Carl Stone

(Copyright © 2003 Piero Scaruffi | Terms of use )
Woo Lae Oak (1981), 6/10
Four Pieces (1989), 6/10
Mom's (1992), 6/10
Over-Ring-Under (1992), 5/10
Kamiya Bar (1995), 5/10
Em:t 1196 (1996), 5.5/10
Exusiai (1999), 5/10
Nak Won (2002), 5/10
Resonator (2002), 5/10
Al-Noor (2007), 7/10
Baroo (2019), 6.5/10
Himalaya (2019), 7.5/10
Stolen Car (2020), 7/10

Los Angeles-born and San Francisco-based electro-acoustic and computer composer Carl Stone (1953), a student of Morton Subotnick and James Tenney, went through several stages in his musical career, marked by a fascination with both Western and Far Eastern classical music. Sukothai (1977) spearheaded what would become his leitmotiv: a tape manipulation of a Henry Purcell rondo which slowly transforms the original into a disorienting maze of mirrors (hundreds of out-of-synch variations playing against each other).

His first album was devoted to the 54-minute concrete symphony Woo Lae Oak (1981 - Wizard, 1983), that manipulates the tremolo of a rubbed string and the tone of a blown bottle. A feverish minimalist pulsation provides the foundation for sharp drones that turn into morph into voice-like vibrations and then into flute-like drones

Three other compositions of this period are notable: the 29-minute Kuk Il Kwan (1981), a terrifying concerto for drones and found sounds; the 23-minute Mae Yao (1984), that destroys a gamelan piece until only fluttering drones are left and then in the last minute an angelic female voice intones a cosmic hymn; and the 19-minute Shibucho (1984), one of his earliest meditations on (and remixes of) world-music.

The sampling-based soundscapes of Four Pieces (EAM, 1989) were constructed from computer-organized samples of classical music and electronic music; basically a collaboration between an Apple Macintosh computer, a Prophet 2002 sampler and a Yamaha TX 816 synthesizer. The 15-minute Shing Kee (1986) mixes a breathing sound, a call full of longing and industrial metronomies, but halfway turns into a church hymn sung by a female and its echoe vibrates under ancient vaults until it's taken away by an astral organ. Wall Me Do (1987) is rather trivial minimalist repetition, whereas the 17-minute Sonali (1988) uses minimalist repetition to stage a cubistic ballet around simple, Caribbean-tinged singsong melody that eventually evokes the Penguin Cafè Orchestra, with a comic operatic finale worthy of a Marx Brothers slapstick. Hop Ken (1989) is a series of digital variations on Mussorgsky's Pictures at an Exhibition

The triple-LP Electronic Music From The Seventies And Eighties (Unseen Worlds, 2016) collects Lim (1974), a not particularly interesting fluctuation of abrasive drones, Chao Praya (1973), another minor composition, Sukothai (1977), the 29-minute Unthaitled (1978), which sounds like a remix of Sukothai, Kuk Il Kwan (1981), the 21-minute Dong Il Jang (1982), a rather trivial case of vocal minimalism, Shibucho (1984), and Shing Kee (1986).

Other compositions of the era include: Thonburi (1989), She Gol Jib (1991) for Japanese flute and electronics, Rezukuja (1991) for percussion and electronics, and Recurring Cosmos (1991) for video and electronics.

The evening-length collage Kamiya Bar (1992), documented on Kamiya Bar (New Tone, 1995), was based on sounds of Tokyo's city life.

Mom's (New Albion, 1992) contains a reprise of Shing Kee, as well as the languid undulations of Banteay Srey (1991) for keyboards and voice, and the 18-minute world-music collage of Chao Nue (1990) that glides into a mysterious world of hissing drones and bubbling melodic fragmnets.

Over-Ring-Under (EMI, 1992) is the soundtrack to a videogame.

Monogatari - Amino Argot (Trigram, 1994) documents a long-distance collaboration between Carl Stone and Otomo Yoshihide.

Electronic Music From The Eighties And Nineties (Unseen Worlds, 2018) contains Sonali, Woo Lae Oak, Banteay Srey, and Mae Yao.

The four-movement collage symphony Nyala on Em:t 1196 (Em:t, 1996 - Time, 1996), originally composed for a ballet, consists of an ambient droning movement, a brief percussive movement, a liquid jazzy psychedelic third movement, and a final movement of anguished unstable loops and samples.

