Cul De Sac

(Copyright © 1999 Piero Scaruffi | Legal restrictions - Termini d'uso )
Ecim, 7/10
I Don't Want To Go To Bed, 6/10
China Gate, 8/10
The Epiphany Of Glenn Jones , 6.5/10
Crashes To Light , 7/10
Immortality Lessons , 6/10
Death Of The Sun (2003), 6.5/10
Strangler's Wife (2003), 5/10
Glenn Jones: This Is The Wind That Blows It Out (2004), 6/10
Glenn Jones: Against Which the Sea Continually Beats (2007), 6/10
Abhayamudra (2004), 5/10
Glenn Jones: The Wanting (2011), 6/10
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One of the leading groups of instrumental neo-prog came out of Boston: Cul De Sac. The lengthy tracks on Ecim (1992) bridged German rock of the 1970s, John Fahey's transcendental folk, Terry Riley's minimalism and Pink Floyd's psychedelic ragas. Their most innovative work, China Gate (1996), increased the doses of jazz and world-music, thus achieving both a convoluted and a hypnotic state of mind. The narrative largely revolved around the counterpoint between Robin Amos' atonal synthesizer and Glenn Jones's post-surf guitar. On Crashes To Light (1999) that contrast, enhanced with sophisticated arrangements, became a slick texture that enhanced the melodic center of mass, and even lent the music a spiritual overtone, halfway between trance and fairy tale.
Formed in Boston from the ashes of countless glories of the local underground, Cul De Sac's first line-up consisted of Robin Amos on synthesizer, Chris Fujiwara on bass, Chris Guttmacher (ex Bullet La Volta) on drums and Glenn Jones on guitar. Jones, a close acquaintance of John Fahey, came with a background of country, rockabilly and surf, playing a lap-steel guitar "prepared" in the tradition of avantgarde composer John Cage. Guttmacher was a fan of avant-jazz composers such as Cecil Taylor and Sun Ra. Amos was knowledgeable of American and European underground rock, and his synthesizer was perhaps the first to evoke the memory of Allen Ravenstine (Pere Ubu).

Amos had been playing since the 1970s, in Florida, and mostly electronic music. In 1977, relocating to Boston, Amos was involved in the creative explosion of the "new wave" and was briefly a member of Daevid Hild's Girls, and briefly a peer of Roger Miller and Kramer. In 1991 Amos and Jones were in Shut Up, that recorded an album for Brash Music. When the guitarist quit to form Christmas, Amos and Jones met Guttmacher and Fujiwara, all of them college students, and coined the name Cul De Sac.

Ecim (Northeastern, 1992 - Strange Attractors Audio House, 2006) toyed with an idea that was both amusing and experimental: a mostly-instrumental form of folk-rock for chitarra, synth, bass and drums that bridged John Fahey's folk primitivism and avantgarde music. The structure of Death Kit Train was both linear and eccentric: pulsing, minimalist repetition in sufi-like crescendo flying on a tribal percussive carpet, with psychedelic overtones that evoked Velvet Underground and Sonic Youth, and electronic noises that harked from another planet. Nico's Dream used a similar concept to weave a cosmic tapestry, a tender tribute to the Velvet Underground's singer. Homunculus mixed the Brecht-ian vocal delivery of Art Bears, rhythmic patterns a` la Neu and Pink Floyd-ian psychedelic distortions. Cul De Sac's music was not brainy and not harsh. In fact, their pieces often sounded like surreal/exotic postcards: The Moon Scolds The Morning Star, a dejected middle-eastern litany sustained by dazed guitar and synth dialogue; The Invisible Worm, halfway between Indian war music and Talking Heads-ian martial dance-rock, with demented David Thomas-ian vocals; etc.
The band is capable of just about any eccentric blend. The breezy but dissonant surf music of Electar bridges the era of Telstar and the era of post-rock. Lauren's Blues sculpts a tender, trancey melody over a mutating waltz-like and bolero-like rhythm.
A John Fahey cover and a Tim Buckley cover provided the coordinates of Cul De Sac's location in the vast nomansland of experimental music.

