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Los Angeles-born and San Francisco-based electro-acoustic and computer composer
Carl Stone (1953), a student of Morton Subotnick and James Tenney,
went through several stages in his musical career, marked by a
fascination with both Western and Far Eastern classical music.
Sukothai (1977) spearheaded what would become his leitmotiv: a tape
manipulation of a Henry Purcell rondo which slowly transforms the original
into a disorienting maze of mirrors (hundreds of out-of-synch variations
playing against each other).
His first album was devoted to
the 54-minute concrete symphony Woo Lae Oak (1981 - Wizard, 1983),
that manipulates the tremolo of a rubbed string and the tone of a blown bottle.
A feverish minimalist pulsation provides the foundation for sharp drones
that turn into morph into voice-like vibrations and then into flute-like drones
Three other compositions of this period are notable:
the 29-minute Kuk Il Kwan (1981), a terrifying concerto for drones and found sounds;
the 23-minute Mae Yao (1984), that destroys a gamelan piece until only fluttering drones are left and then in the last minute an angelic female voice intones a cosmic hymn;
and
the 19-minute Shibucho (1984), one of his earliest meditations on (and remixes of) world-music.
The sampling-based soundscapes of Four Pieces (EAM, 1989) were
constructed from computer-organized samples of classical music and electronic
music;
basically a collaboration between an Apple Macintosh computer, a Prophet 2002 sampler and a Yamaha TX 816 synthesizer.
The 15-minute Shing Kee (1986) mixes a breathing sound, a call full of longing and industrial metronomies, but halfway turns into a church hymn sung by a female and its echoe vibrates under ancient vaults until it's taken away by an astral organ.
Wall Me Do (1987) is rather trivial minimalist repetition, whereas
the 17-minute Sonali (1988) uses minimalist repetition to stage
a cubistic ballet around simple, Caribbean-tinged singsong melody that
eventually evokes the
Penguin Cafè Orchestra,
with a comic operatic finale worthy of a Marx Brothers slapstick.
Hop Ken (1989) is a series of digital variations on Mussorgsky's
Pictures at an Exhibition
The triple-LP Electronic Music From The Seventies And Eighties (Unseen Worlds, 2016)
collects
Lim (1974), a not particularly interesting fluctuation of abrasive drones,
Chao Praya (1973), another minor composition,
Sukothai (1977),
the 29-minute Unthaitled (1978), which sounds like a remix of Sukothai,
Kuk Il Kwan (1981),
the 21-minute Dong Il Jang (1982), a rather trivial case of vocal minimalism,
Shibucho (1984),
and
Shing Kee (1986).
Other compositions of the era include:
Thonburi (1989),
She Gol Jib (1991) for Japanese flute and electronics,
Rezukuja (1991) for percussion and electronics,
and
Recurring Cosmos (1991) for video and electronics.
The evening-length collage Kamiya Bar (1992), documented on Kamiya Bar (New Tone, 1995), was based on sounds of Tokyo's city life.
Mom's (New Albion, 1992) contains a reprise of Shing Kee,
as well as the
languid undulations of Banteay Srey (1991) for keyboards and voice,
and the 18-minute world-music collage of Chao Nue (1990) that
glides into a mysterious world of hissing drones and bubbling melodic fragmnets.
Over-Ring-Under (EMI, 1992) is the soundtrack to a videogame.
Monogatari - Amino Argot (Trigram, 1994) documents a long-distance collaboration between Carl Stone and Otomo Yoshihide.
Electronic Music From The Eighties And Nineties (Unseen Worlds, 2018) contains Sonali, Woo Lae Oak, Banteay Srey, and Mae Yao.
The four-movement collage symphony Nyala on Em:t 1196 (Em:t, 1996 - Time, 1996), originally composed for a ballet,
consists of an ambient droning movement, a brief percussive movement, a
liquid jazzy psychedelic third movement, and a final movement of
anguished unstable loops and samples.
Chaotic live electronic poems appeared on Exusiai (Newtone, 1999) and
on Nak Won (Sonore, 2002).
The double-disc Resonator (Kunishima, 2002), a split with Nagaya Kazuya,
contains Stone's 56-minute Sapp.
Pict.soul (Cycling '74, 2001) documents a long-distance collaboration with Tetsu Inoue.
