell'atmosfera folle di Precious Things,
e della spiritata Happy Phantom, che sembra uscita da uno spettacolo
di musichall, la dinamica di queste romanze e` semplice: la voce racconta
qualcosa di molto personale, e il piano ne sottolinea le emozioni.
Il limite di Amos e` che non ha abbastanza riserve melodiche per durare
lo spazio di dodici canzoni. Gli arrangiamenti di strumenti ad arco non
bastano a dare un senso alle melodie piu` deboli.
Ma il disco rivela un'"autrice" profonda e raffinata, se non ancora una
musicista a titolo pieno.
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Los Angeles-based vocalist and pianist Tori Amos fused Kate Bush's operatic falsetto, Joni Mitchell's piano-based confessional odes and Cat Stevens' romantic piano figures on Little Earthquakes (1991). Its ballads were simple but profound, personal but universal, melodic but discordant, thus achieving a synthesis of emotional states, not only of musical styles. The violence of hyper-realism seemed to prevail over the fairy-tale magic of introversion on Under The Pink (1994), a work derailed by syncopated rhythms, dissonant lashes, gospel organs, hysterical fits, orchestral flourishes and moody vocals. Leveraging the experiments of that album, the harpsichord-obsessed Boys For Pele (1996) sounded like a work of uncontrolled musical genius: it indulged in timbric juxtaposition, but mostly for its own sake. Backed by a rock'n'roll band and enhanced by electronic arrangements, Amos eventually chose a simpler career, starting with the much more accessible (and trivial) From The Choirgirl Hotel (1998).
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Under The Pink (Atlantic, 1994) conferma che Amos, nonostante l'immenso
talento, non ha
ancora trovato la sua vera voce: troppe canzoni sembrano incerte di se stesse,
troppi arrangiamenti sembrano quasi improvvisati sul momento (piu` dal
produttore che da lei); troppe liriche rimuginano soltanto il suo
passato, concentrate nel dire invece che nel cantare.
L'armonia tesa e folle di God, uno shuffle condotto a ritmo sincopato
con stilettate dissonanti della chitarra e accenti slavi del canto;
e soprattutto
quella solenne e intrepida di Past The Mission, un cadenzato inno
per chitarra ska e organo gospel, con un macabro balletto di pianoforte,
per quanto in linea con i generi del momento,
costituiscono soltanto un aspetto della sua musicalita`.
Nella ballata country Cornflake Girl
(al tempo stesso il brano piu` "leggero" e piu` sperimentale della raccolta)
la profusione di effetti sonori e le fughe isteriche del pianoforte
travolgono le acrobazie del canto e creano un'atmosfera infernale.
L'accorato racconto di Space Dog e` altrettanto destabilizzato da
suoni centrifughi (battito voodoo, chitarra funky, violini romantici).
Se gli arrangiamenti movimentano e accentuano le sue confessioni,
finiscono anche per renderle impersonali.
Amos e` in realta` una compositrice forbita, i cui brani sfoggiano una misura
quasi classica (Pretty Good Year),
la sofisticazione di Kate Bush (Cloud On My Tongue),
la sensibilita` della musica new age (Icicle);
anche se deturpate, violate, violentate dall'iper-realismo della vita vissuta.
E forse la vera Amos e` quella che trova la forza di abbandonarsi alla
soffusione delle ninnananne (Bells For Her, per bisbiglio e carillon
di pianoforte), e le sue doti musicali trapelano forse meglio
dall'affabulazione prodigiosa di The Wrong Band,
che innesta una melodia complessa su una figura da musichall del pianoforte.
Il gran finale di Yes Anastasia (nove minuti) indulge in
un'altalena di umori, contrassegnata da impennate
orchestrali, si perde del tutto la magia del suo canto.
La vera voce dei suoi dischi e` il pianoforte, che da anni
non godeva di una parte tanto importante nella musica folk.
Album di transizione, dimostra che Amos e` una compositrice completa, e non
soltanto una ragazza che canta la sua vita interiore.