Chaotic live electronic poems appeared on Exusiai (Newtone, 1999) and on Nak Won (Sonore, 2002).

The double-disc Resonator (Kunishima, 2002), a split with Nagaya Kazuya, contains Stone's 56-minute Sapp.

Pict.soul (Cycling '74, 2001) documents a long-distance collaboration with Tetsu Inoue.

Al-Noor (In Tone Music, 2007) contains Al-Noor (11:13), a cryptic, haunting composition for a-cappella female voices, Flint's (9:28), the demented remix of a dance-pop song, Jitlada (10:00), a rather facile loop of Arabic singing and beats, and especially the post-modernist take on Sixties rock music L'Os a Moelle (24:14), a surreal "mix" of a guitar riff that echoes Them's Gloria and jangling guitars a` la Byrds, later joined by a comic kazoo and more romantic, Duane Eddy-esque guitar lines. The piece keeps shifting and evolving via distorted, warped melodies that evoke the naive psychedelic music of the 1960s as well as Morricone soundtracks.

Collaborations with jazz saxophonist Alfred Harth yielded Gift Fig (2012), The Expats (2013), that documents a Japanese live performance of 2010 with also guitarist Kazuhisa Uchihashi and Sam Bennett, and Stellenbosch (Kendra Steiner, 2015).

Stone turned decisively towards computer-manipulated world-music. Baroo (Unseen Worlds, 2019) contains two jovial remixes of Caribbean fanfares, Baroo and Sun Nong Dan (the latter pulverized into a swirling blender), but especially the ten-minute Xe May, that mixes and remixes a jazz pulsation and Arabic litanies until to evocate insane states of mind.

The double-LP Himalaya (Unseen Worlds, 2019) collects composed between 2013 and 2019, and represents the peak of his pan-ethnic sample-based and synth-based music collages. Some of these collages are simply delirious: Bia Bia, built from the Foundations' song Build Me Up Buttercup, sounds like Jon Hassell on steroids at a Brazilian dance party, followed by a hysterical gospel-soul jam. And that's calm compared with the tribal African frenzy of Jame Jam, that could have been inspired by the Beach Boys' Barbara Ann as well as by Pete Seeger's Wimoweh. Kikanbou (17:15) ventures into funk-disco territory, starting with a loop of Nile Rodgers-esque guitar that opens the way for thick wooden African percussions that get filtered into a syncopated beat surrounded by metallic industrial noises. Fujiken (20:58) is a droning collage of Vietnamese field recordings. Himalaya (13:04) is a lengthy poignant vocal improvisation by Japanese vocalist Akaihirume over tenuous organ lines, somewhere between Joan LaBarbara and Bjork. One of the best reimaginations of world-music in the digital age.

Carl Stone's plunderphonics crafted a few more of those amusing gems on Stolen Car (2020), whose title is an anagram of his name Carl Stone: the Indian-tinged drill'n'bass Pasjoli (with chopped vocal samples), the chaotic carnival Huanchaco (with funk-jazz overtones), the thundering Chinese opera Hinatei, the garbled baroque fanfare Rinka (with Handel-ian symphonic choir), and the energetic flute-driven folk dance The Jugged Hare, a remix of Mitski's Strawberry Blond. His sampling skills are on display in the most facile song, Au Jus, which is just the stuttering, cubistic remix of a pop song, and Bojuk pulverizes Ariana Grande. The second half of the album has more intellectual experiments like the eight-minute trance-y Ganci, the seven-minute propulsive Figli and the abstract Xiomara. They can't compete with the delirious euphoria of the shorter songs, but the slowly unfolding eleven-minute ambient lullabye Saaris closes the album on a glorious note, a straightforward melody that rises on the ashes of minimalist and psychedelic music.

(Translation by/ Tradotto da Damiano Langone)

Carl Stone nasce nel 1953 a Los Angeles e studia composizione al California Institute of the Arts con Morton Subotnick e James Tenney, per poi stabilirsi a San Francisco. Pur attivo nei campi della musica elettro-acustica e della computer music, Stone coltiva lungo tutto il suo percorso artistico un profondo interesse nei confronti della musica classica, sia occidentale che dell'estremo oriente. Sukothai (1977) preannuncia quello che poi sarà il tema a lui più caro: la manipolazione magnetica di un rondò di Henry Purcell spinto fino alla sua completa trasfigurazione in un labirinto di specchi (in pratica, centinaia di variazioni fuori sincrono che si accavallano una sull'altra).