I Cul De Sac sono un complesso che ha contribuito alla trasformazione del rock strumentale da novelty (quale era negli anni '60) e da progressive-jam (quale era negli anni '70) a esercizio colto e intellettuale.

Formati a Boston sulle ceneri di innumerevoli glorie dell'underground locale, la formazione comprende Robin Amos al sintetizzatore, Chris Fujiwara al basso, Chris Guttmacher (ex Bullet La Volta) alla batteria e Glenn Jones alla chitarra. Jones, amico intimo di John Fahey, porta un bagaglio di country, rockabilly e surf. Suona una "lap-steel guitar" preparata nella tradizione of John Cage. Guttmacher e` appassionato di jazz d'avanguardia, come Cecil Taylor e Sun Ra. Amos ha una profonda conoscenza del rock d'avanguardia, sia americano (Velvet Underground, Pere Ubu) sia tedesco (Can, Faust) e il suo sintetizzatore e' forse il primo a far tornare in mente quello glorioso di Allen Ravenstine (Pere Ubu).

Amos era attivo fin dagli anni '70, quando suonava musica elettronica in Florida. Nel 1977, traslocato a Boston, venne coinvolto nella new wave e fece parte dei Girls di David Hild, e poi di alcuni progetti con Roger Miller e Kramer. Nel 1991 Amos e Jones facevano parte degli Shut Up (un unico disco su Brash Music). Quando il chitarrista li lascio` per andare a formare i Christmas, Amos e Jones incontrarono Guttmacher e Fujiwara, tutti studenti d'arte e del conservatorio, e nacque la sigla Cul De Sac.

(Translation by/ Tradotto da Paolo Latini)

Ecim (Northeastern, 1992) gioca con un'idea a metà strada tra il divertimento e la sperimentazione: una forma, per lo più strumentale di folk rock per chitarra, synth, basso e batteria, che unisce il folk-rock primitivo di John Fahey e la musica d'avanguardia. La struttura di Death Kit Train è lineare, ma eccentrica: ripetizioni pulsanti e minimaliste in un crescendo quasi sufi che viola su un tappeto di percussioni tribali, con toni psichedelici ad evocare Velvet Underground e Sonic Youth, e rumori elettronici che sembrano provenire da un altro pianeta. Nico's Dream usa una struttura simile per ordire una tappezzeria cosmica, un tenero tributo alla cantante dei Velvet Undergroun. Homunculus mixa la voce di Brecht con patterns ritmici à la Neu e distorsioni psichedeliche Pink Floyd-iane. La musica dei Cul De Sac non è né cervellotica né difficile. Infatti, i loro pezzi spesso sembrano cartoline esotiche/surreali: The Moon Scolds The Morning Star, una dimessa litania mediorientale sostenuta da chitarre stordite  e sialoghi di synth; The Invisible Worm, a metà strada tra le danze di guerra indiane e le danze rock marziali dei Talking Heads, con l'aggiunta di una demente voce à la David Thomas; etc.
La band è capace di quasi tutte le eccentricità. La frizzante, ma dissonante musica surf di Electar unisce l'era di Telstar e l'era del post-rock. Lauren's Blues scolpisce una tenera ed ipnotica melodia su ritmiche che cambiano dal valzer al bolero.
Una cover di John Fahey ed una di Tim Buckley rappresentano le coordinate della posizione che i  Cul De Sac occupano nella vasta terra di nessuno della musica sperimentale.

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Se il singolo Milk Devil (New World Of Sound) acuisce la trance nel battibecco fra tremolo di chitarra, tribalismo ed elettronica spaziale, I Don't Want To Go To Bed (Nuf Sed, 1995), che raccoglie pezzi registrati fra il 1990 e il 1993, trasforma del tutto le loro improvvisazioni in solenni mantra psichedelici. Quattro brani sfiorano o passano i dieci minuti: Abandoned Hospital, brano minimalista a meta` strada fra la In C di Terry Riley e le sinfonie di Glenn Branca; Doldrums, una suite rumorosa e tribale nello stile di Amon Duul e Hawkwind; Graveyard For Robots, una pantomima un po' orientaleggiante con le chitarre freneticamente scordate, This Is The Metal That Do Not Burn, una marcia mediorientale condotta in un clima di suspence come i rituali raga-psichedelici dei primi Pink Floyd. Gli altri sette brani sembrano piu` che altro esperimenti che tendono a coniugare gli assoli ultra-distorti di Jones (The Fraud Of Satisfaction, Roses In The Wallpaper) a violente e cacofoniche improvvisazioni jazz-rock di gruppo (Count Donut, For Seasickness ). L'album vale per quello che e`: un documento dei primi anni di attivita` del gruppo.

