Taj Mahal Travellers

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Live Stockholm July 1971, 7/10
July 15 1972 , 8.5/10
August 1974 , 7/10

Takehisa Kosugi was a hippie become avantgarde composer. Born in Tokyo in 1938, and graduated in 1962 at the Tokyo University of Arts, Kosugi founded the Japanese equivalent of the Fluxus movement, called "Group Ongaku", a group devoted to improvisation and multi-media performances. In 1969 he formed the Taj Mahal Travellers, a psychedelic-rock group that played lengthy improvised jams that can be summarized in three principles: a Far-Eastern approach to music as a living organism, an intense electronic processing of instruments and voices, a semi-mathematical overlapping of frequencies. Basically: LaMonte Young on acid. Kosugi mainly played electric violin. The band acquired free-jazz improviser Seiji Nagai, Yukio Tsuchiya on tuba and vibraphone, Ryo Koike on santoor (a hammered dulcimer) and on a horizontal double-bass, Michihiro Kimura, who had begun as designer of LP sleeves and started playing percussion and "singing", and Tokio Hasegawa, another improvised singer, all of them much younger than him. Kosugi was on the road with this group between 1971 and 1972, traveling in a Volkswagen minibus from Holland to the Taj Mahal itself. Two albums were made out of that experience: Taj-Mahal Travellers (Sony, 1972), also known as July 15 1972 (reissued in 2002 by Drone Syndicate) and performed by a seven-unit line-up, and Taj Mahal Travellers (Denon, 1983), also known as August 1974 (reissued in 1998 by P-Vine), four tracks over two LPs performed by eight players, plus one side (two tracks) of the legendary double-LP bootleg Live At Oz (Oz, 1973 - OZ Days, 2001), which also includes live performances by obscure Japanese musicians Acid Seven, Minami Masato and Hadaka no Rallizes.

Thirty years later the double-LP Live Stockholm July 1971 (Drone Syndicate, 2001), containing a two-hour long jam, also resurfaced from the vault. It features the original sextet of Takehisa Kosugi, Seiji Nagai, Ryo Koike, Michihiro Kimura, Tokio Hasegawa and Yukio Tsuchiya. The first piece (58 minutes long) opens in a ghostly atmosphere, with gloomy electronic drones and vocals that imitate ravens. Drones of different kinds join the flow, notably a set of cavernous vocals. Vocals and percussion mimic Hindu ceremonies. The violin disrupts it with its vehement, hysterical loops until the music implodes in a black hole of distortions, and the coda is a flow of random noises. It all feels a bit amateurish and a bit too improvised. The second performance (almost 60 minutes) begins humbly, with sparse austere sounds that recall Stockhausen's electronic music rather than psychedelic rock. Voices join the amorphous body, again in Stockhausen-esque manner, and the insane murmur matches the cryptic zoo of dissonance. The vocals come to rule the music with increasingly powerful drones, and all the instruments follow suit. The effect is similar to watching and extremely slow-motion rendition of a song. While still somewhat unfocused and immature, this second part redeems the flaws of the first one. It ranks as one of the most extreme experiments in vocal music of the time.

July 15 1972 contains three pieces. The 25-minute juggernaut of 1 begins with interstellar radio signals and a sweet drone. The drone mutates slowly into a hypnotic cloud of harmonica and tuba moans. The cloud begins to whirl and rumble, becoming more and more ominous. But soon the trumpet reveals an undercurrent of dejected, agonizing laments, like a desperate Miles Davis howling at the Moon. This turns into an abstract duet of trumpet and electronics, with counterpoint of harmonica. Percussion noises increase amid chirping sounds and stormy electronic winds. Finally, at the last minute, the vocals (Tokio Hasegawa) appear, but they are just wordless shamanic invocations, lost in front of ocean waves. The eleven-minute 2 begins with the same invocation, now rising over dense a cacophony with vibraphone tinklings in the background, at times feeling like a slow-motion remix of Robert Wyatt's Rock Bottom. The instruments seem to lose their energy and fade away, with the exception of the santoor, and eventually the vocals stop too, and only sparse harsh santoor notes remain. The 13-minute 3 opens with violin and trumpet moving in opposite directions: the violin exaggerate the mystical emphasis while the trumpet drifts in angelic peace. The LaMonte Young-ian vocals enter the fray, hyper-stoned, carving a middle path between the two instruments, flying into infinite space, and towering over the duel between the two primal forces. When the music seems to have died, the piece ends with torrential drumming.