Al-Noor (In Tone Music, 2007) contains
Al-Noor (11:13), a cryptic, haunting composition for a-cappella female voices,
Flint's (9:28), the demented remix of a dance-pop song,
Jitlada (10:00), a rather facile loop of Arabic singing and beats,
and especially
the post-modernist take on Sixties rock music
L'Os a Moelle (24:14), a surreal "mix" of a guitar riff that echoes Them's Gloria and jangling guitars a` la Byrds, later joined by
a comic kazoo and more romantic, Duane Eddy-esque guitar lines.
The piece keeps shifting and evolving via distorted, warped melodies that evoke
the naive psychedelic music of the 1960s as well as Morricone soundtracks.
Collaborations with jazz saxophonist Alfred Harth yielded
Gift Fig (2012),
The Expats (2013), that documents
a Japanese live performance of 2010
with also guitarist Kazuhisa Uchihashi and
Sam Bennett,
and
Stellenbosch (Kendra Steiner, 2015).
Stone turned decisively towards computer-manipulated world-music.
Baroo (Unseen Worlds, 2019) contains two
jovial remixes of Caribbean fanfares, Baroo and Sun Nong Dan
(the latter pulverized into a swirling blender),
but especially the ten-minute Xe May, that mixes and remixes a jazz pulsation and Arabic litanies until to evocate insane states of mind.
The double-LP Himalaya (Unseen Worlds, 2019) collects composed between 2013 and 2019, and represents the peak of his
pan-ethnic sample-based and synth-based music collages.
Some of these collages are simply delirious:
Bia Bia, built from the Foundations' song Build Me Up Buttercup,
sounds like Jon Hassell on steroids at a Brazilian dance party, followed by a hysterical gospel-soul jam.
And that's calm compared with the tribal African frenzy of Jame Jam,
that could have been inspired by the Beach Boys' Barbara Ann as well as by Pete Seeger's Wimoweh.
Kikanbou (17:15) ventures into funk-disco territory, starting with a
loop of Nile Rodgers-esque guitar that opens the way for
thick wooden African percussions that get
filtered into a syncopated beat surrounded by metallic industrial noises.
Fujiken (20:58) is a droning collage of Vietnamese field recordings.
Himalaya (13:04) is a lengthy poignant vocal improvisation by Japanese vocalist Akaihirume over tenuous organ lines, somewhere between
Joan LaBarbara
and
Bjork.
One of the best reimaginations of world-music in the digital age.
Carl Stone's plunderphonics crafted a few more of those amusing gems on
Stolen Car (2020), whose title is an anagram of his name Carl Stone:
the Indian-tinged drill'n'bass Pasjoli (with chopped vocal samples),
the chaotic carnival Huanchaco (with funk-jazz overtones),
the thundering Chinese opera Hinatei,
the garbled baroque fanfare Rinka (with Handel-ian symphonic choir),
and the energetic flute-driven folk dance The Jugged Hare, a remix of
Mitski's Strawberry Blond.
His sampling skills are on display in the most facile song,
Au Jus, which is just the stuttering, cubistic remix of a pop song,
and Bojuk pulverizes Ariana Grande.
The second half of the album has more intellectual experiments like the
eight-minute trance-y Ganci, the seven-minute propulsive
Figli and the abstract Xiomara.
They can't compete with the delirious euphoria of the shorter songs, but
the slowly unfolding eleven-minute ambient lullabye Saaris closes the album on a glorious note, a straightforward melody that rises on the ashes of
minimalist and psychedelic music.
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(Translation by/ Tradotto da Damiano Langone)
Carl
Stone nasce nel 1953 a Los Angeles e studia composizione al California
Institute of the Arts con Morton Subotnick e James Tenney, per poi stabilirsi a
San Francisco. Pur attivo nei campi della musica elettro-acustica e della
computer music, Stone coltiva lungo tutto il suo percorso artistico un profondo
interesse nei confronti della musica classica, sia occidentale che dell'estremo
oriente. Sukothai (1977) preannuncia
quello che poi sarà il tema a lui più caro: la manipolazione magnetica di un
rondò di Henry Purcell spinto fino alla sua completa trasfigurazione in un
labirinto di specchi (in pratica, centinaia di variazioni fuori sincrono che si
accavallano una sull'altra).