Il primo album, Woo Lae Oak (1981 - Wizard, 1983), è una sinfonia di musica concreta lunga 54 minuti, percorsa da una febbrile pulsazione minimalista che fornisce la base ad acuti bordoni (prima mutanti in vibrazioni simil-vocali e poi in riverberi flauteschi), con interventi sul tremolo di una corda strofinata e sul suono di una bottiglia usata come strumento a fiato.


Di questa fase, altre tre composizioni risultano di particolare interesse: Kuk Il Kwan (1981), 29 minuti di un terrificante concerto per bordoni e suoni trovati; Mae Yao (1984), che in 23 minuti distrugge un brano gamelan fino a renderlo un fremente ammasso di bordoni, prima di lasciare posto a una angelica voce femminile intonante un inno cosmico; e Shibucho (1984), 19 minuti, una delle sue prime divagazioni (e remix) in ambito world-music.


I paesaggi sonori di Four Pieces (EAM, 1989) sono realizzati usando campionamenti di musica classica ed elettronica: in pratica, l'interazione tra un computer della Apple, un campionatore Prophet 2002 e un sintetizzatore Yamaha TX 816. Shing Kee (1986), 15 minuti, mette insieme il suono di un respiro, un richiamo pieno di desiderio e ritmi industrial metronimici, ma a metà strada vira verso un canto religioso per voce femminile i cui echi, prima di essere portati via da un organo siderale, si muovono a onde sotto le antiche volte di una chiesa. Wall Me Do (1987) è musica minimalista piuttosto banale, mentre Sonali (1988), 17 minuti, usa le ripetizioni minimaliste per mettere in piedi un balletto cubista su una semplice melodia dalle tinte caraibiche (che evoca la Penguin Cafe Orchestra), per poi esibirsi in un esilarante finale operistico degno dei fratelli Marx. Hop Ken (1989) è una serie di variazioni digitali sui Quadri di un'esposizione di Mussorgsky.


Il triplo LP Electronic Music From The Seventies And Eighties (Unseen Worlds, 2016) raccoglie composizioni degli anni '70 e '80: Lim (1974), levitazione di bordoni abrasivi di scarso interesse; Chao Praya (1973), altra prova minore; Sukothai (1977); i 29 minuti di Unthaitled (1978), che suona come il remix del brano precedente; Kuk Il Kwan (1981); i 21 minuti di Dong Il Jang (1982), esempio abbastanza scontato di minimalismo vocale; Shibucho (1984); e Shing Kee (1986).


Altre composizioni dello stesso periodo includono: Thonburi (1989), She Gol Jib (1991), per flauto giapponese ed elettronica, Rezukuja (1991), per percussioni ed elettronica, e Recurring Cosmos (1991), per video ed elettronica.


Il collage di Kamiya Bar (1992), presente su Kamiya Bar (New Tone, 1995), si basa sui suoni della città di Tokyo.


Mom's (New Albion, 1992) contiene una ripresa di Shing Kee, così come la languida oscillazione di Banteay Srey (1991), per tastiere e voce, e Chao Nue (1990), 18 minuti di montaggi world-music che scivola in un misterioso mondo di bordoni sibilanti e ribollenti frammenti melodici.


Over-Ring-Under (EMI, 1992) è la colonna sonora di un videogame.


Monogatari-Amino Argot (Trigram, 1994) documenta la collaborazione a distanza con Otomo Yoshihide.


Electronic Music From The Eighties And Nineties (Unseen Worlds, 2018) contiene Sonali, Woo Lae Oak, Banteay Srey e Mae Yao.


La sinfonia-collage Nyala, su Em:t 1196 (Em:t, 1996 - Time, 1996), composta in origine per un balletto, consta di quattro movimenti: il primo, caratterizzato da bordoni ambient; il secondo, dalle percussioni; il terzo, dalle liquide atmosfere jazz-psichedeliche; e l'ultimo, realizzato con un montaggio cangiante di campioni e angosciosi loop.


Exusiai (Newtone, 1999) e Nak Won (Sonore, 2002) contengono caotiche poesie elettroniche registrate dal vivo.


Pict.soul (Cycling '74, 2001) testimonia la collaborazione a distanza con Tetsu Inoue.