The four sides of August 1974, each about 20-minute long (the length that fit on an LP side), present the Travellers at their most sophisticated. The first jam is a concert of cosmic hisses that ebb and flow, distortions that scour the abysses of the psyche, sinister wailing and rattling that create a metaphysical suspense. At first, it straddles the line between Pink Floyd's Astronomy Domine and Klaus Schulze's Irrlicht, but then it becomes more and more abstract, recalling Sun Ra's extraterrestrial jazz-rock. Percussions are used sparingly. Violin, harmonica, bass, tuba, trumpet, synthesizer, mandolin duet in a subliminal and obscure manner. There is no melody, there is no logic. Just "voices", both subhuman and supernatural, that resonate with a universal inner voice. The second jam is a cacophonous gathering of timbres and gamelan-like tinkling, over which Tibetan chanting and droning intone a demented psalm. Halfway into the piece, the band seems to lose interest in playing, so the rest of the track is a rarified wind of tenuous sounds. The third track continues this silent journey into the unknown, with odd percussive patterns and random dissonance. As the chaos increases and exuberant voices join in, the bacchanal turns into a surreal pow-wow dance.
The last jam continues the program of eerie noises and unlikely counterpoint in an atmosphere that is both dreamy and austere. We are transported to a floating zen garden, traveling on a flying saucer. A wavering harp-like melody invites to meditation, and, for a while, the spiritual mood prevails. Then the percussions break the spell, introducing the usual element of indeterminacy and heresy, and the trip ends, one more time, in the resonating depths of distant galaxies.

Kosugi later became a classical composer, in particular composing scores for the Merce Cunningham Dance Company and presenting sound installations at a number of international art festivals. His early solo works, Improvisation (Iskra, 1975), Catch-Wave (Sony, 1975 - Showboat, 2002 - World Psychedelia, 2008) for electronically-processed violin, both considered among his masterpieces (and not too different from Tangerine Dream's contemporary works), and Distant Voices (Columbia, 1976), were in the vein of the jazz improvisations of the time (Anthony Braxton, Derek Bailey, etc).

His style became to approach the classical avantgarde with Violin Solo 1980 N.Y.C (P-Vine), released only 20 years later, New Sense of Hearing (ALM, 1980), Perspective (Flowerdogs, 1981), Kosugi (Bellows, 1981), En Ban (Fukyosha, 1983).

Melodien (Kunstverein, 1986), Global Village Suite (FMP, 1988), Violin Improvisations (Lovely, 1990), Music for Merce Cunningham (Mode, 1991), Echo (Apollo, 1992) are his mature works.

Improvisation Sep 1975 (Iskra) documents a session of drone improvisations by Toshi Ichiyanagi (Yoko Ono's former husband), the Taj Mahal Travellers' founder Takehisa Kosugi and Stockhausen's percussionist Michael Ranta.

Seiji Nagai released avantgarde albums, notably Electronic Noise Improvisation (1999) and Emergent Improvisation (2015) with Koji Kawai. Tokio Hasegawa became the curator of an Indian museum in Japan.

(Translation by/ Tradotto da Luca Dolciotti)