Il successivo singolo (per la Shock) contiene Sakhalin e Cant, due dei loro piu' avvincenti e geniali strumentali (un surf allucinato e uno spaghetti-western da manicomio).
Un altro singolo, una revisione di Doldrums, pennella ancora accordi surf trascendenti, come in un incrocio fra Dick Dale, John Fahey e Ravi Shankar.

Having replace Guttmacher with Men & Volts' drummer Jon Proudman, Cul De Sac progressed towards a more fluent and elegant style on China Gate (Thirsty Ear, 1996), possibly their masterpiece.
The exotic meditation of Sakhalin is sustained by an explosive combination of Jones' frantic middle-eastern strumming (and a couple of wildly distorted solos) and by a hypnotic rhythm a` la Pink Floyd's Set The Controls For The Heart Of The Sun. The guitar unleashes an intimidating barrage of noise and melody. The same effervescent mood propels the surf music of Doldrums to transcendental heights, despite noisy electronics, tribal drums and a sitar-like guitar drone that erupts in the middle of it. Something similar happens in Hemispheric Events Command, where a loud, distorted guitar sound derails an otherwise lazy (but no less atonal) shuffle. The most atmospheric of these fast-paced bluegrass/surf/minimalist/tribal pieces is The Colomber, which, fueled by titanic drumming, accelerates to a supersonic bacchanal.

On the more intellectual/abstract front, the funereal, noir suspense of James Coburn relies on unstructured jamming. The loose, nine-minute hallucination of Nepenthe is wrapped in haunting guitar tones, eerie electronics and almost free-jazz improvisation. The eleven-minute tour de force of The Fourth Eye is the ultimate detonation of Cul De Sac's faux retro-chic. Subliminal reverbs, sparse gong-like drumming, electronic fibrillation and, in general, surrealistic sound-painting replace the linear accelerations of the surf-like tracks.
Cul De Sac have greatly reduced the contribution of the synthesizer, that may not fit with this austere and ambitious course.

(Translation by/ Tradotto da Paolo Latini)

Dopo aver rimpiazzato Guttmacher con l'ex batterista di Men & Volts, Jon Proudman, i Cul De Sac progrediscono verso uno stile più fluido ed elegante con China Gate (Thirsty Ear, 1996), probabilmente il loro capolavoro.
La meditazione esotica di Sakhalin è sostenuta da una combinazione esplosiva dei frenetici strimpelli mediorientali di Jones (e un paio di solo selvaggiamente distorti) e di ritmi ipnotici à la Pink Floyd di Set The Controls For The Heart Of The Sun. La chitarra erge una minacciosa diga di rumore e molodia. Il medesimo mood effervescente eleva la musica surf di Doldrums a vette trascendentali, a dispetto dell'elettronica noisy, dei ritmi tribali e del drone di chitarra simil-sitar che esplode a metà del pezzo. Qualcosa di simile accade in Hemispheric Events Command, dove una chitarra forte e distorta deraglia uno shuffle altrimenti pigro (ma non meno atonale). Il pezzo più atmosferico fra questi sostenuti pezzi bluegrass/surf/minimalisti/tribali è The Colomber, che, alimentata da un drumming titanico, accelera fino a diventare un baccanale supersonico.

