Nick Cave

(Copyright © 1999-2011 Piero Scaruffi | Terms of use )
From Her To Eternity, 8.5/10
The Firstborn Is Dead, 8/10
Kicking Against The Pricks, 5/10
Your Funeral My Trial, 7/10
Tender Prey, 7.5/10
Good Son, 9/10
Henry's Dream, 7/10
Let Love In, 6/10
Murder Ballads, 6.5/10
Boatman's Call, 6.5/10
No More Shall We Part, 6/10
Nocturama, 6/10
Abattoir Blues (2004), 6/10
The Lyre of Orpheus (2004), 5/10
Grinderman (2007), 7/10
Dig Lazarus Dig (2008), 6/10
White Lunar (2009), 5/10
Grinderman 2 (2010), 6/10
Push The Sky Away (2013), 5/10
Skeleton Tree (2016), 6/10
Ghosteen (2019), 5/10
Carnage (2021), 5.5/10


The most important voice of the 1990s was probably Nick Cave, the Australian expatriat (ex-Birthday Party) who created a unique style of emphatic, metaphysical storytelling. From Her To Eternity (1984), featuring the Bad Seeds (Einsturzende Neubaten's guitarist Blixa Bargeld, Magazine's bassist Barry Adamson and Birthday Party's guitarist Mick Harvey on drums), revealed Cave as a preacher of the moral apocalypse. Over the course of several psychodramas, Cave agonized undertook an expressionistic odyssey in a nightmarish atmosphere which was sustained by a subtle texture of sounds at the edge of dissonance. Cave's paranoid crooning or hysteric whining soared towards the negative absolute in the middle of grotesque orgies of hammering instruments or propelled by funeral marches. The Firstborn Is Dead (1985) perfected Cave's harrowing narrative art while emphasizing the bluesy and gothic overtones. His "murder ballads" wrapped in increasingly dark symbolism, Cave proceeded to carve a metaphysical hell within the real hell of the human world. His morbid fantasies ideally bridged a werewolf's call of the wild to Verdi's requiem. Compared with so much tension, the meditations of Your Funeral My Trial (1986) sounded like light fare. Harvey switched to keyboards for Tender Prey (1988) and helped sculpt a more powerful sound. That sound (truly a voice of the apocalypse) propelled Cave's aesthetics of universal sorrow to the spiritual frenzy of Good Son (1990). Its hymns (which drew from spiritual and gospel) were still lugubrious, spectral and demonic, but at the same time drenched in visionary folly and rescued by a sense of redemption and salvation. Parallel to his Christian conversion and his relocation to Brazil, it sounded like Cave had reached a cathartic point: his inner ghosts were mutating into guardian angels, and his music was transformed from a soundtrack of hell to an anthem of the universal judgement. This breath-taking synthesis of Jim Morrison, Tom Waits and Bob Dylan, of William Blake, Walt Whitman and William Faulkner, was a mixed blessing: Cave indulged in his verbose noir stories on Henry's Dream (1992), and ended up repeating himself on Let Love In (1994). The twelve gruesome allegorical Murder Ballads (1996), the love odes of Boatman's Call (1997) and the piano-based elegies of No More Shall We Part (2001) still showed glimpses of his deranged and quixotic genius, but Cave had little to add to his personal Bible.

If English is your first language and you could translate my old Italian text, please contact me.
Scroll down for recent reviews in English.
Translated from my original text by Eufemia Campagna:

During the course of twenty years Nick cave established himself as one of the most outstanding voices of rock music. His songs are filled with ancient curses and overflow with universal tragedy. All of his music is pervasive with the sense of an imminent apocalypse, but at the same time it is liberated by an almost illuminating faith in a supernatural entity. Blues and country are exalted to hights worthy of classical music. Nick Cave came to the forefront as the rebel singer of one of the most radical groups of Australian punk rock: Birthday Party. Leaving them, Nick Cave put together a group called Bad Seeds with the German Blixa Bargeld of the Einsturzende Neubaten on guitar, the English Barry Adamson of Magazine on base and the faithful Mick Harvey on drums. Following the moral and musical itinerary of the last Birthday Party recordings, From Her to Eternity (Mute, 1984) reveals Cave as a preacher of the moral apocalypse. Nicholas Edward Cave was born in Warracknabeal, Australia on 22/09/1957, son of a librarian and an English teacher, third to two older brothers and to a younger sister. He was raised an Anglican.

He attended Caulfield Grammar School, Melbourne, where he met Mick Harvey, with whom he founded a high-school band, and to the Art School of Monash University.
The first recording by Nick's and Mick's band, now renamed The Boys Next Door was the single These Boots Are Made For Walking in 1978, soon followed by the album Door Door the next year. The band also included Tracy Pew, Phillip Calvert and (on the album) Rowland Howard. The Boys Next Door mutated into The Birthday Party in 1980 for the eponymous album and moved from Australia to London.
In England they released Prayers on Fire and Junkyard. Then they moved to Berlin and fell apart in 1983. For their last EP, Mutiny, they recruited Blixa Bargeld of the Einstuerzende Neubauten. Blixa Bargeld, Mick Harvey and others to follow Nick as The Bad Seeds, recording the first Nick Cave solo albums, From Her To Eternity and The Firstborn Is Dead.
In 1986, Kicking Against The Pricks, a compilation of covers, and the double EP Your Funeral... My Trial were released, while the band was disintegrating.
In 1988, Nick Cave starred in Wim Wender's film "Der Himmel Ueber Berlin" ("Wings of Desire") and released the album Tender Prey.
In 1989 Nick Cave published his novel "And The Ass Saw The Angel", based on his song Tupelo., and co-scripted the film "Ghosts... of the Civil Dead".
Then he moved from Berlin to Sao Paolo, Brazil, where he met Viviane Carneiro, from whom he will have a son, Luke, born in 1991. Kid Congo Powers is featured on The Good Son, which was released in 1990 and followed in 1992 by Henry's Dream
For the worldwide tour the line-up was Thomas Wydler, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Martyn Casey and Conway Savage. The tour was recorded was their official live CD Live Seeds, also containing photographs from the 1992/3 tour.
During the spring of 1993, Nick Cave moved to London, where part of Let Love In was recorded. After separating from Viviane, Nick had an affair with PJ Harvey.
Murder Ballads, released in 1996, featured duets with P.J. Harvey and Kylie Minogue.
The Boatman's Call, released in 1997, featured new Bad Seeds members Warren Ellis (of Dirty Three) and Jim Sclavunos, and was followed by European and Australian tours. A tour of the USA started September 1998, the first time Nick Cave had visited the USA in 7 years. Mick Harvey compiled The Best of Nick Cave and the Bad Seeds. Nick Cave contributed an essay on the Gospel according to St Mark to a new edition of the Bible (Canongate Press).

Con una serie impressionante di opere intense e commoventi, Nick Cave si e` affermato nell'arco di vent'anni come una delle voci piu` alte della musica contemporanea. Le sue canzoni sono cariche di maledizioni ataviche e traboccano di tragedie universali. Tutta la sua musica e` pervasa dal senso di apocalisse imminente, ma al tempo stesso e` redenta da una fede quasi allucinata in un'entita` soprannaturale. Il blues e il country si sublimano a vertici degni della musica classica.