Su Resonator (Kunishima, 2002), doppio album condiviso con Nagaya Kazuya, Carl Stone presenta una composizione di 56 minuti intitolata Sapp.


Al-Noor (In Tone Music, 2007) contiene Al Noor (criptica quanto evocativa composizione di 11 minuti per coro femminile a cappella), Flint's (folle remix di 9 minuti e mezzo del successo pop-dance Barbie Girl degli Aqua), Jitlada (banale beat con canto arabo in loop per 10 minuti), ma soprattutto L'Os A Moelle, versione postmoderna del rock anni '60. Il brano è una surreale miscela di elementi compositi: le stridenti chitarre alla Byrds, un riff che echeggia Gloria dei Them, un kazoo usato con spirito irriverente, romantici fraseggi di chitarra alla maniera di Duane Eddy, e nei suoi 24 minuti di durata la musica subisce continue mutazioni, passando attraverso melodie distorte e complicate che riportano alla mente la musica psichedelica più ingenua degli anni '60 così come le colonne sonore di Ennio Morricone.


La collaborazione con il sassofonista jazz Alfred Harth frutta gli album Gift Fig (Kendra Steiner, 2012), The Expats (Kendra Steiner, 2013), che documenta una esibizione live del 2010 al fianco di Kazuhisa Uchihashi e Sam Bennett, e infine Stellenbosch (Kendra Steiner, 2015).


Carl Stone si rivolge con decisione alla world-music manipolata al computer con Baroo (Unseen Worlds, 2019), contenente due gioviali remix di fanfare caraibiche, Baroo e Sun Nong Dan (l'ultima delle quali decostruita fino allo sminuzzamento più spinto), e soprattutto Xe May, dieci minuti di impasto sonoro (tra pulsazioni jazz e litanie arabe) che puntano a suggerire folli stati della mente.


Il doppio album Himalaya (Unseen Worlds, 2019) raccoglie lavori composti fra il 2013 e il 2019 e rappresenta l'apice dei suoi collage musicali basati tanto sull'uso del synth quanto su quello dei sample. Alcuni di questi collage sono puri deliri: Bia Bia (costruita a partire da Build Me Up Buttercup dei Foundation), prima sembra un Jon Hassell dopato a una festa brasiliana, poi una scomposta jam di gospel-soul; mentre Jame Jam è un pezzo di tribalismo africano ancora più agitato che sembra aver tratto ispirazione da Barbara Ann dei Beach Boys e da Wimoweh di Pete Seeger. Kikanbou (oltre 17 minuti) si avventura nei territori del funk e della disco partendo da un riff di chitarra alla Nile Rodgers, prima di lasciare spazio a un ritmo sincopato di dense percussioni africane filtrate e poi immerse in un paesaggio di rumori industrial. Fujiken (quasi 21 minuti) è un montaggio di registrazioni sul campo effettuate in Vietnam. Himalaya (13 minuti) è una lunga e toccante improvvisazione vocale del cantante giapponese Akaihirume su tenui linee d'organo, a metà strada tra Joan LaBarbara e Bjork. L'album si distingue come una delle migliori riformulazioni della world-music in epoca digitale.


Sull'album Stolen Car (Unseen Worlds, 2020) - il titolo è l'anagramma del proprio nome - Carl Stone confeziona altre gemme con il suo metodo basato sull'appropriazione: Pasjoli (drill'n'bass indianeggiante con sample vocali), Huanchaco (caotico brano carnevalesco dalle suggestioni funk-jazz), Hinatei (roboante opera cinese), Rinka (la distorta fanfara barocca con coro sinfonico alla Händel), The Jugged Hare (l'energica danza folk guidata dal suono del flauto) e Strawberry Blond (remix dell'omonimo brano di Mitski). La disinvoltura tecnica con cui Carl Stone utilizza i sample si apprezza meglio nei brani meno complessi, ossia Au Jus (il remix cubista di una canzone pop) e Bojuk (nel quale tritura la musica di Ariana Grande). La seconda metà dell'album è quella in cui si presentano con maggior frequenza gli esperimenti più concettuali, come la quasi trance di Ganci, o le propulsioni di Figli, o l'astrattismo di Xiomara. Non può competere con la delirante euforia delle tracce più brevi, ma Saaris (11 minuti) sviluppa senza fretta una semplice melodia che nasce dalle ceneri della musica minimalista e psichedelica, una ninnananna ambient che dona all'album un finale di notevole bellezza.

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