Sul fronte più intellettuale/astratto, la suspense funerea e noir di James Coburn poggia su un jamming non-strutturato. I nove minuti allucinanti di Nepenthe sono avvolti da toni di chitarra ossessionanti, elettronica irreale e improvvisazioni quasi free-jazz. Il tour de force di undici minuti di The Fourth Eye è l'ultima detonazione del falso retro-chic dei Cul De Sac. Reverberi subliminali, un drumming che imita sparuti rintocchi di gong, fibrillazioni elettroniche e, in generale, un dipinto sonoro surrealistico, rimpiazzano le accelerazioni lineari delle tracce simil-surf..
I Cul De Sac hanno fortemente ridotto il contributo dei sintetizzatori, che in effetti avrebbero potuto non calzare per questo nuovo corso austero e ambizioso.

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The Epiphany Of Glenn Jones (Thirsty Ear, 1997) viene composto e suonato con John Fahey. Gamelan Collage, New Red Pony, Our Puppet Selves, Magic Mountain, Tuff sono esercizi fiabeschi e quasi esoterici di evocazione di mondi ultraterreni.

Amos e` coinvolto anche in un progetto di techno, che si chiama Beyond Freedom And Dignity e Jones sta lavorando a un album di sola chitarra.

Nel febbraio del 1999 esce il singolo The Portland Cement Factory at Monolith California (gia` su Ecim), un brano di Fahey. Il quartetto scoppia di salute su Crashes To Light (Thirsty Ear, 1999). Benche' l'album sfoderi otto brani oltre i sei minuti, si tratta del loro lavoro piu` compatto. Il sound e` stato ripulito di tutte le spigolosita`, le trame sono state semplificate, i ritmi sono stati ricondotti alla logica della melodia. Ne scaturisce un saggio esemplare di progressive-rock strumentale, che e` al tempo stesso il lavoro piu` accessibile della loro carriera.
Etapin Shrdlu (nove minuti) e Sands Of Iwo Jima (dodici minuti) sono emblematiche di come Jones riesca a costruire un flusso armonico da un'eclettica moltitudine di spunti. Nel primo un bouzouki si fa largo fra i borboglii del sintetizzatore e intona un motivo ipnotico, a meta` strada fra un saltarello mediterraneo e il sitar di Paint It Black (Rolling Stones), ma viene inghiottito nel crescendo tempestoso di percussioni e chitarra elettrica, con un suggestivo accostamento di stereotipi delle jam psichedeliche e degli strumentali surf. Il tour de force del secondo si snoda come un crescendo maestoso e imponente di tutti gli strumenti che si riallaccia in maniera piu` diretta alle jam psichedeliche degli anni '60. Questa volta e` la sezione ritmica a dominare, con le sue cadenze gotiche in continuo movimento, mentre l'elettronica stende lenzuoli di vagiti extraterrestri e la chitarra delira distorta e siderale.
Piu` di un brano ha sovratoni spirituali o metafisici. A Voice Through A Cloud (nove minuti) si apre con la chitarra che canta un inno gospel in un'atmosfera di estasi quasi new age. La melodia si frantuma in un caos gentile di accordi come in una lunga voluta di fumo. La melodia di K e` invece scandita dagli accordi metallici della chitarra su un sottofondo di suoni sinistri delle tastiere. La chitarra trasforma anche Father Silence (nove minuti) in un poema filosofico, imbastendo riff onirici, a meta` strada fra il fusion-jazz da salotto e l'hard-rock melodico, sul passo lento, quasi country, della sezione ritmica e sui lugubri timbri da requiem barocco delle tastiere. Hagstrom comincia con un crepitio di rumori, ma si distende presto in un fluido tema melodico, meta` hawaiano e meta` surf, della chitarra. In questi brani piu` rilassati si sente fortissima l'influenza di John Fahey, dei suoi miraggi fiabeschi e delle sue trance trascendenti.
Il disco si chiude con la trenodia di On The Roof Of The World, una commossa elegia strimpellata freneticamente dalla chitarra come se si trattasse di un sitar o di un'arpa, immersa in un gorgo di vento elettronico e scandita in maniera marziale da tamburi e contrabbasso.
Lo strumento che domina queste pantomime esistenziali e` la chitarra di Glenn Jones. Jones ne e` diventato un piccolo virtuoso, capace di svariare su un fronte molto ampio di tecniche e timbriche.
A limitare la portata del disco manca soltanto la novita` davvero strepitosa, il brano che faccia gridare al miracolo. Tutte le suite sono impeccabili, ma raramente memorabili.