Nick Cave era venuto alla ribalta come il cantante ribelle di una delle formazioni piu` radicali del punk-rock Australiano: i Birthday Party. Sciolti quelli, Nick Cave allesti` una formazione chiamata Bad Seeds con il tedesco Blixa Bargeld degli Einsturzende Neubaten alla chitarra, l'inglese Barry Adamson dei Magazine al basso e il fido Mick Harvey alla batteria. Proseguendo l'itinerario morale e musicale degli ultimi dischi dei Birthday Party, From Her To Eternity (Mute, 1984) rivela Cave un predicatore dell'apocalisse morale.
Nell'arco dei brani del disco, il suo rantolo percorre una specie di odissea espressionista in un'atmosfera da incubo creata da un accorto dosaggio di sonorita` al limite della dissonanza. Il manifesto del nuovo corso e` l'eponimo grottesco psicodramma, laddove un crooning paranoico incrocia l'assoluto negativo in un tribalismo martellante di piano e grancassa. Cave si autoidentifica in miti del passato e procede a sacrileghe devastazioni di miti letterari (Saint Huck sulla figura di Huckleberry Finn, convulsa recita fra rintocchi funebri di piano, ritmi di lamiera e fischiettii). Intona foschi e blasfemi canti di pirati al limite del gospel piu' spettrale e isterico (Well Of Misery). Si crogiola in funk rocamboleschi che rimbalzano su cadenze al TNT (Cabin Fever). Cesella lied sinistri che esasperano le fiabe disperate di cantautori maledetti come John Cale (A Box For Black Paul per cantar recitando, piano da cocktail lounge e riverberi di chitarra blues- psichedelica in lontananza). Le cadenze incalzanti di questi brani rimandano ancora a rituali occulti, ma ora quelle cadenze sono frammentate e spezzate da una nevrosi piu` acuta. Cave (tossicodipendente) canta come una bestia in gabbia, producendo deliqui di una depressione maniacale che si situano a meta` fra l'invettiva punk, l'ultimo spasimo di un moribondo e l'urlo di uno psicopatico.

Il processo di regressione verso la forma canzone, gia` iniziato negli ultimi dischi dei Birthday Party, giunge a compimento. Cave si dimostra anzi maestro di essenzialita`. I generi di riferimento vengono sgretolati negli accordi e nelle battute strettamente necessari. Ne deriva un senso di desolazione e di disfacimento, di solitudine e in ultima analisi di morte. E` un'opera oppressa piu` che mai dai tetri climi di un'overdose fatale. Cave vi si afferma come uno dei massimi cantanti moderni di blues e il piu` magico sciamano dai tempi di Jim Morrison.

The Firstborn Is Dead (Homestead, 1985), secondo album dei Bad Seeds, e` il disco che meglio rappresenta la vena gotica di Cave, accentuando i toni blues dei gemiti di Cave e ambientandoli in un'America mitica di desperado e miseria che e` un incrocio fra la Frontiera e la Depressione. I testi hanno preso i modi della biografia immaginaria: da un evento autentico di qualche vita famosa Cave ricava parabole di un fervore allucinato.
Maestro del turpe e del thriller, Cave li miscela in modo esplosivo nelle sue tipiche ballate omicide ("murder ballads"): nella spettrale Say Goodbye To The Little Girl Tree un satiro lussurioso si suicida per sopprimere il desiderio di una bambina. Un ululato licantropo e un ritmo ferroviario lanciano Train Long-suffering in un gospel viscerale, con il tipico schema call-and- response che si autoalimenta e cresce in modo esasperato. Un altro gospel con coro e` Black Crow King, nello stile lugubre che si addice al bieco messia (il quale, in un eccesso di mitomania, innalza qui un solenne "gloria" a se stesso). Il piu` sofferto e interiore dei suoi blues e` Knocking On Joe, un lamento dimesso in cui un carcerato proclama di essere stato reso dalle molte sofferenze invulnerabile al dolore. Ma l'apice lo tocca forse nel commosso requiem di Blind Lemon Jefferson, nella quale la sua mente malata rivive gli ultimi minuti di vita del grande bluesman cieco: un ralenti sonoro in cui tutto pare arrestarsi e svanire.
Tupelo fonde le cupe fantasie di un forsennato talking-blues della giungla, la sinistra marzialita` di un tribalismo pseudo-rockabilly, la mitologia arcaica dei Vangeli, e il gemito arcano della psiche di questo poeta osceno, apostata e criminale (il cui "Re dei cieli", nato a Tupelo, e` ovviamente Presley, trasfigurazione rock di Gesu'). Il suo milieu preferito e` quello di un'America di serie B, e cio` si riflette nelle musiche, che riciclano suoni "cheap" del passato.

Cave rispolvera l'arsenale semiotico dei bluesman, dalla ballata ferroviaria a quella carceraria, dalla Bibbia al vernacolare, e a tutto assegna un'enfasi mitologica. In tal modo conferisce al blues lo status lirico e metafisico, se non anche profetico, che un altro grande visionario, William Blake, conferi` ai sermoni protestanti.

La fase di transizione e` costellata di dischi metaforici. Kicking Against The Pricks (Homestead, 1986), una raccolta di classici dagli anni '20 stravolti da un arrangiamento estremamente degradato, e` il suo omaggio alle proprie radici musicali. Il doppio EP Your Funeral My Trial (Homestead, 1986) esalta la sua metafisica biblico/decadente e il suo ego visionario/maledetto ritornando alla forma della ballata narrativa ma in uno stile piu` sereno: Sad Waters potrebbe essere una delle serenate folkrock del Blonde On Blonde di Dylan con Kooper all'organo; la ballata alla Tom Waits di Your Funeral affonda in un patetismo glaciale degno di Brassens; il raga Jacks Shadow indulge nelle sue tipiche cadenze tribali, ma per librarsi in un crooning epico. Anche Hard On For Love, che si crogiola in una colossale ossessione di demonismo osceno al ritmo febbrile dei Suicide, e` un voodoobilly sempre piu` "voodoo" e meno "billy". Sono arrangiati in modo addirittura comico il valzer horror di Carny, che ha l'incedere marziale di un balletto "zappiano" fatto suonare a un'orchestra di androidi, e She Fell Away, che si scatena in un crescendo cosacco degno dei Camper, come se Cave, giunto al punto terminale della sua Odissea, si facesse la parodia da solo.

Cave passa l'anno successivo a disintossicarsi dall'eroina e a completare il primo libro di narrativa. Intanto la formazione dei Bad Seeds muta, con la dipartita di Adamson e l'arrivo di Kid Congo Powers, e con la crescita artistica di Harvey, che diventa chitarrista e tastierista.

Tender Prey (Mute, 1988) e` un disco arrangiato in maniera ancor piu` professionale da Harvey con una presenza maggiore di tastiere (lui) e chitarra (Congo Powers). Dal canto suo Nick Cave accentua il proprio anelito intensamente religioso. Cave e` fondamentalmente un predicatore folle, la cui disperazione purgatoriale si confonde con un paganesimo country/blues tutto Eros e Male. Sul disco aleggiano ancora tetre cantilene alla Robert Johnson con coro di pirati, cadenze ubriache e testi apocalittici alla Blake (Up Jumped The Devil), lugubri tribalismi da notte delle valpurghe con le inflessioni piu' demoniache dai tempi di Crowley (City Of Refuge, Sugar Sugar Sugar), ballate scheletriche da night club alla Waits (Watching Alice), ma anche uno spiritual accorato nel quale il tribalismo fa da sottofondo ad armonica e piano intensamente religiosi (Mercy), una mesta ballata simbolica alla Cohen (Sunday's Slave), un languido inno da fondamentalista invasato (New Morning) e composizioni piu` serene, che stravolgono l'austero programma di un tempo (il ritornello, l'organetto e la cadenza da surf di Deanna). Mercy Seat, il culmine del rosario, e` una filatrocca gospel accelerata in un crescendo vertiginoso secondo i modi nevrastenici dei Suicide.