Il
primo album, Woo Lae Oak (1981 -
Wizard, 1983), è una sinfonia di musica concreta lunga 54 minuti, percorsa da una
febbrile pulsazione minimalista che fornisce la base ad acuti bordoni (prima
mutanti in vibrazioni simil-vocali e poi in riverberi flauteschi), con
interventi sul tremolo di una corda strofinata e sul suono di una bottiglia
usata come strumento a fiato.
Di
questa fase, altre tre composizioni risultano di particolare interesse: Kuk Il Kwan (1981), 29 minuti di un
terrificante concerto per bordoni e suoni trovati; Mae Yao (1984), che in 23 minuti distrugge un brano gamelan fino a
renderlo un fremente ammasso di bordoni, prima di lasciare posto a una angelica
voce femminile intonante un inno cosmico; e Shibucho
(1984), 19 minuti, una delle sue prime divagazioni (e remix) in ambito
world-music.
I
paesaggi sonori di Four Pieces (EAM,
1989) sono realizzati usando campionamenti di musica classica ed elettronica:
in pratica, l'interazione tra un computer della Apple, un campionatore Prophet
2002 e un sintetizzatore Yamaha TX 816. Shing
Kee (1986), 15 minuti, mette insieme il suono di un respiro, un richiamo
pieno di desiderio e ritmi industrial metronimici, ma a metà strada vira verso
un canto religioso per voce femminile i cui echi, prima di essere portati via
da un organo siderale, si muovono a onde sotto le antiche volte di una chiesa. Wall Me Do (1987) è musica minimalista
piuttosto banale, mentre Sonali
(1988), 17 minuti, usa le ripetizioni minimaliste per mettere in piedi un
balletto cubista su una semplice melodia dalle tinte caraibiche (che evoca la
Penguin Cafe Orchestra), per poi esibirsi in un esilarante finale operistico
degno dei fratelli Marx. Hop Ken
(1989) è una serie di variazioni digitali sui Quadri di un'esposizione di Mussorgsky.
Il
triplo LP Electronic Music From The
Seventies And Eighties (Unseen Worlds, 2016) raccoglie composizioni degli
anni '70 e '80: Lim (1974),
levitazione di bordoni abrasivi di scarso interesse; Chao Praya (1973), altra prova minore; Sukothai (1977); i 29 minuti di Unthaitled
(1978), che suona come il remix del brano precedente; Kuk Il Kwan (1981); i 21 minuti di Dong Il Jang (1982), esempio abbastanza scontato di minimalismo
vocale; Shibucho (1984); e Shing Kee (1986).
Altre
composizioni dello stesso periodo includono: Thonburi (1989), She Gol Jib
(1991), per flauto giapponese ed elettronica, Rezukuja (1991), per percussioni ed elettronica, e Recurring Cosmos (1991), per video ed
elettronica.
Il
collage di Kamiya Bar (1992),
presente su Kamiya Bar (New Tone,
1995), si basa sui suoni della città di Tokyo.
Mom's (New
Albion, 1992) contiene una ripresa di Shing
Kee, così come la languida oscillazione di Banteay Srey (1991), per tastiere e voce, e Chao Nue (1990), 18 minuti di montaggi world-music che scivola in
un misterioso mondo di bordoni sibilanti e ribollenti frammenti melodici.
Over-Ring-Under (EMI,
1992) è la colonna sonora di un videogame.
Monogatari-Amino
Argot
(Trigram, 1994) documenta la collaborazione a distanza con Otomo Yoshihide.
Electronic Music
From The Eighties And Nineties (Unseen Worlds, 2018) contiene Sonali, Woo Lae Oak, Banteay Srey
e Mae Yao.
La
sinfonia-collage Nyala, su Em:t 1196 (Em:t, 1996 - Time, 1996),
composta in origine per un balletto, consta di quattro movimenti: il primo, caratterizzato
da bordoni ambient; il secondo, dalle percussioni; il terzo, dalle liquide
atmosfere jazz-psichedeliche; e l'ultimo, realizzato con un montaggio cangiante
di campioni e angosciosi loop.
Exusiai
(Newtone, 1999) e Nak Won (Sonore,
2002) contengono caotiche poesie elettroniche registrate dal vivo.
Pict.soul
(Cycling '74, 2001) testimonia la collaborazione a distanza con Tetsu Inoue.
Su
Resonator (Kunishima, 2002), doppio
album condiviso con Nagaya Kazuya, Carl Stone presenta una composizione di 56 minuti
intitolata Sapp.
