Michael Jones

Il pianismo di Jones è tanto "classico" da far pensare che i suoi dischi siano rielaborazioni di sonate classiche di Chopin, Debussy, Rachmaninov e Skrjabin. In realtà dietro le sue fantasie melodiche di ampio respiro si nasconde una personalità complessa e variegata.

Nato nel 1942 in un'ospedale militare d'Inghilterra da genitori canadesi, ma cresciuto in Ontario, prese lezioni di pianoforte fin da tenera età. Laureatosi nel 1966 in Musica e Psicologia, visse per qualche anno una doppia esistenza, di giorno a fare l'assistente sociale per guadagnarsi da vivere, di sera a comporre musica.

Nella convinzione che il ruolo dell'artista stia nell'entrare in comunione con la natura, Jones sviluppò uno stile allo strumento che voleva semplicemente rendere le sensazioni di fatti naturali, come la pioggia o il tramonto. In breve l'interesse degli amici lo spinse a registrare una prima cassetta auto-prodotta, Michael's Music, e poi un'altra, Windsong, contenente quattro lunghe meditazioni. Il successo di quei nastri, nati quasi per caso, lanciò la sua carriera discografica. Il suo segreto era, in realtà, la capacità di trasferire in musica la curiosità e la voglia di giocare dei bambini. Windsong venne ri-registrato come Wind And Whispers (Sona Gaia, 1985). Michael's Music venne ristampato come il doppio LP Pianoscapes.

Negli anni seguenti riusci` anche con successo di fondere il suo background artistico con i bisogni del suo mestiere di psicologo e sociologo. In collaborazione con l'MIT, ha continuato il progetto "Dialogue" che era stato originariamente concepito dal fisico David Bohm. Questi aveva soltanto formalizzato le idee di un guru indiano: gli uomini hanno difficoltà a stare insieme, a comunicare, ad ascoltarsi; bisogna pertanto insegnare loro ad ascoltare più attentamente gli altri. Il progetto ruota attorno al concetto di "spazio di dialogo", che è uno spazio collaborativo, usato da tutti i presenti, e il pianoforte di Jones serve a creare quello spazio. Jones ha compiuto esperimenti persino in Russia e in Africa.

Pianoscapes (april 1985) si presenta come una raccolta di bozzetti pianistici senza pretese. In realtà, sposando le armonie più cristalline della musica classica con lo spirito meditativo, umanista ed ecologista della new age, l'album si pone come sintesi e manifesto di un neo-impressionismo spirituale.

Le fantasie più lunghe e complesse, Tapestries e Pianoscapes, lasciano fluttuare liberamente le note in maniera simile a quella del folk progressivo di John Fahey: la tecnica di improvvisazione non è né quella del raga né quella del jazz, benché prenda in prestito da entrambe qualcosa (il salmodiare in crescendo del primo, l'andamento sincopato del secondo), è musica occidentale popolare che trasmette emozioni laiche dell'animo tentando di metterle in risonanza con il succedersi tonale degli accordi. In questi lunghi excursus sonori, che potrebbero durare virtualmente all'infinito, Jones non sviluppa un leitmotiv preciso, ma dà via libera a un flusso ininterrotto di temi, seguendone alcuni a caso, lasciando svanire gli altri nel nulla.
Se le melodie più patetiche scaturiscono dal tema di Daybreak, gli apici lirici si trovano forse negli acquerelli più impressionisti, la vertiginosa ed eterea Swallows, la delicata e tintinnante Dancing Waters, la soffusa e notturna Twilight, motivi tanto spontanei e lineari da ricordare le filastrocche dei carillon.

Jones eccelle soprattutto nell'improvvisare liberamente su un tema, nel gioco con i tasti tramite cui esorcizza i casi umani strazianti che deve affrontare quotidianamente nel suo lavoro. La sua è anche una continua ricerca di tonalità, ma senza mai sforzare l'orecchio dell'ascoltatore. Jones tenta di di far suonare il suo pianoforte come un altro strumento, come tanti altri strumenti, come un'orchestra intera. In un certo senso più che un pianista Jones è un arrangiatore.