Il Nick Cave rinato cristiano, non piu` martire del nichilismo adolescenziale, anela a un cabaret d'autore alla Tom Waits, ma senza il genio enciclopedico del maestro di Los Angeles, e verso una ballata della redenzione alla Cohen, ma senza il genio lirico del canadese. Il pantheon dei suoi eroi e` composto da cadaveri illustri (Jefferson, Presley, Dylan), ma che appartengono a un passato difficile da riconciliare con il presente. Cave si trasforma da inquietante sciamano a visionario revisionista, e, non a caso, da shouter di rhythm and blues a baritono di country o gospel.
Cave rimane comunque uno dei pochi musicisti ad aver compreso la qualita` drammaturgica (Box, Blind Lemon Jefferson, Your Funeral) e la qualita` ritualistica (From Her, Saint Huck, Tupelo, Train Long Suffering, Jacks Shadow, Hard On, Mercy Seat) del blues, e ad averle enfatizzate fino a farne due idiomi astratti e complementari della stessa poetica del dolore universale. Le atmosfere disperate dei suoi salmi esistenziali amalgamano gli universi morali del punk e del folk, risolvendo quell'apparente contraddizione nel modo piu` doloroso. Emulo dei maestri del gotico sudista (Faulkner, O'Connor), Cave e` anche uno dei pochi musicisti rock a scrivere liriche che valga la pena di leggere.

La naturale progressione verso un sound sempre piu` corposo e altisonante raggiunge un picco con Good Son (Elektra, 1990), disco arrangiato in maniera quasi sinfonica. Lo circondano i fidi Bargeld, Powers e Harvey. Il disco sancisce soprattutto la conquista di uno stile classico, che prescinde ormai dai generi a cui si appoggia e che riesce a comunicare in maniera universale al di la` del significato letterale dei testi.
Le note solenni di Foi Na Cruz librano uno dei suoi inni piu` accorati sullo strimpellio delicato delle chitarre, sugli struggenti accordi dell'organo e sulle note solenni del pianoforte, un gospel di redenzione degno dei monaci missionari. Il coro accompagna Cave nel ritornello e i violini lanciano il gran finale. E` uno dei momenti piu` commoventi della sua carriera.
Good Son attacca con un coro spiritual a cappella, ma presto chitarra e batteria impongono un ritmo stordente e Cave comincia a snocciolare la sua parabola in un registro furente. Il racconto alterna crescendo angosciati dalle sonorita` tempestose a lamenti sconsolati e carezze di violini. Sono sei minuti di puro delirio, ma anche di accorato dolore. Ormai genuflesso, piegato su se stesso, il predicatore intona Sorrow's Child, preghiera funerea di disperata desolazione che sembra protendersi con una melodia lenta e maestosa verso il regno dei cieli.
Cave trova la forza di inoltrarsi con la stessa cadenza tragica in cupe atmosfere ancestrali, pregne di quel senso opprimente di sinistro mistero che e` sempre stata la sua arma migliore. I brani sfilano cosi` come altrettanti cerimoniali oscuri, culminanti in Weeping Song, il cui scarno accompagnamento e` quasi interamente affidato a una cadenza voodoo.
Cave scaraventa tutta la rabbia e la voglia di rivincita che gli pesano sull'animo nel gospel travolgente di Witness Song, propulso da un poderoso rullo d'organo, da un battito di mani e da un coro di bassi. Nel semplice schema di questa canzone Cave sfodera tutta la classe istrionica della sua arte di recitazione.
Cave e` infatti innanzitutto un grande autore-regista-attore di testi drammaturgici, con un'attenzione maniacale allo spazio scenico. In cio` e` ben coadiuvato dai comprimari: Bargeld e Powers inventano con pochi, calcolatissimi, tocchi l'atmosfera noir di Hammer Song, prima che l'orchestra la soffochi in echi esotici degni di "Casablanca".
Infine ci sono le melodie, che per molti versi sono le protagoniste di questo disco. Cave ha maturato una classicita` armonica che riesce a bilanciare compostezza e fervore. Le melodie piu` toccanti sbocciano con naturalezza dal suo modo di portare la canzone. La melodia cresce fiera e marziale in Ship Song, lasciando intravedere la visione che anima il cantante; e nel mezzo di Lament si libra una delle melodie piu` romantiche della sua carriera, degna degli artigiani di Broadway. Anche questo melodismo antiquato, che fa il paio con il non meno antiquato gospel, contribuisce ad alimentare quel senso di tragedia universale, di bisogno di catarsi, di un giudizio universale che e` tanto impellente quanto imminente.

L'impeto ritmico di quel disco, e il modo in cui il ritmo trasmette il suo Calvario personale, sono praticamente irripetibili, e infatti Henry's Dream (Elektra, 1992) non ci prova neppure. Benche' il disco rimugini gli stessi temi, Cave si accontenta di sceneggiare i suoi accorati gospel in atmosfere da film noir. La sua arte drammatica e` all'apice, praticamente infallibile nell'intessere atmosfere di tensione, di puro thriller, e nello scaricare quella tensione in lunghe prediche scosse dal suo potente baritono. I Bad Seeds, dal canto loro, sono talmente affiatati, composti e precisi da sembrare piu` un ensemble da camera che un complesso rock. Mick Harvey alla chitarra ritmica (co-autore di molti arrangiamenti), Blixa Bargeld alla prima chitarra, Conway Savage al pianoforte, Martin Casey al basso e Thomas Wydler alla batteria costituiscono il cast d'eccezione di questa sacra rappresentazione.
La musica e` peraltro semplicissima, lineare come mai. In Papa Won't Leave You, Henry un calcolato effetto di sezione d'archi in nervoso crescendo lancia la batteria e il coro in uno dei loro gospel travolgenti, mentre la voce si contorce in urla e gemiti per esprimere appieno l'angoscia della storia, e il ritmo (battuto da tutti gli strumenti) incalza sempre piu` forte. I Had A Dream, Joe si apre con un coro che canta il ritornello principale in tono funereo, poi Cave si scatena isterico e furibondo nella sua profetica arringa ed e` praticamente soltanto la sua foga che tiene in vita la canzone. Come sempre, la sua grandezza sta soprattutto nel saper far esplodere queste semplici canzoni: la preghiera sottovoce di Brother, My Cup Is Empty diventa un altro travolgente urlo di disperazione, che si deforma finanche in toni demoniaci.
Altrettanto importante per la riuscita delle canzoni e` la dinamica. When I First Came To Town comincia come una ballata country, ma presto diventa una sinfonia tenebrosa. E da quel sound cupo e lussureggiante prende il via John Finn's Wife, che, cantata con meno foga, potrebbe essere una colonna sonora di Hollywood, con tanto di romanza per pianoforte e melodia "francese". Christina The Astonishing esibisce addirittura un pathos e un melodismo da song rinascimentale. In un altro dei suoi momenti piu` ispirati Cave intona nel registro piu` epico la serenata di Straight To You, il cui "jingle jangle" chitarristico e il cui organo atmosferico sembrano uscire dritti da Blonde On Blonde.
Sempre funereo, anche nei momenti piu` agitati, Cave compie i suoi atti di contrizione con l'aria del peccatore recidivo. Anima in pena oltre ogni pena, annaspa nella certezza che la redenzione non sara` mai alla sua portata, eroico e patetico, perso per sempre nei meandri della sua lucidissima follia, con il cuore che sanguina un misto di dolore e di odio. Se musicalmente rimane fondamentalmente un ibrido di Jim Morrison, Leonard Cohen e Warren Zevon, come individuo sembra sempre piu` impersonare un incrocio fra il Faustus medievale e un qualsiasi predicatore ciarlatano della Frontiera.
Henry's Dream tende a indulgere nell'enfasi e nella retorica in una maniera verbosa che gli si ritorce contro, attenuando o neutralizzando del tutto l'impatto emotivo del suo canto.
La sua ossessione per il profondo Sud degli States, per le storie di passione e di morte del blues e del country, infervora tutta la sua arte. E in qualche modo quella paranoia sembra radicata in una forma di immedesimazione (al tempo stesso elegantemente postmoderna e cupamente morbosa) con l'agiografia di Elvis Presley, riveduta nel modo piu` smaccatamente romantico, da telenovela. L'esistenza del "re" diventa una parabola di vita e morte che trascende la realta` biografica per inabissarsi in un paradossale delirio teologico, come se fosse parte del Vecchio Testamento, e un pretesto per cui, in qualche contorto modo, il subconscio di Cave rivive la propria stessa autobiografia, come se fosse avvenuta all'inferno.