Con Tortoise e Labradford, i Cul De Sac sono fra i principali protagonisti della rinascita del rock strumentale alla fine del millennio.

Immortality Lessons (Strange Attractors, 2002) captures a 1999 live performance of (mostly) previously unreleased tracks. Etaoin Without Shrdlu, from Crashes To Light, highlights their guitar and keyboards technique of sculpting a raga-like structure halfway between surf music and Terry Riley's minimalism. Blues In E is a surreal piece that wavers for a while around a jazzy bolero theme only to bloom in a guitar-driven Hawaian aria. The influence of early Pink Floyd is visible in the lengthy The Dragonfly's Bright Eye. Tension is what keeps Immortality Lessons lighting up (a track originally recorded with John Fahey in 1997): its hypnotic middle-eastern crescendo is a tapestry of fluctuating patterns. However, the standout has to be Frozen In Fury On The Roof Of The World, an atmospheric and somewhat nostalgic "toccata and fugue". While not as groundbreaking as, say, China Gate, this album is a worthy follow-up to I Don't Want To Go To Bed (which also contained live improvisations). Immortality Lessons (Strange Attractors, 2002) documenta una performance dal vivo del 1999 e comprende per lo piu` materiale inedito su album. Etaoin Without Shrdlu, tratta da Crashes To Light, mette in luce la loro tecnica di scolpire strutture in forma di raga a meta` strada fra la musica surf e il minimalismo di Terry Riley. Blues In E e` un pezzo surreale che vacilla per un po' attorno a un bolero jazzato per sbocciare poi in un'aria Hawaiana alla chitarra. L'influenza dei primi Pink Floyd e` visibile soprattutto nella lunga The Dragonfly's Bright Eye, ma percepibile ovunque. E` comunque la tensione che tiene continuamente in vita un brano come Immortality Lessons (un inedito delle sessioni con John Fahey del 1997): il suo ipnotico crescendo mediorientale e` un arazzo di pattern fluttuanti. Il capolavoro e` forse Frozen In Fury On The Roof Of The World, una sorta di "toccata e fuga" atmosferica e nostalgica. Pur non essendo certamente un album rivoluzionario come, per esempio, China Gate, questo lavoro e` un degno proseguio di I Don't Want To Go To Bed, altro album di improvvisazioni dal vivo.
L'unico difetto di questa musica e` di essere fin troppo leziosa, un po' come l'Epiphany Of Glenn Jones, grande show con John Fahey ma piu` "show" che "arte".
Death Of The Sun (Strange Attractors, 2003), the first album of studio compositions in four years, adds bassist/violinist Jonathan LaMaster and electronics/turntabilist Jake Trussell to the axis of Robin Amos (keyboards), Glenn Jones (guitars) and Jon Proudman (drums). The music is deeply indebted to the folkish tape pieces that featured prominently on The Epiphany Of Glenn Jones, Cul De Sac's collaboration with guitar primitivist John Fahey. Dust of Butterflies (9:54) begins as an unfocused ethno-collage, but slowly acquires a more focused shape as a concert of minimalist chord plucking lends itself to the fragile flight of violin and other melancholy drones over ever more opalescent structures. The contrast between the electronic undercurrent and the insistent acoustic tinning of the guitars is the leitmotiv of the entire album.
Turok Son of Stone (7:26) proceeds from a frantic barrage of percussions. Steve Roach-ian snake-hisses and prehistoric moans challenge the ever increasing beat, while haunting female vocals cry in the distance.