Completata la trilogia "impressionista" con Seascapes (sul quale spiccano le Mexican Memories, il flusso di coscienza di Beyond The Dream e la lunga title-track, una serie di variazioni su un leggiadro tema "da carillon") e Sunscapes (december 1985) (che si affida soprattutto alle filastrocche ataviche di Butterflies In Space e alle cascate di accordi di Touch The Wind), Jones varò una collaborazione con David Darling, al quale si devono gli arrangiamenti sofisticati di violoncello e dulcimer sui dischi successivi.

I duetti con Darling di Amber segnano l'inizio del nuovo corso: il soliloquio introspettivo dei primi dischi viene superato da strutture formali più vivaci ed eleganti, da una musica da camera tenue e raffinata e al tempo stesso più immediata e coinvolgente. Il felice contrappunto di pianoforte e archi trasforma piece improvvisate come Rainfall e Indian Summer in polifonie suadenti con una forte qualità cromatica e contrappuntistica che mancava del tutto agli assoli pianistici.

Lungi dalle astruse elucubrazioni del nuovo jazz e dai freddi astrattismi dell'avanguardia atonale, anche le composizioni più ardite, Wu Wei (l'unica in cui siano percepibili influenze orientali) e Dreamlight (forse il brano più stralunato e onirico della sua carriera) conservano una cristallina limpidezza. All'aumentare della complessità armonica aumenta anche, quasi miracolosamente, il melodismo spontaneo e naif dei brani, dando origine ad acquerelli d'infinita tenerezza come Sunshine Canyon e After The Sun, da annoverare fra i vertici della new age tutta.

After The Rain è il capolavoro di questa fase. Accentuando ritmo, melodia e arrangiamenti, la musica di Jones raggiunge il massimo di suggestione e di comunicatività. Memore della musica da camera improvvisata di Teja Bell, ma dando preminenza ai contrappunti melodici piuttosto che all'impasto cromatico (ovvero all'aspetto narrativo, dinamico della musica, piuttosto che a quello descrittivo, statico), Jones conia uno stile classico di flusso strumentale libero, uno stile che rifugge tanto dall'ermetismo quanto dal preziosismo. Ogni accordo è essenziale e perfettamente inserito nel contesto (al contrario dell'avanguardia dissonante), benché del tutto imprevedibile (al contrario della melodia tradizionale).
Jones regala altre incantate serenate, fra cui Morning Mist, con il suo ritornello da carillon, Water's Edge, aperta da uno dei suoi temi più orecchiabili (che viene poi ripetuto al flauto ed elaborato dall'oboe), e soprattutto la suite After The Rain, il cui quarto movimento è un altro dei suoi vertici melodici. Della maturazione di Jones fanno testo la fantasia lirica ed esuberante di Swallows In Flight, per la quale il riferimento è ora il Beethoven delle sonate romantiche e delle ultime sinfonie, o Aspen Summer, a sua volta reminescente dei concerti di Mozart.

Jones, Darling, Nancy Rumbel (oboe) e gli altri collaboratori compongono uno degli ensemble più felicemente amalgamati della new age. Se nel disco precedente a brillare erano soprattutto i concisi madrigali di Sunshine Canyon e After The Sun, qui trionfa una forma più solenne ed elaborata, di dimensioni più ambiziose, ma non meno calibrata, quella di Water's Edge, After The Rain e Swallows In Flight, che è discendente diretta dei flussi di coscienza di un tempo.

Magical Child si attiene a quella formula. Jones e il suo ensemble possono ricamare per minuti e minuti su qualsiasi melodia, inseguendo il piano nelle sue semplici ma raffinate evoluzioni. Così il tenero ritornello di Spring Meadow dà luogo a un altro lungo excursus mozzafiato, e l'aria bucolica di Country Dance si trasforma in una sonata d'intensità e impeto sinfonici. Prayer, dal canto suo, che indulge in un trepido arpeggio, è la composizione più trascendentale.

Il pezzo forte del disco è comunque Sunrise, che il piano apre in solitudine per poi lanciarsi con l'oboe e il violoncello in un gioioso saltarello, primo tema della suite. Il secondo tema è un'aria struggente ripetuta da Rumbel e Darling nell'adagio successivo. Il primo tema, quasi "vivaldiano", ritorna di continuo tintinnato al pianoforte, intrecciato alle fiorite variazioni del quartetto.