La stessa qualita` allegorica, la stessa iconografia biblica, la stessa allucinata ambientazione, lo stesso orrore/desiderio per la violenza permeano anche il romanzo "And The Ass Saw The Angel", un horror/thriller tutto sommato fallito, afflitto dai peggiori eccessi dei romanzi di Jim Thompson e dei film di George Romero, e utile soltanto per comprendere meglio la sua inquietante psiche (Mick Harvey e Ed Clayton-Jones musicheranno alcuni passaggi recitati da Cave su un album omonimo che raccoglie anche la colonna sonora di uno spettacolo teatrale tratto dal romanzo).

Storyteller senza eguali, Cave va raffinando un'arte costruita sulle qualita` drammaturgiche del gospel, una volta che lo si spogli dell'apparato rituale. Questi ultimi dischi, ossessionati dal tema della criminalita`, tracciano un'instancabile parabola (o Calvario) verso una musica della redenzione.

Nel frattempo Cave ha lasciato Berlino e ha preso residenza a Sao Paolo.

La forza del canzoniere cortese di Let Love In (Elektra, 1994) e` anche la sua debolezza: Cave e` fin troppo "narratore". Cave si autorappresenta in una serie di pannelli traumatizzanti. A forza di parlare di se stesso per via di allegorie e metafore, Cave finisce pero` per dimenticarsi di stare registrando un disco di musica. E` in atto una lenta metamorfosi, a causa della quale Cave sta perdendo il controllo sui suoi mezzi espressivi.
Gli accompagnamenti hanno qualcosa di antiquato, come il carillon del pianoforte e in generale l'atmosfera da film noir di Do You Love Me (uno degli apici) o l'organetto da cinema muto di Red Right Hand; ma la sua verve da predicatore e il suo crooning d'oltretomba sono sempre in primo piano nell'ennesimo gospel apocalittico, I Let Love In, e nel trascinante countryrock di Thirsty Dog, che e` un po' la confessione maggiore di quest'opera. Loverman, Jangling Jack e Ain't Gonna Rain Anymore coronano il suo album piu` romantico.
Cave, celebre per la compostezza che riesce a conservare nei momenti di dolore piu` acuto, si concede qualche scatto isterico, che giunge quasi come un conforto, una conferma di umanita`: Loverman, saggio supremo delle sue capacita` di recitazione sopra le righe, e Jangling Jack, intrisa di cattiveria "luciferina". Quest'uomo, abituato a passeggiare rilassato sul ciglio di un burrone, tradisce finalmente qualche brivido di paura. Forse anche perche', abbandonato il ruolo di voce fuoricampo, in questo disco Cave e` il protagonista delle storie che canta.

Le dodici allegoriche Murder Ballads (Reprise, 1996) accentuano fino al grottesco le tinte malate del suo teatro. Il gotico e l'espressionismo si stemperano in un romanticismo a volte troppo scoperto, come se l'uomo, invecchiando, si commuovesse un po' troppo facilmente. Laddove il pacato fatalismo di Good Son costruiva emozione da poche note appese a una scarna parabola, adesso Cave indulge a gni pie' sospinto in tutti i trucchi del mestiere. Forse la sua sofferta arte di guitto degli inferi e di profeta dei bassifondi e` diventata routine di corte.
Gli "sfondi" finiscono per diventare protagonisti. D'altronde un complesso composto da Mick Harvey (chitarra), Blixa Bargeld (chitarra), Jim Sclavunos (batteria) e Conway Savage (piano) ha pochi rivali al mondo. La Song Of Joy e` tutto fuorche' quello: Cave racconta la sua storia su un sottofondo piuttosto libero di accordi opprimenti, di pianismi inquietanti, di minimalismi claustrofobici. Lovely Creature incalza a ritmo ferroviario sostenuto da solenni figure di piano incrociate, rullo frenetico di batteria, controcanto di filastrocca infantile. O'Malley's Bar (quattordici minuti) accentua la sua verbosita`, che non e` necessariamente una dote, e forse tenta di scavare nelle piaghe della sua crocifissione morale il capolavoro assoluto che va cercando da anni.
Il piglio tragico, sinistro e malefico che meglio gli si addice si riaffaccia soltanto in Stagger Lee, ma fra le righe si leggono i passi marziali del cabaret di Weill. Non stupisce pertanto ascoltare Cave canticchiare come una soubrette nel "can can" di The Curse Of Millhaven.
Un valzerone struggente alla Leonard Cohen costituisce l'impalcatura di Where The Wild Roses Grow, un duetto con Kylie Minogue che si sviluppa al ritmo funereo di un'orchestra d'archi e di campane a morto, e costituisce l'apice romantico del disco.
Un'opera di transizione, che non aggiunge molto al suo repertorio e si fa ascoltare con insolita facilita`.

Il Cave senile di Boatman's Call (Reprise, 1997), immerso fino alla paranoia nei suoi cliche`, determinato a compiere fino in fondo la sua parabola di autocommiserazione, ha un suo fascino. Musicalmente, non aggiungera` piu` una nota al suo repertorio maggiore, ma fra cento anni ci sara` ancora chi piangera` ascoltando le patetiche romanze della sua tarda eta`. Questa volta neppure la bravura del complesso di accompagnamento (per la verita`, quasi sempre in secondo piano rispetto al suo pianoforte) basta a salvarlo dal naufragio: il disco e` un'esagerazione quasi autoparodistica di tutta la sua carriera. Ha il suo fascino, ma e` lo stesso fascino dell'Holderlin impazzito nella torre.
Altrettanto senile e` l'incessante ritorno a temi religiosi, come se la morte fosse a due passi e Cave fosse consumato dal terrore della perdizione. Into My Arms e There Is A Kingdom sono cosi` degne di un predicatore televisivo.
Il tema centrale e` l'amore, cosi` come la morte costituiva il perno del disco precedente; ma e` un amore che causa infinito dolore se tutte le canzoni assomigliano a un pianto dirotto. La sequenza delle canzoni e` una discesa progressiva verso un sound sempre piu` spoglio e intimo, passando per gli accorati lamenti di Black Hair e Far From Me per giungere al salmo quasi muto di Green Eyes. L'ombra di Leonard Cohen si stende su queste canzoni cortesi.
Al tempo stesso, o perche' si faccia sentire la sua influenza, o perche' l'ispirazione lo porti in quella direzione, si avvertono sempre piu` richiami alla musica di Dylan. Lo stesso intreccio fatalista di morte e amore fu una delle colonne portanti della metafisica dylaniana. Su People Ain't No Good sembra di ascoltare proprio il Dylan del Blonde On Blonde, soltanto un po' piu` tetro.
E` certamente l'album piu` solenne della sua carriera, e forse anche il piu` serio, e forse anche il piu` personale. Ma e` forse anche il meno musicale. E` difficile intuire dove questo umore possa portare il musicista piu` letterato della musica rock: come dice il titolo di uno di questi "pianti", Where Do We Go Now But Nowhere?

Se gli ultimi dischi sono stati alquanto inferiori a quelli precedenti, e in particolare l'ultimo denota segni di stanchezza, o perlomeno una tendenza a "raccontare" (e a raccontare storie sempre piu` forbite) piuttosto che a fare musica, l'anima tormentata di Cave ha trovato una provvisoria pace nella musica "visiva" dei Bad Seeds, il cui stile deve moltissimo a quello di Ennio Morricone, non a caso un altro grande narratore di storie attraverso i suoni.