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Boys For Pele (Atlantic, 1996) esagera pero` forse su entrambi i
fronti, intimismo ed eclettismo. La varieta` stilistica sembra un po'
forzata (tant'e` che a svettare sono soprattutto le ballate pianistiche
piu` semplici, come la lunga Horses, che comincia con vagiti
appena bisbigliati e continua con un carillon colmo di nostalgia,
e la conclusiva Twinkle, due pezzi non lontani dalla musica new age)
e le confessioni personali, nell'arco di ben diciotto canzoni, finiscono per
tediare un po' (alla fin fine si capisce soltanto che ce l'ha con l'ex ragazzo).
Sul fronte dell'eclettismo Amos ha scoperto il clavicembalo
(piu` un madrigale rinascimentale che una fuga barocca l'elegante
e addolorata Blood Roses) e continua a sperimentare sul pop
"modernista" di Peter Gabriel e Kate Bush (Caught In A Lite Sneeze).
Il suo genio musicale e` scatenato. Tenta persino di coniare
una sua forma di hard-rock con Professional Widow, nella quale
figure boogie del clavicembalo e percussioni voodoo incalzano maniacali
finche' la cantante intona un gospel per solo pianoforte (e muggito di toro).
Sembra di riascoltare il Cat Stevens piu` ritmato.
L'incalzante Talula incrocia un rock and roll alla Bruce Springsteen,
una toccata di clavicembalo, un rap sgolato alla Hope Nicholls, un singhiozzo
funky di chitarra e un battito techno.
Mr Zebra e` un breve sketch di musichall con tanto di sezione di fiati.
In The Springtime Of His Voodoo e` un altrettanto bizzarra incursione
nel rhythm and blues e nello swing (pianoforte e contrabbasso), con tracce
di gospel (organo e tamburelli), di musica classica (clavicembalo) e di
musiche etniche (le cornamuse suonate a mo' di didjeridu).
Alla fine pero` gli arrangiamenti le riescono meglio quando sono centellinati
e fanno perno sulla sua recitazione vocale:
Father Lucifer, altra ballata pianistica, verte sul dialogo fra il
falsetto della voce protagonista e il controcanto di se stessa bambina
(sembra un duetto fra Joni Mitchell e Kate Bush), appena colorato da
sporadici interventi di tromba e chitarra.
Pianoforte, chitarre e basso pennellano
Doughnut Song, nella quale a un certo punto Amos canta
contemporaneamente tre voci e nella quale si fondono le sue ispirazioni
soul, jazz e celtiche.
Accentuando gli arrangiamenti orchestrali
(con risultati un po' kitsch in melodie peraltro tenere e intimiste
come Marianne e Putting the Damage On),
Amos perde invece qualcosa del suo lirismo, anche se guadagna in forza
drammatica.
L'album e` soltanto troppo lungo (quattro o cinque canzoni potevano essere
omesse) e qualche momento sembra soltanto un capriccio personale della
cantante che vuole dimostrare quant'e` brava.
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From The Choirgirl Hotel (Atlantic, 1998) esce dopo che in tutte
le interviste Amos ha pubblicizzato il suo aborto. Ma i temi dei suoi album
contano molto meno della sua maturazione come compositrice. Nel 1998 Amos
ha scoperto il fascino del rock'n'roll e il comfort dell'"electronica".
Armata di una sezione ritmica di tutto rispetto e di una foga che la fa
sembrare piu` Bruce Springsteen che Kate Bush, Amos si lancia in tour de
force nervosi prima ancora che musicali.
Cio` nonostante il disco trabocca di momenti di intenso pathos, di melodie
intensamente melodiose, di quelle progressioni improvvise che aprono il
cuore, di quelle tenere e dimesse lullaby che s'inalberano in epici canti
di dolore. I suoi gorgheggi sono sempre piu` in secondo piano rispetto
alle magistrali orchestrazioni di queste romanze da camera.