Takehisa Kosugi era un hippie che in seguito è diventato un compositore d'avanguardia. Nato a Tokyo nel 1938 e laureatosi nel 1962 alla Tokyo University of Arts, Kosugi fondò l'equivalente giapponese del movimento Fluxus, il "Group Ongaku", un gruppo dedito alle improvvisazioni e a performance multimediali. Nel 1969 formò i Taj Mahal Travellers, un gruppo di rock psichedelico che suonava lunghe jam improvvisate che possono essere sintetizzate in tre princìpi: un approccio "orientale" alla musica trattata come un organismo vivente; un'intensa manipolazione elettronica delle voci e degli strumenti; una sovrapposizione semi-matematica delle frequenze. In poche parole: LaMonte Young sotto acidi. Kosugi suonava principalmente il violino elettrico. La band acquisì l'improvvisatore free-jazz Seiji Nagai, Yukio Tsuchiya alla tuba e al vibrafono, Ryo Koike al santoor (un dulcimer mediorientale) e al contrabbasso, Michihiro Kimura, che inizialmente era designer delle confezioni degli LP ma che poi iniziò a suonare le percussioni e a "cantare", e Tokio Hasegawa, un altro cantante improvvisato, tutti molto più giovani del leader. Kosugi fu in tour con questo gruppo tra il 1971 e il 1972, viaggiando su un minubus Volkswagen dall'Olanda fino al Taj Mahal stesso. Durante quest'esperienza vennero registrati due album: July 15, 1972 (Sony, 1972 - Ristampato nel 2002 dalla Drone Syndicate), suonato da una line-up di sette elementi, e August 1974 (Denon, 1983 - Ristampato nel 1998 dalla P-Vine), contenente quattro tracce divise in due LP suonate da una formazione di otto elementi, più un lato (due tracce) del doppio bootleg Live At Oz (Oz, 1973 - Oz Days, 2001), il quale include inoltre performance live degli oscuri musicisti giapponesi Acid Seven, Minami Masato e Les Rallizes Dénudés.

Trent'anni dopo riemerse anche il doppio LP Live Stockholm July, 1971 (Drone Syndicate, 2001), contenente una lunga jam di due ore. L'album presenta l'originale sestetto formato da Takehisa Kosugi, Seiji Nagai, Ryo Koike, Michihiro Kimura, Tokio Hasegawa e Yukio Tsuchiya. Il primo pezzo (58 minuti) si apre con un'atmosfera spettrale, con oscuri droni elettronici e voci che imitano i corvi. Differenti tipi di droni si uniscono al flusso, tra cui, in particolare, una serie di voci cavernose. Il canto e le percussioni imitano le cerimonie Hindu. Il violino le perturba con i suoi intensi ed isterici loop fino a quando la musica non implode in un buco nero fatto di distorsioni, e la coda è un flusso di rumori casuali. Il tutto sembra un po' amatoriale e un po' troppo improvvisato. La seconda performance (quasi 60 minuti) inizia in modo più sommesso, con suoni austeri sparsi che richiamano la musica elettronica di Stockhausen più che il rock psichedelico. Le voci si uniscono al corpo informe, ancora in modo Stockhausen-iano, e l'insano brusio si combina con il criptico zoo di dissonanze. Il canto irrompe per guidare la musica con droni sempre più potenti, e tutti gli strumenti fanno lo stesso. L'effetto è simile alla visione di una esecuzione al rallentatore di una canzone. Nonostante sia ancora un po' immatura, questa seconda parte redime le pecche e i difetti della prima. È uno degli esperimenti vocali più estremi del tempo.

July 15, 1972 contiene tre pezzi. Il juggernaut di 25 minuti di Between 6:20 and 6:46 PM inizia con segnali radio interstellari e un dolce drone. Il drone muta lentamente in una nube ipnotica fatta di gemiti di armonica e tuba. La nube inizia a vorticare e a rimbombare, diventando sempre più minacciosa. Ma presto la tromba rivela un sottofondo di lamenti depressi ed agonizzanti, che ricordano un Miles Davis disperato che ulula alla luna. Questo si trasforma in un astratto duetto tra la tromba e l'elettronica, con il contrappunto dell'armonica. I rumori delle percussioni aumentano tra suoni cinguettanti e tempestosi fiati elettronici. Finalmente, durante l'ultimo minuto, la voce (Tokio Hasegawa) fa la sua apparizione, ma consiste solo in invocazioni sciamaniche senza significato, perse nelle onde dell'oceano. Gli undici minuti di Between 7:03 and 7:15 PM iniziano con la stessa invocazione, ora crescente sopra una densa cacofonia con il vibrafono che tintinna in sottofondo, e talvolta sembrano un remix in slow motion di Rock Bottom. Gli strumenti sembrano perdere la loro energia e si dissolvono, con l'eccezione del santoor, e alla fine anche la voce svanisce, lasciando solo alcune note sparse e stridenti di santoor. I tredici minuti di Between 7:50 and 8:05 PM si aprono con il violino e la tromba che si muovono in direzioni opposte: il violino esaspera l'enfasi mistica mentre la tromba vaga in angelica pace. Il canto LaMonte Young-iano si unisce alla mischia, strafatta, scavando una via di mezzo tra i due strumenti, volando nello spazio infinito, e svettando sul duello tra le due forze primarie. Quando la musica sembra essere cessata, il pezzo termina con un drumming torrenziale.