Distracted by several non-musical activities, Cave returned to music four years after the last studio album. No More Shall We Part (Mute, 2001) is a collection of majestic piano-based elegies that futher remove him from the bombastic and forceful style of Good Son and sail towards the sparse and delicate style of Leonard Cohen. In a sense, it is the "feminine" and charitable soul of Cave that is slowly taking over his male and devilish soul. Even the voice has changed, from the emphatic call to arms of the preacher to the gentle croon of the gigolo. The usual dose of mystery and tenderness permeates As I Sat Sadly By Her Side (sung in a decadent register that would be more appropriate to Bowie or Ferry), the sublime and agonizing God Is In The House. Especially poignant are the love ballads: No More Shall We Part (one of his purest melodies), Love Letter, Sweetheart Come, and the closing, heart-broken confession of Darker With the Day.
What is missing is Cave's voice, that terrifying, Biblical deluge of harsh tones. Also missing is the spectacular keyboards-driven sound of his classic years, replaced by a skeletal filigree of piano and guitar notes.
Paralleling his relocation from Jim Morrison's hell to Leonard Cohen's purgatory, Cave's approach to music shifted from the theatrical (haunting gothic tales like Fifteen Feet of Pure White Snow, tense dramas like The Sorrowful Wife, and gospel sermons like Oh My Lord) to the cinematic (Hallelujah, a gripping, seven-minute parable of an artist aging alone, punctuated by a mournful violin). As he reaches deeper and deeper into his soul, Cave's music is undergoing a linear transformation. No surprise that the Bad Seeds could hardly be heard. The McGarrigle Sisters and Warren Ellis provide most of the accompaniment that matters. The melodies may be more refined than the ones on Boatman's Call, and at least Darker With the Day, No More Shall We Part and God Is In The House truly hypnotize, but the execution is getting less and less impressive: songs drag on forever, every other motif is a dejavu, arrangements are predictable, the voice is a ghost of what it used to be. Cave, a master of disguise and certainly one of rock's best poets ever, can't even shock with the lyrics anymore: now his texts are mere affected mannerism, a virtuoso showing off his rare skills to a crowd of ecstatic paesants.

Distratto da diversi progetti extra-musicali, Cave torna alla musica quattro anni dopo l'ultimo album di studio. No More Shall We Part (Mute, 2001) e` una raccolta di elegie pianistiche maestose che lo allontanano ulteriormente dallo stile trascinante e reboante di Good Son e lo avvicinano allo stile semplice e delicato di Leonard Cohen. In un certo senso, e` l'anima "femminile" e caritatevole di Cave che sta prendendo il sopravvento sull'anima maschile e demoniaca. Persino la voce sta cambiando, dall'enfatico richiamo alle armi del predicatore al crooning gentile del gigolo. Mistero e tenerezza avvolgono As I Sat Sadly By Her Side (cantate in un registro decadente che forse sarebbe piu` appropriato a Bowie o Ferry) e soprattutto le ballate amorose No More Shall We Part, Love Letter, Sweetheart Come.
Riflettendo il suo trasloco dall'inferno di Jim Morrison al purgatorio di Leonard Cohen, l'approccio di Cave alla musica sta mutando da teatrale (racconti gotici come Fifteen Feet of Pure White Snow, agonie tuonanti come The Sorrowful Wife, e sermoni gospel come Oh My Lord) a cinematico (Hallelujah, un'attanagliante parabola di sette minuti su un artista che invecchia solo, con tanto di violino a lutto, e Darker With the Day). Man mano che si spinge piu` a fondo nel proprio animo, la musica di Cave compie una trasformazione lineare. Non sorprende che i Bad Seeds si sentano appena. Le McGarrigle Sisters e Warren Ellis forniscono gran parte dell'accompagnamento che conta.
Una parola sui testi: sappiamo che Cave e` un maestro del travestimento, e certamente uno dei migliori poeti rock di sempre. Ma i suoi testi una volta erano anche personali e cio` aggiungeva pathos al pathos. Ora i suoi testi sono semplice manierismo, un virtuoso che dimostra la sua abilita` alla folla del paese.
Still obsessed with the existential phantoms that have haunted all his career, Nick Cave finally managed to give them a poignant, terrifying face on Nocturama (Mute, 2003). Cave's albums had become a habit, and sometimes a vice. Their somber philosophical parables had become as predictable as an earthquake in California. Cave must have decided to get his fans' attention again by unleashing an unusual fury. Despite the low-key and apparently friendly approach of most songs (and the classic-sounding piano accompaniment), particularly of the lengthy elegiac Wonderful Life (the closest he ever sounded to Bob Dylan), of the tenderly pastoral She Passed By My Window, and of the hopelessly romantic He Wants You, the album is a postcard from hell. The songs that leave behind the routine of gothic/epic, funereal/grand music reveal Cave as the man of passion that he has always been: the ghastly atmosphere of Dead Man in My Bed, a "murder ballad" on boogie speed, and the 15-minute Babe I'm on Fire, which is a Latin-tinged epileptic version of Neil Young and the Crazy Horse's madman jams. Nick Cave's piano, Blixa Bargeld's steel guitar, and Warren Ellis's violin work wonders on the arrangements. The highlights are so impressive that one can forgive Cave the infectious power-pop of Bring It On, the waltzing singalong of Rock of Gibraltar, the almost easy-listening shuffle of Right Out Of Your Head, and the other self-indulgent songs of the album. Classic Cave is no longer an attraction (rather a tedious repetition) but occasionally he reveals glimpses of a different Cave who, at this point in his life and career, could be much more interesting. (Translation by/ Tradotto da Paolo Latini)

Sempre piu' ossessionato dai fantasmi esistenziali che lo hanno perseguitato per tutta la sua carriera, Nick Cave finalmente riesce a dar loro un drammatico e terrificante volto su Nocturama (Mute, 2003). Gli album di Cave sono diventati un'usanza, e a volte un vizio. Le loro fosche parabole filosofiche sono diventate preconizzabili quanto un terremoto in California. Cave deve aver deciso di riguadagnarsi l'attenzione dei suoi estimatori sguinzagliando la sua furia inusuale. Al di la' dell'approccio trattenuto e apparentemente amichevole di molti dei nuovi brani, in particolare l'elegiaica Wonderful Life, la romantica He Wants You e la pastorale Right Out Of Your Head, l'album e' una vera e propria cartolina dall'inferno. Le tracce che giacciono dietro la routine gothic/epic, funereal/grand music rivelano il lato passionale che Cave ha sempre avuto: la spettrale atmosfera di Dead Man in My Bed, una "murder ballad" sulla velocita', e i 15 minuti di Babe I'm on Fire, che e' l'equivalente latino delle jams di Neil Young and the Crazy Horse (e un sostanziale seguito di O'Malley's Bar). Il pianoforte di Nick Cave, la chitarra steel di Blixa Bargeld, e il violino di Warren Ellis cesellano meraviglie sugli arrangiamenti. Le aspettative sono cosi' impressionanti che si potrebbe anche perdonare a Cave la caduta kitsch di Bring It On e le altre tracce auto-celebrative dell'album. Il Cave classico non e' piu' un'attrazione (piuttosto una tediosa ripetizione) ma occasionalmente si vedono squarci di un nuovo Cave che, giunto a questo punto della sua carriera, potrebbe essere anche un po' piu' interessante.