The feverish magma that exhales electronic miasma in Death of the Sun (8:46) is of a different nature. Instead of jungle-esque polyrhythms, the propellent is a metronomic beat (loudly distorted towards the end).
The intense sitar-driven raga of Bamboo Rockets and the protracted cerimonial-music suspense of Bellevue Bridge (6:13) indulge in dejectedly exotic overtones. The closing, poignant litany of I Remember Nothing More (5:40), sampled from some obscure, crackling record, seals the fatalistic, languid-abandon tone of the album.
It is all well-architected and impeccably packaged, but, somehow, not completely convincing. Like everything that is "artificial" in nature, it tends to sound impersonal and inorganic. The artifice works wonderfully, but it remains an artifice, which is, fundamentally, a deception. This is neither terribly revolutionary, by the standards of musician who have been doing this kind of things for years, nor as enchanting as the original Cul De Sac sound.
Death Of The Sun (Strange Attractors, 2003), il primo album in studio in quattro anni dei Cul De Sac, presenta il bassista/violinista Jonathan LaMaster e il tastierista/turntabilist Jake Trussell in aggiunta all'asse di Robin Amos (tastiere), Glenn Jones (chitarre) e Jon Proudman (batteria). La musica dimostra un debito profondo nei confronti dei pezzi per nastro che spiccavano su The Epiphany Of Glenn Jones, la collaborazione del gruppo con il chitarrista "primitivista" John Fahey. Dust of Butterflies (9:54) comincia come un ethno-collage sfocato, ma assume lentamente la forma di un concerto minimalista per corde pizzicate, con il violino e altri droni malinconici a sorvolare strutture sempre piu` opalescenti. Il contrasto fra la corrente sotterranea dell'elettronica (analogica) e il tintinno acustico delle chitarre e` il leitmotiv dell'intero album.
Turok Son of Stone (7:26) procede da un frenetico barrage di percussioni. Sibili di serpente e mugugni preistorici alla Steve Roach sfidano il battito in progressione, mentre una voce femminile lancia il suo richiamo ancestrale da lontano.
Il magma febbrile che esala miasmi elettronici in Death of the Sun (8:46) e` di una natura diversa. Invece dei poliritmi jungle-eschi, il propellente e` un battito metronomico (distorto in maniera assordante verso la fine).
L'intenso raga per sitar di Bamboo Rockets e la suspense protratta di Bellevue Bridge (6:13) indulgono in sovratoni tragicamente esotici. La litania finale di I Remember Nothing More (5:40), campionata da un vinile scricchiolante degli anni ruggenti, sigilla il tono fatalista, di languido abbandono, dell'album.
Tutto e` ben architettato e prodotto in maniera impeccabile, ma, in qualche modo, non del tutto convincente. Come tutto cio` che e` artificiale, rimane fondamentalmente impersonale e inorganico. L'artificio funziona a meraviglia, ma rimane sempre un artificio, che e`, alla fin fine, una finzione. Questo disco non e` ne' rivoluzionario (per gli standard di gente che queste cose le fa da anni) ne' incantevole come il sound originale dei Cul De Sac.
Strangler's Wife (Strange Attractors, 2003) collects the music composed by Cul De Sac for a film's soundtrack (18 brief vignettes). Amos and Jones shine at their respective instruments, as does Proudman's inventive and frequently Mason-ian drumming, There are echoes of Ummagumma-era Pink Floyd and of the Nice/Colosseum school of (neoclassical) thought (First Victim), but overall this is their least conceptual and least ambitious work. It flows with grace and dignity (Fifth Victim), but it is also enveloped in a somewhat disappointing torpor. (Translation by/ Tradotto da Paolo Latini)