Ancora una volta a vincere e` comunque lo stile relativamente spartano
e guidato dal pianoforte di
Spark, una storia tenebrosa che soltanto Amos sa rendere in maniera
al tempo stesso cosi` solenne e sconsolata (e togliere il fiato con
utrice'impennata pianistica alla Cat Stevens); di Black-Dove, in cui
fonde il folk fiabesco di Mike Oldfield e quello onirico di Kate Bush
(nonche' gli scatti ritmici del primo e i folli acuti della seconda);
di Jackie's Strength, in cui il canto si abbandona liricamente
al flusso delle emozioni per essere travolto da una violenta folata
di violini.
Fondamentalmente si tratta ancora della sua vecchia forma di ballata per
voce e pianoforte, ma la tensione psicologica (nonche' la melodiosita`)
e` accentuata da arrangiamenti classicheggianti.
L'altra Amos, la compositrice forbita di studio, si pavoneggia nell'incubo
incalzante di Raspberry Swirl e nel lungo trip-hop di
Liquid Diamonds.
Forse un po' troppo elaborate, Iieee e Hotel,
disperdono l'emozione in una miriade di dettagli sonori.
Il disco si chiude con due composizioni sottotono, notturne, amaramente
dimesse, come Playboy Mommy e Pandora's Aquarium, in cui Amos
ritorna al suo stile pianistico ma senza l'enfasi orchestrale. Non e` comunque
meno efficace: piu` angosciante il melodramma, piu` miracoloso l'equilibrio
che Amos riesce a costruire fra parole, canto e accompagnamento.
Forse anche perche' e` piu` compatto e selettivo, questo e` l'album meglio
equilibrato della sua carriera.
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(Translation by Walter Consonni/ Tradotto da Walter Consonni)
To Venus And Back (Atlantic, 1999) e` un doppio album che contiene
un nuovo disco di studio e un album registrato dal vivo.
La voce ed il pianoforte di Amos diventano semplici abbellimenti, mentre l'elettronica ed i session men (che spesso suonano come i Led Zeppelin guidati da Kate Bush) prendono il sopravvento sugli arrangiamenti. Amos scompare in un'idea astratta di musica e liriche di Tori Amos. L'ascoltatore e' testimone dell'apparente paradosso di canzoni molto personali di Tori Amos come Bliss (ancora un melodramma autobiografico) e Juarez (che tenta di far rivivere la spaventosa atmosfera di Me And A Gun) che diventano completamente impersonali ed addirittura distaccate. Il problema e' che gli artificiali paesaggi musicali non si accordano con gli spinosi argomenti trattati ma rimandano piuttosto ad una spensierata nottata in discoteca. Non sorprende che si possano percepire Tori Amos e la sua musica come dissociate, la prima che diventa una semplice intestazione per la seconda o, in maniera analoga, la seconda che diventa un mero cliche' per la prima. Eccezioni degne di nota sono Josephine (un canto funebre triste ed essenziale alla maniera dei Cowboy Junkies) e 1,000 Oceans (una ballata pianistica vecchio stile che e' anche uno dei momenti pi— teneri dell'album).
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To Venus And Back (Atlantic, 1999) is a double album which contains
a new studio album and a live album.
Amos' voice and piano are becoming mere ornaments, as electronics and session
men (often sounding like the Led Zeppelin fronted by Kate Bush) take over the
arrangement's leading roles. Amos is disappearing in an
abstraction of Tori Amos' music and lyrics. We witness the apparent paradox
of Tori Amos' very personal songs
Bliss (yet another autobiographical melodrama) and Juarez
(which attemps to revive the ghastly atmosphere of Me And A Gun)
becoming so coldly impersonal and even detached. The fact is that the music's
artificial soundscapes do not match the thorny subjects but rather refer to
a joyful disco night. It is not surprising that one feels Tori Amos and her
music being decoupled, the former becoming a mere title for the latter or,
equivalently, the latter becoming a mere stereotype for the former.
Notable exceptions are Josephine
(a Cowboy Junkies-like spare, mournful dirge) and
1,000 Oceans
(an old-fashioned piano ballad which is also one of the album's most tender
moments).
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Compared with the other great female songwriter of the 1990s,
Lisa Germano, Tori Amos lacks her visceral
sincerity and her genial knack for modest arrangements, although, overall,
Amos is more of a "musician" and certainly more of a star.
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Rispetto all'altra grande cantautrice femminile degli anni '90,
Lisa Germano, a Tori Amos manca la stessa
viscerale sincerita` e lo stesso genio per l'arrangiamento modesto, ma
complessivamente Amos e` piu` musicista, e certamente piu` personaggio.
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(Translation by/ Tradotto da xxx)
Se sei interessato a tradurre questo testo, contattami
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Strange Little Girls (Atlantic, 2001) is a
collection of twelve covers. And bad ones.
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Amos failed to revitalize her art with Scarlet's Walk (Epic, 2002),
despite the obvious effort she put into this
personal and historical recollection. Few of the 17 songs deserved to be
released, although those who did can make Bob Dylan jealous, particularly
A Sorta Fairytale, the bleak Taxi Ride,
the catchy Your Cloud.
The album's mythological journey, which is simultaneously an inner journey,
was inspired by the terrorist attacks of September 11
(I Can't See New York) and by the American
landscape (both human and geographic), but achieve a universal poignancy.
Amos' parable of the American loss of innocence, of the new Babylonia,
doomed to repeat the sins of the ancestral one, is too fragile and insecure
to be credible.
The Beekeeper (Epic, 2005) is a concept album inspired by six gardens.
It is cohesive but too plain, lacking the spark that makes the difference between competent and memorable.
It sounds accessible not because she "sold out" but because the songs lack
any depth. They sound like half-baked demos that she quickly packaged into
finished songs, without taking the time to develop them the way she normally
does. Thus the sense of "average", and, ultimately, irrelevance.
She seems to have lost her ability to write great songs.
All that is left is her ability to write songs that sound like Amos songs.
Parasol is reminiscent of Crucify,
The Power Of Orange Knickers is reminiscent of the atmosphere on
Under The Pink.
Most of the rest is fluff.
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(Translation by/ Tradotto da Walter Romano)
La Amos non riuscì a rivitalizzare la sua arte con Scarlet's Walk (2002), a dispetto dello sforzo che profuse in questa raccolta storica e personale. Poche delle 17 canzoni meritavano di essere pubblicate, anche se i pezzi validi potrebbero far ingelosire Bob Dylan, particolarmente A Sorta Fairytale, la desolata Taxi Ride, l’orecchiabile Your Cloud. Il viaggio mitologico dell’album, che è contemporaneamente un viaggio introspettivo, fu ispirato dall’attacco terroristico dell’11 settembre (I Can't See New York) e dal paesaggio (umano e geografico) americano, ma il risultato è di una tristezza totale. La parabola della perdita di coscienza americana, della nuova Babilonia, destinata a ripeterne il peccato, è troppo fragile per essere credibile.
The Beekeeper (2005) è un concept ispirato a sei giardini. E’ coeso ma troppo "facile", manca quella scintilla che fa la differenza tra un lavoro sufficiente e uno memorabile. Risulta accessibile non perché voglia essere un album commerciale, ma perché le canzoni mancano di profondità. Sembrano semplici demo imballati dalla Amos in tutta fretta per completare l’album, non prendendosi il tempo necessario per sviluppare le canzoni, come era solita fare. Da qui il senso di mediocrità, e, dunque, inconsistenza. L’artista sembra aver perso la capacità di scrivere grandi canzoni. Canzoni "alla Amos", tout court. Parasol ricorda Crucify, The Power Of Orange Knickers rievoca l’atmosfera di Under The Pink. Gran parte del resto è riempitivo.
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The same problems that plagued The Beekeeper return to plague
American Doll Posse (Sony, 2007), another batch of mediocre songs
with quite a bit of filler. Amos even ventures into politics, a really bad
idea. There is little left of the magical melodies of her first albums.
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(Translation by/ Tradotto da xxx)
Se sei interessato a tradurre questo testo, contattami
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