Abattoir Blues and The Lyre of Orpheus (Mute, 2004) contain only a fraction of the music recorded in january 2004 by Nick Cave and his Bad Seeds (with James Johnson of Gallon Drunk replacing Blixa Bargeld, and with the addition of a gospel choir). The dreary martial (but musically monotonous) Abattoir Blues ranks with the apocalyptic literature of the Australian bard, but this time it sounds more "post-apocalypse" than "intra-apocalypse": it is as if Cave were contemplating the ruins, not describing the eruption; the venom and the fury of days past replaced by somber acceptance. It's like a wise old man, after the catastrophe, telling his children "I told you so". Nonetheless, the parables are framed between two frantically ebullient deliria: Get Ready For Love, the "blackest" he has ever sounded, a soul shouter old style in a thundering barrelhouse band, and There She Goes My Beautiful World, a hyperkinetic funk machine with female gospel choir. Musically, the range of styles is broader than usual: from the funereal spiritual-reggae Fable Of The Brown Ape via the anthemic refrain embedded in rude country-rock of Let The Bells Ring to the melodic peak of Nature Boy, a sprightly catchy ditty.
The Lyre of Orpheus is, instead, a cycle of elegies that has few precedents in Cave's discography. Musically, it again spreads all over the spectrum, from the agonizing blues of The Lyre of Orpheus to the gospel-ish singalong Carry Me via the frantic Supernaturally. The two lengthy songs (the derelict Easy Money and the Neil Young-ian cry O Children with a female gospel choir) are too verbose. Meanwhile Cave keeps flirting with mainstream music: the slow-motion serenade Babe You Turn Me On, and especially the Caribbean shuffle Breathless (another melodic peak of this phase).
(Translation by/ Tradotto da Jacopo de Benedictis)

Abattoir Blues e The Lyre of Orpheus (Mute, 2004) contiene solo un frammento della musica registrata da Nick Cave e i suoi Bad Seeds (con James Johnson dei Gallon Drunk al posto di Blixa Bargeld) nel Gennaio 2004. Il cupo Abattoir Blues è in continuità con la poetica apocalittica del bardo australiano, ma stavolta suona più "post-apocalittica" che "intra-apocalittica": è come se Cave stesse contemplando le rovine, non descrivendo l’eruzione. L’astio e la furia dei giorni passati sono rimpiazzati da una lucida accettazione. E’ come un vecchio saggio che dopo la catastrofe dice ai suoi figli "Ve l’avevo detto". Tuttavia, le parabole (come There She Goes My Beautiful World) sono incastonate tra due deliri freneticamente ribollenti (Get Ready For Love, Fable Of The Brown Ape).

The Lyre of Orpheus è, invece, un ciclo di elegie che hanno pochi precedenti nella discografia di Cave (Breathless, Babe You Turn Me On, The Lyre of Orpheus, Supernaturally, O Children).

B-Sides and Rarities (Mute, 2005) is a triple-CD anthology of Cave's lesser artistic output.

Nick Cave and the Dirty Three's violinist Warren Ellis composed the soundtracks for the films The Proposition (Mute, 2005), The Assassination of Jesse James (2007), The Road (2010), The Girls of Phnom Penh, The English Surgeon as well as for theatrical productions of Woyzeck (2005) and Metamorphosis (2006). This music was later collected on the double-disc White Lunar (Mute, 2009).

Nick Cave's first major film script, The Proposition (2005), was directed by John Hillcoat.

Abandoning the piano for the electric guitar, Cave's new project Grinderman (Anti, 2007) signaled the end of an era. While the album still used the Bad seeds, the sound (not to mention the lust) harked back to the cacophonous frenzy of the Birthday Party. Cave and his cohorts release primal energy of an almost punkish intensity. Get It On is paradigmatic: tension built by a-cappella declamation, enhanced by metallic piano tones and swampy Rolling Stones-ian polyrhythm, but never released in a chorus worthy of that name. No Pussy Blues is more recitation than singing, propelled by scant accompaniment until a devastating guitar feedback suddenly erupts. The frenzied Honey Bee charges ahead with fibrillating distorted organ and panzer rhythm. Depth Charge Ethel would be a blend of rock'n'roll and doo-wop, like Bruce Springsteen fronting the Standells, if they played it straight, but both singer and band are incapable of traditional structures. The brooding When my Love Comes Down overflows with instrumental noise. And the album closes with a slab of morbid and driving garage-rock, Love Bomb.
Cave's traditional (adult?) side permeates the exotic Electric Alice, the Bob Dylan-ian Set Me Free, the elegiac Leonard Cohen-ian Man in the Moon, songs that would be major items on any of his previous albums but here almost sound out of context.
A rejuvinated bard adopted the stance of the demonic pervert and found a new mission in life.

(Translation by/ Tradotto da Tobia D’Onofrio)

B-Sides and Rarities (Mute, 2005) è un’antologia in triplo CD delle uscite meno artistiche di Cave.

Nick Cave ed il violinista dei Dirty Three, Warren Ellis, hanno composto le colonne sonore per The Proposition (Mute, 2006) e The Assassination Of Jesse James (2007).

La prima sceneggiatura importante di Nick Cave, The Proposition (2005), è stata diretta da John Hillcoat.

(Translation by/ Tradotto da Giuseppe Leone)

Abbandonando il pianoforte per la chitarra elettrica, il nuovo progetto di Nick Cave Grinderman (Anti, 2007) segna la fine di un’era. Mentre l’album si serve ancora dei Bad Seeds, il sound (per non parlare della lussuria) riprende la frenesia cacofonica dei Birthday Party.

(Translation by/ Tradotto da Tobia D’Onofrio) Cave e i suoi collaboratori liberano un energia primitiva di intensità quasi punk. Get It On è paradigmatica: la tensione è costruita su una declamazione a-cappella, incrementata da tonalità metalliche di piano ed una paludosa poliritmia Rolling Stones-iana, ma non viene mai sciolta in un ritornello degno di tale nome. No Pussy Blues, più recitazione che cantato, è spinta da un rado accompagnamento, finchè non erutta improvvisamente un devastante feedback di chitarra. La frenetica Honey Bee carica con un organo distorto in fibrillazione e ritmica panzer. Depth Charge Ethel sarebbe un miscuglio di doo-wop e rock’n’roll, come Bruce Springsteen che affronta gli Standells, se fosse suonata come si deve, ma sia il cantante che la band sono incapaci di mantenere strutture tradizionali. When My Love Comes Down incombe minacciosa stracolma di rumori strumentali. E l’album si chiude con una fetta di garage-rock morboso e trascinante, Love Bomb.

Il lato tradizionale (adulto?) di Cave permea l’esotica Electric Alice, la Dylan-iana Set Me Free, l’elegia alla Cohen Man In The Moon, canzoni che sarebbero pezzi da novanta su qualunque dei suoi lavori precedenti, ma qui suonano quasi fuori contesto.

Un bardo ringiovanito ha adottato l’atteggiamento di un diabolico pervertito e ha così trovato una nuova missione nella vita.

Dig Lazarus Dig (Mute, 2008), the second Bad Seeds album without Blixa Bargeld (and therefore dominated by Warren Ellis on violin, Mick Harvey on guitar and Jim Sclavunos on drums), weds Cave's blasphemous lyrics (surprisingly decadent, actually) to a solid musical romp. Occasionally verbose (the Lou Reed-ian chronicle of More News From Nowhere), the album peaks with the satanic and rousing Albert Goes West (very much in the Grinderman vein and even more melodic), the harrowing swamp-blues of Night of the Lotus Eaters, the emphatic and Latin-tinged Dig Lazarus Dig and Midnight Man. The band's performance is rowdy and edgy, as if Grinderman had revitalized everybody, not just Cave. The most unusual song is probably Hold On To Yourself, a relaxed summery guitar shuffle covered with digital noise. A close second is the lyrical litany Jesus of the Moon, that relies on a complex albeit subdued accompaniment.