Al-Noor (In
Tone Music, 2007) contiene Al Noor (criptica
quanto evocativa composizione di 11 minuti per coro femminile a cappella), Flint's (folle remix di 9 minuti e mezzo
del successo pop-dance Barbie Girl
degli Aqua), Jitlada (banale beat con
canto arabo in loop per 10 minuti), ma soprattutto L'Os A Moelle, versione postmoderna del rock anni '60. Il brano è
una surreale miscela di elementi compositi: le stridenti chitarre alla Byrds, un
riff che echeggia Gloria dei Them, un
kazoo usato con spirito irriverente, romantici fraseggi di chitarra alla maniera
di Duane Eddy, e nei suoi 24 minuti di durata la musica subisce continue mutazioni,
passando attraverso melodie distorte e complicate che riportano alla mente la
musica psichedelica più ingenua degli anni '60 così come le colonne sonore di
Ennio Morricone.
La
collaborazione con il sassofonista jazz Alfred Harth frutta gli album Gift Fig (Kendra Steiner, 2012), The Expats (Kendra Steiner, 2013), che
documenta una esibizione live del 2010 al fianco di Kazuhisa Uchihashi e Sam
Bennett, e infine Stellenbosch
(Kendra Steiner, 2015).
Carl
Stone si rivolge con decisione alla world-music manipolata al computer con Baroo (Unseen Worlds, 2019), contenente
due gioviali remix di fanfare caraibiche, Baroo
e Sun Nong Dan (l'ultima delle quali decostruita
fino allo sminuzzamento più spinto), e soprattutto Xe May, dieci minuti di impasto sonoro (tra pulsazioni jazz e
litanie arabe) che puntano a suggerire folli stati della mente.
Il
doppio album Himalaya (Unseen
Worlds, 2019) raccoglie lavori composti fra il 2013 e il 2019 e rappresenta
l'apice dei suoi collage musicali basati tanto sull'uso del synth quanto su quello
dei sample. Alcuni di questi collage sono puri deliri: Bia Bia (costruita a partire da Build
Me Up Buttercup dei Foundation), prima sembra un Jon Hassell dopato a una
festa brasiliana, poi una scomposta jam di gospel-soul; mentre Jame Jam è un pezzo di tribalismo
africano ancora più agitato che sembra aver tratto ispirazione da Barbara Ann dei Beach Boys e da Wimoweh di Pete Seeger. Kikanbou (oltre 17 minuti) si avventura
nei territori del funk e della disco partendo da un riff di chitarra alla Nile
Rodgers, prima di lasciare spazio a un ritmo sincopato di dense percussioni
africane filtrate e poi immerse in un paesaggio di rumori industrial. Fujiken (quasi 21 minuti) è un montaggio
di registrazioni sul campo effettuate in Vietnam. Himalaya (13 minuti) è una lunga e toccante improvvisazione vocale
del cantante giapponese Akaihirume su tenui linee d'organo, a metà strada tra
Joan LaBarbara e Bjork. L'album si distingue come una delle migliori riformulazioni
della world-music in epoca digitale.
Sull'album
Stolen Car (Unseen Worlds, 2020) -
il titolo è l'anagramma del proprio nome - Carl Stone confeziona altre gemme con
il suo metodo basato sull'appropriazione: Pasjoli
(drill'n'bass indianeggiante con sample vocali), Huanchaco (caotico brano carnevalesco dalle suggestioni funk-jazz),
Hinatei (roboante opera cinese), Rinka (la distorta fanfara barocca con
coro sinfonico alla Händel), The Jugged
Hare (l'energica danza folk guidata dal suono del flauto) e Strawberry Blond (remix dell'omonimo
brano di Mitski). La disinvoltura tecnica con cui Carl Stone utilizza i sample
si apprezza meglio nei brani meno complessi, ossia Au Jus (il remix cubista di una canzone pop) e Bojuk (nel quale tritura la musica di Ariana Grande). La seconda
metà dell'album è quella in cui si presentano con maggior frequenza gli
esperimenti più concettuali, come la quasi trance di Ganci, o le propulsioni di Figli,
o l'astrattismo di Xiomara. Non può
competere con la delirante euforia delle tracce più brevi, ma Saaris (11 minuti) sviluppa senza fretta
una semplice melodia che nasce dalle ceneri della musica minimalista e
psichedelica, una ninnananna ambient che dona all'album un finale di notevole
bellezza.
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