Jenny Hval

She also published the novel "Perlebryggeriet" (2009).

If those first albums were mainly meant as a display for her virtuoso melismatic vocals, Viscera (Rune Grammofon, 2011), arranged with Havard Volden (guitars and psaltery) and Kyrre Laastad (percussion and keyboards), upped the ante dramatically. After the etheral Engines In The City, the album delivers seven mid-length meditations/confessions a` la Jane Siberry. This time the music is a calculated surgical factor: a suspenseful, harrowing soundscape for the theatrical recitation of Blood Flight, delicate strumming for the ecstantic convent-like chanting of How Gentle, an almost psychedelic tide embraces the dejected, languid lament of Golden Locks, eerie background noise transpires from the silence of the whispered a-cappella eight-minute soliloquy This Is A Thirst. It is not only atmosphere: the childish narration of Portrait Of The Young Girl As An Artist uses a monotonous clockwork rhythm that suddenly soars into a grunge-y riff (and its coda disappears in a vortex of cosmic noise); echoes of ancient Irish elegies transpire beneath the calm surface of Milk Of Marrow, and the haunting Black Morning/ Viscera harks back to even older traditions.

Hval also sang on Nude on Sand (Sofa, 2012).

The arrangements on Innocence Is Kinky (Rune Grammofon, 2013) are a bit too sophisticated, pushing the feathery Innocence Is Kinky into soul-jazz ballad territory before it explodes into garage-rock hysteria. The textures of many songs are thinner and sparser than ever. Nonetheless, the effect can be mesmerizing, angelically introverted in Mephisto In The Water, tensely hypnotic in Amphibious Androgynous, almost raga-psychedelic in The Seer, and cosmically abstract in Oslo Oedipus. And there is room for "rocking" moments like the uptempo I Called, disfigured by a distorted synth, and the careening I Got No Strings, a display of her melismatic style. Unfortunately, Hval indulges in theatrical declamation (Renee Falconetti Of Orleans, Is There Anything On Me That Doesn't Speak?) that is not adequately supported by the music. The songs are short, having abandoned both the elaborate soundscapes and the repetitive structures of Viscera.

Meshes of Voice (SusannaSonata, 2014) documents a 2009 collaboration with fellow Norwegian singer/songwriter Susanna Wallumrod, ostensibly inspired by Maya Deren's surrealist film "Meshes Of The Afternoon" (1943). The duets are slow and austere, sparsely arranged with piano, guitar and electronics. Alas, not many of the duets stand out: the ethereal Running Down over sparse electronic noises that seem to evoke the decomposition of flesh, the folk-ish lullaby A Mirror In My Mouth, and the lively cabaret-ish Medusa. Most of the arrangements are irrelevant, if not detrimental. The shroud of deafening dissonance in Black Lake is not exactly genius. The pristine wailing hymn in echoing quantum void of Thirst That Resembles Me (another highlight) segues into the sinister psychedelic maelstrom of I Have A Darkness which, alas, ends with a similar trivial effect. Better is the hyper-psychedelic trance of I Have Walked This Body, with the vocals swallowed by similar monster distorted drones that this time make sense. The album contains several intriguing ideas (especially Running Down, Thirst That Resembles Me and I Have Walked This Body), but it doesn't feel that working with a partner helped Hval to eviscerate those ideas. Apocalypse Girl (Sacred Bones Records, 2015), produced by Norwegian avantgarde composer Lasse Marhaug, opens with a tedious spoken manifesto, followed by more recitation in Take Care of Yourself. When the music finally begins, That Battle Is Over is just an innocent Alanis Morissette-sque lullaby and Why This? is a danceable lounge ballad. Heaven is a Bjork-ian madrigal, wrapped in a constantly mutating arrangement (from electronic to neoclassical), with a magniloquent ending. Angels and Anaemia is the kind of ethereal shapeless lied that she has concocted before but this time the confused arrangement doesn't help. The most poignant intuition, the Diamanda Galas-esque White Underground, lasts only two minutes. And so the album's existence truly relies on the ten-minute Holy Land: its ghostly electronic soundscape is largely sculpted by Lasse Marhaug, and she basically only contributes the vocal sounds that he manipulates and incorporates. Except for this last piece, this is her "pop" album.

In the End His Voice Will Be the Sound of Paper (Hubro, 2016) was guitarist and composer Kim Myhr's second collaboration with the Trondheim Jazz Orchestra after Stems and Cages (2009). An entirely acoustic project, it was premiered at a music festival in 2012 and recorded in August 2014 almost at the same time as Myhr's masterpiece All Your Limbs Singing (august 2014). Her vocals, however, are the weakest element of the eight-minute Mass. At best her contribution in songs such as Me, You, Me, You recalls a less austere version of the Art Bears. The last two pieces do more justice to her vocal skills, first Even The Vowels and then the highlight, Silence A Beat, where finally the creative accompaniment blends with her eccentric stream of consciousness in a magical atmosphere.

Blood Bitch (Sacred Bones, 2016), again produced and arranged by Lasse Marhaug, is a concept album about menstruation and/or vampires. There is very little that she hasn't said before, and said it in much better ways. The single Female Vampire mixes pummeling pulsation and an intermittent distortion to evoke the spirit of the Sisters Of Mercy but then the singing mutates into a droning abstraction. That's the most original song. The other single Conceptual Romance simply displays her vocals skills with a melismatic Middle-eastern intonation. The Great Undressing is a fairly obnoxious dance-pop ballad with swirling and bubbling synth lines that hark back to the 1980s. Silly arrangements cannot redeem silly songs like Secret Touch nor the pointlessly lively third single, Period Piece. There are also annoying spoken-word sections that further test the listener's patience. One can find solace in the soundsculpting of In the Red, whose rhythm is derived from a loop of terrified panting and industrial clanging, and whose dramatic tension is created by a sudden loud hissing; but it's too little and not particularly groundbreaking. The six-minute audio collage of The Plague is initially promising but then it becomes obvious that Marhaug is simply gluing together leftovers of their recording sessions: Indian tabla playing, port sirenes, echoed sobbing in a cavernous room, voices multiplied and refracted, another voice screaming terrified, crackling campfire, an organ drone mixed with the sound of a helicopter, a childish tune while the fire picks up, and then the record suddenly stops. Neither entertaining nor intriguing.

The Practice of Love (Sacred Bones, 2019) signaled a shift from that uncertain art-pop to an enthusiastic adoption of the transglobal dance of the 1990s, a throwback to the era of Enigma and Natacha Atlas. Her acrobatic singing gets repurposed to mimick exotic styles. Her ethereal whisper in Lions sounds like a Chinese folk chant, but drugged with a euphoric polyrhythm. High Alice couples convulsed drumming and sensual crooning a` la Sade with a Brazilian intonation Ashes to Ashes, the commercial apex of the album, is mainly a buoyant Giorgio Moroder-ian disco locomotive over which Hval impersonates a female version of the Pet Shop Boys. If the music is consistently trivial, Hval's vocal art is at the peak. The thumping techno of Six Red Cannas propels a sophisticated phrasing that bridges Bollywood melodramas and sensual disco diva. The guest vocalists (Vivian Wang, Felicia Atkinson, and Laura Jean Englert), instead, are not only under-utilized but, when they are, they tend to be a painful distraction (as in the title-track).

La cantautrice norvegese Jenny Hval inizió sotto lo pseudonimo Rockettothesky con il verboso e rudimentale To Sing You Apple Trees (Trust Me, 2006), che contiene il rockeggiante Barrie for Billy Mackenzie (come se Alanis Morissette facesse una cover dei Cranberries), l'elegia pianistica On Cherry Tree Song, e prove della sua abilità nel passare senza sforzo dal parlato ad uno stile blues/yodel (I Stepped On A Toothbrush per sola voce e chitarra). Il secondo album dei Rockettothesky, Medea (Trust Me, 2008), prodotto da Helge "Deathprod" Sten dei Supersilent, segnò un passo avanti significativo per quanto riguarda arrangiamenti e strutture, ed il risultato fu un panorama più eclettico: pop evocativo (Song of Pearl), synth-pop esotico (The Dead Dead Waterlily Thing) e una forma unica di folktronica acida (la lunga, diradata, spettrale, sballata Chorus per voce e paesaggio sonoro elettronico), con un picco di pathos nell'inno cristallino di Grizzly Man, che riporta indietro a catacombe e conventi.

Inoltre, pubblicò il romanzo "Perlebryggeriet" (2009).

Se questi primi album più che altro dimostrano una vocalità virtuosa e melismatica, Viscera (Rune Grammofon, 2011), arrangiato insieme a Havard Volden (chitarre e salterio) e Kyrre Laastad (percussioni e tastiere), alzò drammaticamente l'asticella. Dopo l'eterea Engines In The City, l'album consegna sette meditazioni/confessioni medio-lunghe alla Jane Siberry. Stavolta la musica è un fattore calcolato, chirurgico: un paesaggio sonoro angosciante, carico di tensione per la recitazione teatrale di Blood Flight, un delicato strimpellio per il canto estatico da convento di How Gentle, una marea quasi psichedelica avvolge il lamento sconsolato e languido di Golden Locks, un sinistro rumore di sottofondo trapela dal silenzio del soliloquio sussurrato, a cappella degli otto minuti di This Is A Thirst. Non è solo atmosfera: il racconto infantile di Portrait Of The Young Girl As An Artist usa un ritmo meccanico monotono che improvvisamente si libra in un riff simil grunge (e la sua coda scompare in un vortice di rumori cosmici); echi delle antiche elegie irlandesi traspaiono dalla superfice calma di Milk Of Marrow, e l'ossessiva Black Morning/ Viscera riporta indietro a tradizioni ancora più antiche.

Hval cantò anche su Nude on Sand (Sofa, 2012).

Gli arrangiamenti di Innocence Is Kinky (Rune Grammofon, 2013) sono un po' troppo sofisticato, spingendo la leggiadra Innocence Is Kinky nei pressi delle ballate soul-jazz prima di esplodere in un isteria da garage-rock. Le texture di molte canzoni sono più sottili e sparse che mai. Nonostante ciò, l'effetto può essere affascinante, angelicamente introverso in  Mephisto In The Water, nervosamente ipnotico in Amphibious Androgynous, quasi raga-psichedelico in The Seer, e comicamente astratto in Oslo Oedipus. E poi c'è spazio per momenti "rockeggianti" come l'uptempo I Called, sfigurato da un synth distorto, ed il carenante I Got No Strings, che mostra il suo stile melismatico. Sfortunatamente, Hval indugia in declamazione teatrale (Renee Falconetti Of Orleans, Is There Anything On Me That Doesn't Speak?) che non trova adeguato supporto dalla musica. Le canzoni sono brevi. Hanno abbandonato sia gli elaborati paesaggi sonori e le strutture ripetitive di Viscera.

Meshes of Voice (SusannaSonata, 2014) documenta una collaborazione del 2009 con la cantautrice sua conterranea norvegese Susanna Wallumrod, apparentemente ispirata dal film surrealista "Meshes Of The Afternoon" (1943) di Maya Deren. I duetti sono lenti ed austeri, sparsamente arrangiati con piano, chitarra ed elettronica. Ahimè, pochi sono un successo: l'eterea Running Down, su rumori elettronici diradati che sembrano evocare carne in decomposizione, la ninnananna folk A Mirror In My Mouth, e la vivace, cabarettistica Medusa. Molti degli arrangiamenti sono irrilevanti, se non persino dannosi. Il sudario di assordante dissonanza (?) in Black Lake non è esattamente geniale. L'inno immacolato ed accorato che riecheggia nel vuoto quantico di Thirst That Resembles Me (un'altra primizia) precede il sinistro vortice psichedelico di I Have A Darkness che, purtroppo, termina con un effetto banale molto simile. Migliore è la trance super-psichedelica di I Have Walked This Body, con voci inghiottite da droni simili, mostruosamente distorti, che stavolta hanno senso. L'album contiene alcune idee intriganti (soprattutto Running Down, Thirst That Resembles Me ed I Have Walked This Body), ma non sembra che lavorare con un partner abbia aiutato Hval ad eviscerarle. Apocalypse Girl (Sacred Bones Records, 2015), prodotto dal compositore norvegese d'avanguardia Lasse Marhaug, si apre con un noioso manifesto parlato, seguito da un pezzo più recitato, Take Care of Yourself. Quando la musica finalmente comincia, That Battle Is Over è solo un'innocente ninnananna Alanis Morissette-iana e Why This? è una ballata lounge ballabile. Heaven è un madrigale Bjork-iano, avvolto in un arrangiamento costantemente cangiante, (da elettronico a neoclassico) con un finale magniloquente. Angels and Anaemia è il tipo di lieder etereo ed amorfo che Hval aveva già prodotto in precedenza ma stavolta l'arrangiamento confuso non aiuta. L'intuizione più riuscita, la Diamanda Galas-iana White Underground, dura solo due minuti. E così, l'esistenza dell'album si affida veramente solo ai dieci minuti di Holy Land: il suo spettrale paesaggio sonoro elettronico è ampiamente scolpito da Lasse Marhaug, e Hval fondamentalmente contribuisce ai suoni vocali che Lasse Marhaug manipola e incorpora. Ad eccezione di questo ultimo pezzo, questo è il suo album "pop".

In the End His Voice Will Be the Sound of Paper (Hubro, 2016) fu la seconda collaborazione del chitarrista e compositore Kim Myhr con la Trondheim Jazz Orchestra dopo Stems and Cages (2009). Un progetto interamente acustico, fu suonato per la prima volta ad un festival musicale nel 2012 e registrato ad agosto del 2014, quasi contemporaneamente al capolavoro di Myhr, All Your Limbs Singing (agosto 2014). La sua voce, comunque, è l'elemento più debole degli otto minuti di Mass. Al massimo il suo contributo in canzoni come Me, You, Me, You richiama una versione meno austera degli Art Bears. Gli ultimi due pezzi danno più giustizia alle sue doti canore, prima Even The Vowels e dopo Silence A Beat, la migliore di tutto l'album, dove finalmente l'accompagnamento creativo si fonde al suo eccentrico flusso di coscienza in una magica atmosfera.

Blood Bitch (Sacred Bones, 2016), prodotto e arrangiato di nuovo da Lasse Marhaug, è un concept album sulle mestruazioni e/o sui vampiri. C'è veramente poco che lei non abbia già detto molto meglio di così. Il singolo Female Vampire mixes pummeling pulsation and an intermittent distortion to evoke the spirit of the Sisters Of Mercy but then the singing mutates into a droning abstraction. Questa è la canzone più originale. L'altro singolo Conceptual Romance semplicemente mostra le sue abilità canore con un'intonazione melismatica mediorientale. The Great Undressing è una ballata dance-pop abbastanza odiosa con linee di sintetizzatore vorticose e gorgoglianti che ricordano gli anni '80. Arrangiamenti sciocchi non possono salvare canzoni sciocche come Secret Touch o la vivacità insensata del terzo singolo, Period Piece. CI sono anche noiose sezioni parlate che mettono ulteriormente alla prova la pazienza dell'ascoltatore, che può trovare conforto nella scultura sonora di In the Red, il quale ritmo arriva da un loop di un ansimare terrificato e clangore industriale, ed un forte sibilo improvviso genera una tensione drammatica; ma è troppo poco e troppo tardi, e neanche così creativo. Il collage audio dei sei minuti di The Plague all'inizio è promettente ma poi diventa ovvio che Marhaug sta semplicemente incollando insieme degli scarti delle loro sessioni di registrazione: il suonare una tabla Indiana, sirene di porto, singhiozzi riecheggianti in uno spazio cavernoso, voci moltiplicate e rifratte, un'altra voce che urla terrificata, falò scoppiettante, bordone di organo mixato col suono di un elicottero, una melodia infantile mentre il fuoco si fa più vivo, dopodiché tutto improvvisamente finisce. Né divertente né intrigante. 

The Practice of Love (Sacred Bones, 2019) segnalò una virata da quell'incerto art-pop all'adozione entusiastica della dance transglobale degli anni '90, un ritorno all'epoca degli Enigma e Natacha Atlas. Il suo canto acrobatico viene qui riproposto per mimare stili esotici. Il suo sussurro etereo in Lions sembra un canto folk cinese ma drogato con un poliritmo euforico. High Alice accoppia un ritmo convulso ed un crooning sensuale a` la Sade con intonazione brasiliana. Ashes to Ashes, il picco commerciale dell'album, è principalmente una vivace locomotiva disco Giorgio Moroder-iana sulla quale Hval impersona la versione femminile dei Pet Shop Boys. Se la musica è molto banale, l'arte vocale di Hval è al suo apice. La techno martellante di Six Red Cannas spinge un fraseggio sofisticato che fa da ponte tra i melodrammi Bollywoodiani e le sensuali disco dive. Le cantanti ospiti (Vivian Wang, Felicia Atkinson, and Laura Jean Englert), invece, non solo sono sottoutilizzate, ma, quando sono sfruttate, tendono ad essere una distrazione dolorosa (come nella title-track).

Hval's Classic Objects (2022) is another minor album. The reggae-tinged Year of Love and the synth-pop ditty Year of Sky are the radio-friendly songs du jour. American Coffee is the only interesting construct: an ethereal mermaid chant that turns into a syncopated dancefloor jam. The big disappointments are the seven-minute Cemetery of Splendour (a totally uninspired piece) and the eight-minute Jupiter (a lazy jazzy ballad that ends in rowdy drones and sounds of the forest).