I quattro lati di August 1974, ognuno dei quali lungo circa 20 minuti (la durata massima di un lato di un LP), presentano i Travellers più sofisticati. La prima jam è un concerto di sibilìi cosmici che fluiscono e defluiscono, di distorsioni che setacciano gli abissi della psiche, di sinistri lamenti e tintinnii che creano una suspense metafisica. All'inizio, il pezzo si trova a cavallo della linea tra Astronomy Domine dei Pink Floyd ed Irrlicht di Klaus Schulze, ma poi diventa sempre più astratto, richiamando il jazz-rock extraterrestre di Sun Ra. Le percussioni vengono utilizzate con moderazione. Il violino, l'armonica, il basso, la tuba, la tromba, il sintetizzatore e il mandolino duettano in maniera sinistra e subliminale. Non c'è melodia logica, ma ci sono solo voci, subumane e soprannaturali, che risuonano con una voce interiore universale. La seconda jam è un cacofonico gruppo di timbri e tintinnii che ricordano il gamelan, sul quale un canto tibetano e i droni intonano un folle salmo. A circa metà del pezzo, la band sembra perdere interesse nel suonare, e di conseguenza il resto della traccia è un vento rarefatto di suoni tenui. La terza traccia continua questo viaggio silenzioso nell'ignoto, con bizzarri modelli percussivi e dissonanze casuali. Con l'aumentare del caos e l'entrata in scena di esuberanti parti vocali, il baccanale si trasforma in una surreale danza pow-wow.

La quarta e ultima jam porta avanti il programma di suoni angosciosi e contrappunti improbabili, in un'atmosfera che è allo stesso tempo sia sognante che austera. Siamo trasportati in un fluttuante giardino zen, viaggiando su un piattino volante. Una tremolante melodia che ricorda un'arpa invita alla meditazione, e, per un po', il mood spirituale prevale. Poi le percussioni rompono l'incantesimo, introducendo il consueto elemento di indeterminazione ed eresia, e il viaggio termina, ancora una volta, nelle risonanti profondità di galassie distanti.


Kosugi in seguito divenne un compositore classico, e in particolare compose colonne sonore per la Merce Cunningham Dance Company e presentò installazioni sonore in un certo numero di festival d'arte internazionali. I suoi primi lavori solisti, Improvisation (Iskra, 1975), Catch-Wave (Sony, 1975 - Showboat, 2002 - World Psychedelia, 2008) per violino processato elettronicamente, entrambi considerati tra i suoi capolavori (e non troppo differenti dai lavori contemporanei dei Tangerine Dream), e Distant Voices (Columbia, 1976), erano sulla scia delle improvvisazioni jazz dell'epoca (Anthony Braxton, Derek Bailey, ecc.).

Il suo stile approcciò l'avanguardia classica con Violin Solo 1980 N.Y.C (P-Vine), pubblicato solo vent'anni dopo,  Sense of Hearing (ALM, 1980), Perspective (Flowerdogs, 1981), Kosugi (Bellows, 1981) ed En Ban (Fukyosha, 1983).

Melodien (Kunstverein, 1986), Global Village Suite (FMP, 1988), Violin Improvisations (Lovely, 1990), Music for Merce Cunningham (Mode, 1991), Echo (Apollo, 1992) sono i suoi lavori della maturità.

Improvisation Sep 1975 (Iskra) documenta una sessione di improvvisazioni drone suonate da Toshi Ichiyanagi (il primo marito di Yoko Ono), Takehisa Kosugi, fondatore dei Taj Mahal Travellers, e Michael Ranta, percussionista di Stockhausen.

Seiji Nagai ha rilasciato album d'avanguardia, tra cui Electronic Noise Improvisation (1999) e Emergent Improvisation (2015) con Koji Kawai.

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