Strangler's Wife (Strange Attractors, 2003) raccoglie musiche che i Cul de Sac hanno composto quale colonna sonora per un film (18 brevi vignette). Amos e Jones risplendono ai rispettivi strumenti, come fa anche Proudman coil suo drumming inventivo e quasi Mason-iano. Ci sono echi di Ummagumma e della scuola (neoclassica) targata Nice/Colosseum (First Victim), ma a conti fatti, questo Š il loro lavoro meno ambizioso e meno concettuale. Cresce con grazia e dignit… (Fifth Victim), ma Š anche avviluppato in un qualche sconcertante torpore.

Glenn Jones' album This Is The Wind That Blows It Out (Strange Attractors, 2004) is his solo venture into the progressive acoustic folk of John Fahey and Robbie Basho. Jones' original style is probably best displayed in Sphinx Unto Curious Men, a calm tapestry of shimmering notes that proceeds for nine minutes with the tone of a fairy tale. The Doll Hospital is more of the same, except that the leading motif is stronger and the whole piece can be viewed as a series of variations around it. Jones is equally capable of crafting melodic arias such as Friday Nights With and Fahey's Car. Jones' debts to traditional music are quite small. Except for the duet with Jack Rose, Linden Avenue Stomp, the music is suspended in a stylistic limbo more neutral than Fahey's, not particularly western, eastern, blues or folk. Nora's Leather Jacket might recall Balkan folk dances, but the breathtaking fingerpicking leaves a feeling of existential quest. The brilliant execution matched by inspired material makes for an impressive contribution to the genre.

The double-disc Abhayamudra (Strange Attractors, 2004) compiles some live improvised sessions between Cul De Sac and Can's vocalist Damo Suzuki. The collaboration (and the format) is a mixed blessing. The massive ultra-psychedelic free-form sound (the first four minutes of Beograd 6) can be truly intimidating, but neither the band nor the vocalist likes to indulge in them. They prefer more subtle palettes. The problem is that Suzuki's psychodramas (when the recital prevails), such as Kopenhagen 3, Halle 2, Zagreb 3 and Baltimore 5 (often stretching to 20 minutes), are an acquired taste: the man is certainly a mesmerizing shaman, but several minutes of his monotonous cantillation can exhaust even his most passionate fans. The marriage of voice and instruments succeeds in the ethereal post-blues meditations of Cambridge 1, in the haunting, tribal, Doors-ian Berlin 3, in the soaring gothic march of Berlin 6,

(Translation by/ Tradotto da Walter Romano)

Con This Is The Wind That Blows It Out (2004), Glenn Jones tenta un’avventura solista nel folk acustico-progressivo di John Fahey e Robbie Basho. L’originale stile di Jones è probabilmente espresso al meglio in Sphinx Unto Curious Men, un tranquillo arazzo di note scintillanti che procedono per nove minuti con toni da racconto fiabesco. The Doll Hospital si spinge oltre, ma leitmotiv è più energico, tanto che l’intero pezzo può essere considerato come una serie di variazioni sul tema. Jones è al contempo capace di abili arie melodiche come Friday Nights With e Fahey's Car. I suoi debiti verso la musica tradizionale non sono così consistenti. Tranne che per il duetto con Jack Rose, Linden Avenue Stomp, la musica è sospesa in un limbo stilistico più neutrale di quello di Fahey, e non si può dire se sia blues, folk, musica dell’est o dell’ovest. Nora's Leather Jacket può evocare le danze folk balcaniche, ma il magnifico pizzicato lascia come una voglia di ricerca esistenziale. La brillante esecuzione e le ispirate composizioni assicurano un impressionante contributo al genere.

Il doppio Abhayamudra (2004) riunisce alcune session improvvisate dai Cul De Sac con Damo Suzuki, cantante dei Can. La collaborazione dà buoni frutti. Il massiccio sound free-form ultrapsichedelico (i primi 4 minuti di Beograd 6) quasi spaventa, ma né la band né il vocalist indulgono in esso. Preferiscono uno stile più disteso. Il problema è che gli psicodrammi di Suzuki (quando prevale il recital), come Kopenhagen 3, Halle 2, Zagreb 3 e Baltimore 5 (spesso dilatate fino a 20 minuti), sono un deja vù: l’uomo è certamente uno sciamano ipnotizzante, ma diversi minuti delle sue nenie monotone stancherebbero anche il più scatenato dei fan. Il matrimonio tra voce e strumenti ha successo nell’eterea meditazione post-blues di Cambridge 1, nell’ossessionante, tribale, "Doorsiana" Berlin 3, nella marcia gotica in crescendo di Berlin 6.

Against Which the Sea Continually Beats (Strange Attractors, 2007) was Glenn Jones' second solo album, highlighted by the eleven-minute Freedom Raga but burdened by a mood that was a bit too relaxed and domestic. The Wanting (Thrill Jockey, 2011) injected a bit of post-rock dynamics into Jones' ancestral folk meditations thanks to a sprawling duet with drummer Chris Corsano, the 17-minute The Orca Grande Cement Factory at Victorville. (Translation by/ Tradotto da xxx)

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