Grinderman 2 (2010) is a swaggering, blaring and degrading vanity show. There are moments of brilliance. Mickey Mouse And The Goodbye Man provides a crunchy guitar and a boogie rhythm for a howling Nick Cave. The thundering and tense Worm Tamer conceals a catchy refrain that could be from the Merseybeat era. More dubious are the outcomes of the single Heathen Child, a pornographic vision that musically sits somewhere between cacophonous gospel and frenzied blues, and When My Baby Comes (the longest track) that grinds slowly through a swampy equatorial beat and amid violin wails before the fall into hell of the coda, which is reminiscent of the hypnotic blues ruminations of Led Zeppelin's first album. The man who has been plagiarized by legions of singers is caught plagiarizing the Rolling Stones' Sympathy for the Devil in Palaces Of Montezuma. So much is predictable about these songs that the closer, Bellringer Blues, makes news because it smothers Cave's most whipping recitation into a thick layer of shoegazing guitar and sound effects, probably the single smartest idea of this album. Obviously, this is not a highly inspired singer-songwriter but an artist stuck in a routine who mostly revisits his past career with the class of the veteran entertainer. When old people try to rock harder than young people, it's a sign of terminal aging. Even the lyrics seem to simply copy and paste old lyrics: the 1000th lascivious reference to morbid sex or the 500th blasphemous reference to the Bible are not exactly thrilling.

(Translation by/ Tradotto da Giovanni Giustini)

Grinderman 2 (2010) e’ una boriosa, fracassona, degradante esibizione di vanita’. Ci sono momenti di brillantezza. Mickey Mouse And The Goodbye Man fornisce all’ululante Nick Cave una chitarra croccante al ritmo di boogie. La roboante e tesa Worm Tamer cela un ritornello orecchiabile che potrebbe venire dall’epoca del Merseybeat. Piu’ dubbia e’ la riuscita del singolo Heathen Child, visione pornografica che musicalmente sta da qualche parte tra un gospel cacofonico e un frenetico blues, e di When My Baby Comes (il pezzo più lungo) che macina lentamente attraverso un beat equatoriale da palude tra lamenti di violini prima della caduta nell’inferno della coda, reminiscente delle ipnotiche ruminazioni blues del primo disco dei Led Zeppelin. L’uomo che è stato copiato da legioni di cantanti e’ colto copiare i Rolling Stones di Sympathy For The Devil in Palaces Of Montezuma. Queste canzoni sono cosi’ prevedibili che la conclusiva Bellringer Blues fa notizia perche’ soffoca la sferzante recitazione di Cave con uno spesso strato di chitarre shoegaze ed effetti sonori, probabilmente l’idea piu’ felice dell’album. Ovviamente, non si tratta di un cantautore parecchio ispirato, ma di un artista impantanato in una routine che per lo piu’ rivisita la sua carriera passata con la classe del veterano intrattenitore. Quando i vecchi provano a fare casino piu’ dei giovani, e’ segno di invecchiamento terminale. Anche i testi sembrano semplicemente copiare e incollare dal passato: la millesima allusione lasciva al sesso morboso o il cinquecentesimo riferimento blasfemo alla Bibbia non sono esattamente esaltanti.

Push The Sky Away (2013) was the first Bad Seeds album without Mick Harvey (replaced by George Vjestica), and one of the weakest, despite the seven-minute litany Higgs Boson Blues, halfway between Bruce Springsteen and Lou Reed, and despite Jubilee Street, which is basically its less attractive sister. The mellow ballad We No Who U R and the ghostly We Real Cool don't do justice to Cave. The electronic ambience of the album does little to modernize his music.

Cave's 15-year-old son died during the recording of Skeleton Tree (Bad Seed, 2016) and the album sounds almost like a requiem to his son. It is certainly better than its predecessor, but about half of it is still disposable. The Bad Seeds provide little more than a subdued accompaniment: Warren Ellis, Martyn Casey (bass), Thomas Wydler (drums), Jim Sclavunos (percussion, vibraphone, tubular bells), and George Vjestica (guitar). Cave is the master atmosphere sculptor and he can still pull out the skeletal, funereal and apocalyptic Jesus Alone and especially Magneto, a song in which the music seems to die in an atmosphere that is beyond ghostly, not quite macabre but certainly death-evoking. But the obsessively sedate tone of Rings Of Saturn and similar anemic songs doesn't elevate his streams of consciousness to art. The band wakes up in Anthrocene, but it's too little and too late, and even a bit amateurish. There are weak echoes of the old demonic Cave in Girl In Amber, which ends up sounding like a somnolent version of Patti Smith, and the lively (by these standards) Skeleton Tree intones an organ-driven Pink Floyd-ian hymn that towards the end morphs into a children's singalong, which makes it the rare dynamic song at his point in his career. The melodic peak is a shivering cry over a massive electronic drone: I Need You (one of the few tracks here that is actually a song, not just a recitation). The emotional peak is the tender Distant Sky, thanks to the gentle female vocals (Danish opera singer Else Torp) that seem to embrace the entire universe. His faint voice belongs to an old tradition of introverted singer-songwriters to adopt the crawling pace of a dying man, a tradition that stretches back to Leonard Cohen; and it could be that Cave is indirectly reinventing Nick Drake for the generation that never even heard that name. The prophet of doom and gloom has been humbled by the universe.

(Translation by/ Tradotto da Rubens Mond)

Push The Sky Away (2013) fu il secondo album dei Bad Seeds senza Mick Harvey (sostituito da George Vjestica), ed uno dei peggiori, nonostante la litania di sette minuti Higgs Boson Blues, una via di mezzo tra Bruce Springsteen e Lou Reed, e nonostante Jubilee Street, che ne è praricamente la sorella meno avvenente. La pacata ballata We No Who U R e la funebre We Real Cool non fanno giustizia a Cave. L'atmosfera elettronica dell'album fa ben poco per modernizzare la sua musica.

Il figlio quindicenne di Cave morì durante la registrazione di Skeleton Tree (Bad Seed, 2016) e l'album suona quasi come un requiem a suo figlio. È certamente migliore del suo predecessore, ma circa la metà si potrebbe ancora eliminare. I Bad Seed provvedono poco più che a un sommesso accompagnamento: Warren Ellis, Martyn Casey (basso), Thomas Wydler (batteria), Jim Sclavunos (percussioni, vibrafono, campane tubolari), and George Vjestica (chitarra). Cave è un maestro nella costruzionene dell'atmosfera e può ancora tirare fuori la scheletrica, funerea e apocalittica Jesus Alone e soprattutto Magneto, canzone nella quale la musica sembra morire in un'atmosfera che è oltre lo spettrale, non ancora macabra ma certamente evocatrice di morte. Ma il tono ossessivamente pacato di Ring Of Saturn e di simili canzoni anemiche non eleva il suo flusso di coscenza ad arte. La band si risvegla in Anthrocene, ma è troppo poco e troppo tardi, e addirittura in maniera leggermente dilettantesca. Ci sono deboli eco del vecchio Cave demoniaco in Girl In Amber, che finisce per suonare come una sonnolenta versone di Patty Smith, e la vivace (per i suoi standards) Skeleton Tree intona un inno con una progressione d'organo Pink Floyd-iana che verso la fine si trasforma in un coro di voci bianche, che la rende una rara canzone dinamica a questo punto della sua carriera. Il picco melodico è un grido tremolante su un enorme drone elettronico: I Need You (una delle poche tracce qui che è in veramente una canzone, non solo una recitazione). Il picco emotivo è la tenera Distant Sky, grazie al dolce accompagnamento femminile (della cantante operistica danese Else Torp) che sembra abbracciare l'intero universo. La sua debole voce appartiene alla vecchia tradizione, elaborata dai cantautori introversi, di adottare il ritmo strisciante di un uomo morente, una tradizione che risale a Leonard Cohen; e potrebbe essere che Cave stia reinventando indirettamente Nick Drake per la generazione che non ha mai neppure sentito quel nome. Il profeta del destino e della tenebra è stato umiliato dall'universo.

Lovely Creatures (2017) is a career retrospective.

Conway Savage died in 2018.

In 2019, asked what the voice of God sounds like, Cave replied: "Perhaps, God would have the combined voice of all the untold billions of collected souls, an assembly of the departed speaking as one -- without rancour, domination or division, a great, many-layered calling forth that rings from the heavens in the small, determined voice of a child, maybe; sexless, pure and uncomplicated -- that says 'Look for me. I am here.'"

The electronic double-disc Ghosteen (2019), the 17th album or so with the Bad Seeds, recorded after his son's death but mostly written before it, is really a collaboration with Dirty Three's violinist Warren Ellis. If you are interested in the lyrics, the songs may be mildly interesting, but otherwise the music is buried in Ellis' mostly electronic arrangements The other Bad Seeds can barely be heard at all. We know that Thomas Wylder's drummer and Martyn Casey's bass are there only because they are listed in the liner notes. Jim Sclavunos' percussion is reduced to an input to Ellis' computer program. Spinning Song, a tedious spoken-word tribute of sorts to Elvis Presley, and Night Raid, another half-spoken piece simply constitute an Ellis exercise in digital soundsculpting Sun Forest, yet another half-spoken track, begins as a new-age instrumental, and it's a relief when at the end it intones a sad singalong in a falsetto register that doesn't sound like Nick Cave at all (why not invert the sequence?) In the twelve-minute Ghosteen Cave's vocals are largely disposable (and non-existent for the first five minutes before a brief magniloquent choral crescendo): this is a Warren Ellis symphonic poem.
It is hard to salvage any song. Bright Horses blends a transcendent wail, dejected choir and solemn piano. Cave croons the old-fashioned pop aria of Waiting For You over slow piano notes. The album's standout is Ghosteen Speaks, the one song that boasts a poignant melody, that keeps the electronics at arm's length, and achieves the intensity of a requiem (or of a Buddhist mantra, or of a plantation song) in a truly "ghostly" atmosphere worthy of Leonard Cohen, even though the choir is a bit corny. Cave's recitation is truly affecting also in the fourteen-minute Hollywood that retells the the Buddhist legend of Kisa Gotami, although the real protagonist is the suspense-filled dialogue between the percussion and the keyboards.
This album is, in general, sedate to the point of being lethargic. Cave without the demonic charge of Witness is not much of a singer, and the Bad Seeds are merely the ghost of the original lineup. The excessive electronic arrangements even make Cave's grief sound insincere. Eventually, even the lyrics begin to sound irrelevant: "It's a long way to find peace of mind, and I'm just waiting now for my time to come". Yawn.

Nick Cave and multi-instrumentalist Warren Ellis became prolific composers of film soundtracks: Lawless (2012), West Of Memphis (2014), Loin Des Hommes (2015), Hell Or High Water (2016), Mars (2017), Wind River album (2017), War Machine (2017), Kings (2018), etc. They also recorded the weak Carnage (Goliath, 2021) in a slightly more menacing mood and with a lot more variety than Ghosteen. White Elephant begins with the recitation of a surrealist poem and then turns into a singalong, the same strategy used by Donovan for Atlantis about 50 years earlier. The pulsating and orchestral Hand of God belongs to his major canon, but arias like Albuquerque belong to the tradition of Broadway showtunes A fatalistic sense of loneliness and loss emanates from Balcony Man, but Carnage sounds like an excerpt from one of his film soundtracks. There are echoes of sacre baroque music in the elegy Lavender Fields. and the nightmarish dissonance of Old Time is highly effective for the first few minutes. But that's too little to salvage the album. And his lyrics are becoming too often either repetitive or facile.

In 2022 Nick Cave's 30-year-old son Jethro (a drug-addict with a history of violence) died.

(Translation by/ Tradotto da Francesco Romano Spanò )

Lovely Creatures (2017) è una retrospettiva della sua carriera.

Conway Savage è morto nel 2018.

Nel 2019, alla domanda: "Che suono potrebbe avere la voce di Dio?", Cave rispose: "Forse, la voce di Dio avrebbe il suono di tutta l'infinita miriade delle anime dei defunti che cantano in coro - senza rancore, dominazione o divisione; un'unica grande eco che dai Cieli risuona nella vocina, tenue e definita, di un bambino, forse; asessuato, puro e semplice ("non complicato"), che dice: "Guardami, sono qui.")

Il doppio elettronico Ghosteen (2019), il diciassettesimo album o giù di lì con i Bad Seeds, registrato dopo la morte di suo figlio ma in gran parte scritto prima, in verità è una collaborazione con il violinista dei Dirty Three Warren Ellis. Se sei interessato ai testi, le canzoni potrebbero anche essere interessanti, ma altrimenti la musica è seppellita sotto gli arrangiamenti per lo più elettronici di Ellis. Gli altri Bad Seeds si sentono a malapena. Sappiamo che alla batteria c'è Thomas Wylder e al basso Martyn Casey solo perché compaiono nei crediti. Le percussioni di Jim Sclavunos sono ridotte ad un mero input del programma al computer di Ellis.  Spinning Song, un noioso tributo parlato di sorta ad Elvis Presley, e Night Raid, un altro pezzo semi-parlato, semplicemente sono degli esercizi di scultura sonora digitale di Ellis. Sun Forest, di nuovo una traccia mezza parlata, comincia come uno strumentale new-age, ed è un sollievo quando alla fine Cave intona un triste coretto in un registro in falsetto in cui non sembra nemmeno lui (perché non invertire la sequenza?) Nei dodici minuti di Ghosteen avremmo potuto fare tranquillamente a meno della voce di Cave (che non esiste per i primi cinque minuti prima di un magniloquente crescendo corale): questo è un poema sinfonico di Warren Ellis.

È difficile salvare qualche canzone: Bright Horses unisce un lamento trascendentale, coro sconsolato e piano solenne. Cave canta in crooning l'aria pop vecchio stile di Waiting For You su lente note di pianoforte. Il fuoriclasse dell'album è Ghosteen Speaks, l'unica canzone che vanta una toccante melodia, che tiene l'elettronica a portata di mano, e raggiunge l'intensità di un requiem (o di un mantra buddista, o di un canto da piantagione) in un'atmosfera davvero "spettrale" degna di un Leonard Cohen, anche se il coro è un po' banale. Anche in Hollywood la recitazione di Cave (che rinarra la storia della leggenda buddista di Kisa Gotami) è davvero commovente, anche se il vero protagonista qui è il dialogo ricco di suspence tra le percussioni e le tastiere.

Quest'album, in generale, è sedato al punto di essere letargico. Cave senza la carica demonica di Witness non è un granché come cantante, ed i Bad Seed sono solo l'ombra di quello che erano. Gli arrangiamenti elettronici eccessivi fanno sembrare il dolore di Cave anche poco sincero. Ed eventualmente, i testi stanno cominciando ad essere irrilevanti: "It's a long way to find peace of mind, and I'm just waiting now for my time to come". ("La strada per trovare un po' di pace è ancora lunga, e sto solo aspettando che arrivi la mia ora".  Sbadiglio.

Nick Cave ed il poli-strumentista Warren Ellis diventarono prolifici compositori di colonne sonore: Lawless (2012), West Of Memphis (2014), Loin Des Hommes (2015), Hell Or High Water (2016), Mars (2017), Wind River album (2017), War Machine (2017), Kings (2018), e così via. Registrarono anche il debole Carnage (Goliath, 2021) in un tono più minaccioso di Ghosteen e con molta più varietà. White Elephant inizia con la recitazione di un poema surrealista e poi si trasforma in un coretto, la stessa strategia che usò Donovan 50 anni prima per Atlantis. La pulsante ed orchestrale Hand of God appartiene al suo canone maggiore, ma arie come Albuquerque appartengono alla tradizione delle canzoni dei musical di Broadway. Balcony Man emana un senso fatalista di solitudine e perdita, ma Carnage sembra un estratto delle sue colonne sonore. Ci sono eco di musica sacra barocca nell'elegia Lavender Fields, e l'inquietante dissonanza di Old Time fa molto effetto per i primi minuti. Ma è troppo poco per salvare l'album. Ed i testi stanno diventando troppo spesso semplici e ripetitivi.

What is unique about this music database