Lo stile pianistico di Jones è sempre più barocco, gonfio di cascate e cascate di rintocchi, e petulante, capace di aggiungere sempre alla frase che è già finita una coda di note in dissolvenza.

Morning In Medonte contiene quattro lunghe composizioni che rappresentano il vertice formale della sua carriera. Il suo tocco non è mai stato così leggero e sicuro, la naturalezza dei suoi monologhi è sbalorditiva, il suo modo di comporre per puro intuito sembra al riparo dalle banalità. E' impressionante come prende forma il primo tema cantabile di Morning In Medonte, e come svanisce piano piano, mutando nel più virile secondo tema per finire in un tintinniio confuso.

Rinuncia persino alla melodia A Breath Of Autumn, un'ode alla stagione che sembra soltanto voler imitare le foglie che si staccano e cadono lentamente dai rami. Altrettanto "visiva" è la Dance Of The Trumpeter, un quadretto degno di Ravel in cui vengono condensate la grazia e la vanità del cigno. Song For The Earth è una serie di variazioni sul traditional Greensleeves in cui dell'originale rimangono poche tracce.

I brani evolvono in continuazione, seppur evitando accuratamente le fratture tematiche. Le note rotolano più che piovere sull'ascoltatore. Ogni pezzo ha una storia ed è una storia.

Air Born riprende lo stesso formato (quattro suite), ma lo spinge ancora più in là, allungando le improvvisazioni fino a lambire il limite della mezz'ora per un pezzo. Ciò che perde in spontaneità lo guadagna in potenza fotografica e cinematografica. Il moto di una farfalla è alla base dello schema ripetitivo di Air Born, con i suoi frenetici tremolii, le sue pause delicate, le sue brusche impennate. Lark In The Clear Air ritorna al luminoso lirismo di Morning In Medonte, con le melodie più intime nascoste in flutti scomposti di accordi.

Summer In Chimo è invece una delle sue improvvisazioni più ostiche, davvero un flusso di coscienza, privo di un'unità tematica o di riferimenti visivi. Voices In The Wind è un discorso altrettanto astratto e protratto, ma questa volta anche appassionato e vivace, sempre imprevedibile nello svolgimento, senza l'assillo di arrivare a una conclusione razionale, come in un rigurgito di emozioni incontrollabili. La regressione all'infanzia, che era sempre stata un po' la chiave di letturia primaria,

Le dita di Jones sono ormai quelle di un grande maestro, a cui è possibile praticamente fare di tutto. La sua ispirazione è quella di un esploratore forte di un senso dell'orientamente praticamente infallibile. Jones non ha rivali nella storia della musica per la capacità di rendere sonoramente le immagini che si formano nella sua mente.

Pudica e solipsista, istintiva ed emotiva, la musica di Jones è pregna di calore umano pur chiudendosi in un formalismo impeccabile. Di tutti i pianisti new age Jones è quello meno facilmente riconducibile ai generi tradizionali della musica leggera, del jazz o della musica classica. La sua arte nasce dalla sintesi (tutta occidentale) di civiltà romantica e civiltà moderna, ripudiando però tanto il titanismo disperato della prima quanto il lugubre fatalismo della seconda a favore di uno spirito contemplativo che è invece di chiara matrice orientale.

Nel 1995 ha pubblicato anche un libro di memorie, "Creating an Imaginative Life".

Ci si aspettava la conclusione di una terza trilogia, invece Jones ha deciso con Touch (Narada) di virare drasticamente verso la romanza melodica da salotto. Il risultato e` brillante come sempre (tanto nei temi romantici di Evening e Longing, quanto nei carillon innocenti di Walking e Rebirth), ma e` come se un grande filosofo avesse scritto una favola per bambini. Le composizioni piu` lunghe (River e Storm) si lasciano andare a qualche riflessione meno mondana, ma sempre intrisa di un lirismo superficiale per lui un po' insolito. Siamo nel reame di Satie, Debussy e Ravel, non in quello di Beethoven o anche soltanto Schubert.

Jones has ristampato i primi dischi nel doppio Deluxe Edition (Pianoscapes).

Rocco Stilo scrive: