Pere Ubu

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Modern Dance, 9/10
Dub Housing, 7.5/10
New Picnic Time, 8/10
Art Of Walking, 8/10
Song Of The Bailing Man, 7/10
Tripod Jimmie
Home And Garden
David Thomas solo
The Tenement Year, 7/10
Cloudland, 7/10
Worlds In Collision , 6/10
The Story Of My Life , 6/10
Datapanik In The Year Zero, 6/10
Ray Gun Suitcase , 6.5/10
Pennsylvania (1998) , 6/10
St Arkansas (2002) , 6/10
Why I Hate Women (2006), 5.5/10
Lady From Shanghai (2013) , 4.5/10
Carnival of Souls (2014), 5/10
20 Years In a Montana Missile Silo (2017), 5/10
The Long Goodbye (2019), 6/10

(Translated by Norman Riding)

Pere Ubu were the most original and important of the new wave bands, and one of the greatest rock bands ever. They were to the new wave of the late 1970s what the Jefferson Airplane had been to San Francisco's acid rock and Pink Floyd to British psychedelic music. The eccentric personality of David Thomas dominates their career from beginning to end, but the group consisted of all musicians of great stature.

Their story began in 1975 in Cleveland, Ohio,an industrial city with a prevailing working-class culture, a city in large part alienated from the intellectual degeneracies of rock and roll.

Singer David Thomas (born in Miami in 1953) was almost the personification of the grotesque mask of Pere Ubu created by Jarry; a hulking awe-inspiring performer on stage, who at the same time groped with the paranoid complexes and schizophrenic urges of a melancholy and tormented psyche and sought redemption from his inner phantoms through his second life, like a fervent Jehovah's Witness. Thomas gave vent to all these disorders, and the alienation of the industrial era in general, with a prodigious voice, capable equally of Frank Sinatra-style crooning, Marvin Gaye's falsetto and (above all) the roar of Howling Wolf. These registers were in effect metabolized so as to become simply elements of a totally original song language. With respect to Captain Beefheart, to whom he was immediately compared, Thomas actually boasted a greater range of dynamics and vocal modulation; he was more of an "actor". A rock critic from1972 on, under the pseudonym of Crocus Behemoth, Thomas frequented the heavy-metal scene (MC5, the Stooges, Blue Oyster Cult), and made his debut as a singer in the summer of 1974 with a local group, the Rocket from the Tombs, who did covers of oldies. The posthumous Life Stinks (Jack Slack, 1990) contains the recording of a radio broadcast with all their early classics (including Life Stinks and 30 Seconds Over Tokyo.

Day The Earth Met (Smog Veil, 2002) is an anthology of the Rockets (demos and rarities). David Thomas (Pere Ubu), Richard Lloyd (Television) Cheetah Chrome (Dead Boys), Steve Mehlman (Pere Ubu), and Craig Bell (Saucers) reformed the Rockets and re-recorded their originals on Rocket Redux (Smog Veil, 2004).

Guitarist Peter Laughner was a fully rounded intellectual, to whom is owed the formulation of the ideology adopted by the entire new wave: to make music evoking the psychological convulsions of the ordinary individual, to give voice to the traumas of the "victims" of the industrial society. At the same time Laughner was aware of the punk revolution underway in New York and brought that zeitgeist to the Rocket, when he became a permanent member beside Thomas. Thus emerged pieces like Sonic Reducer and 30 Seconds Over Tokyo, violent songs inspired by the Stooges and Velvet Underground, played in the ramshackle garrets that the group shared with the Electric Eels, Left End and Mirrors. Final Solution was performed for the first time on 5th May 1975 at the Agora and was an instant sensation..

That summer Thomas, too "conceptual", was replaced by the more instinctive Stiv Bators, who had become one of the first punk idols in the area. In July Laughner brought Television to Cleveland and the Rocket supported them. Soon afterwards however Bators initiated the group's break-up. Laughner and Thomas then formed Pere Ubu, who in theory were supposed to be another punk-rock group, but actually played something else entirely. On the one hand the group transferred into music the melancholy sarcasm of punk and the savage, desperate humour of Thomas and Laughner. On the other the musical execution was as austere and rigorous as in classical music. The magic of the fusion between these two opposing styles was that in the end the music had an apocalyptic quality which ventured well beyond the alienation, frustration, etc. typical of the new wave and punk. The piercing psychological ablutions of the individual were Pere Ubu's point of departure for painting a fresco of a civilisation on the verge of collapse. The rhythmic charge was however that of the most visceral rock and roll, but tempered by the "cultivated" technique of the musicians, in particular the guitarist Tom Herman and the keyboard player Allen Ravenstine. Each of them seemed especially intent on distorting the traditional role of his instrument. Ravenstine literally invented a new way of playing the electronic keyboard, bringing about a revolution comparable to that initiated by Brian Eno a few years earlier.

The new group made its debut on New Year's Eve at the Viking Saloon. After a few months they moved to New York and signed a contract for a permanent residence at Max's Kansas City. They took on a phantasmagorical bassist in Tim Wright, and in their first two years of life Pere Ubu made a name for themselves thanks to their lugubrious ravings on the post-industrial Apocalypse; in order of release: 30 Seconds Over Tokyo/Heart Of Darkness (September 1975), Final Solution/Cloud 149 (March 1976), Street Waves/My Dark Ages and finally, in January 1977, Modern Dance/Heaven, later collected on the anthology Terminal Tower (RoughTrade, 1985).

The first two singles are tinged with the personality of Laughner, the surreal soul of the group. The aseptic ballad 30 Seconds Over Tokyo, accompanied by the Pink Floydesque guitar of Laughner and by the first disturbo/ masturbo bristlings of the young Ravenstine, and the alien soundtrack Final Solution (with its celebrated lines of generational masochism "don't need a cure/ need a final solution") constitute a mini-saga of the holocaust, plunged as they are in a tragic atmosphere of nightmare and desolation, heightened by the first improvisatory sound effects. In the first of these tracks the android gait, underlined by a chaos of "Barrettesque" radio signals, the martial cadence and the abulic riff in the bass, plunge into a cacophonous maelstrom, with much simulation of fighter-bombers, and an "atomic" finale. It is a song of breakdown, not only because of its casual use of dissonance, but especially for its climate of nervous exhaustion, of psychotic anemia, of total "devolution".
In the stamp of hard-psychedelia are also the Gong-style student cabaret of Cloud 149, with the strident, jumping blues counterpoint of the guitar, and the occult tribalism of Heart Of Darkness, with an ominous, throbbing guitar background and the unrestrained basso raving of Thomas.

The two other singles of 1976 are particularly marked by the contorted and morbid personality of Thomas, an introvert from whom two such acid and drunken ballads of death as Heaven, a delicate pseudo-reggae litany set against an infernal turbulence, and My Dark Ages do not come as a surprise. The sound of Pere Ubu was becoming more and more abstract.

In May 1977 Laughner left the group, officially to devote himself to a more psychedelic kind of music: a month later he was dead, dispatched by an overdose at the age of only 24. To be released posthumously were Peter Laughner (Koolie, 1982), on which the influence of Lou Reed is evident, and Take The Guitar Player For A Ride (Tim Kerr, 1994), a monumental kaleidoscope of unrealised ideas.

At the start of 1978, Wright also having fallen by the wayside, Pere Ubu entered the studio to record their first album, one of the masterpieces of twentieth century music, ten years in advance of the rest of rock music.

The guiding theme of Modern Dance (Blank, 1978 - SIlver Line, 2006) is that of alienation and anxiety in the industrial society. Mutatis mutandis, Pere Ubu take the fear of the nuclear holocaust and transplant it into a different scenario, in which death is not physical but spiritual, not due to bombardment but to economic and social mechanisms.
Their sound starts out from the spirit of old-style garage-rock,but distorts it with harmonic and rhythmic grotesquery. The surreal lyrics and the student humour attenuate the dramatic force of the performance, but at the same time increase the feeling of collective madness, of resigned fatalism, of ineluctable slavery. It is, mutatis mutandis, the same rational fear that seized the young of the post-war era, when the atomic threat held everybody in suspense: now, however, the situation is more real, because industrialisation has already reaped its holocaust, and more grotesquely, because it has been able to do it with the complicity of its own victims.
Their "modern dance" is composed of free-form phases (woodwinds, cacophony of the keyboards, rattling guitars, psychotic thrills) alternating with sudden powerful rhythmic flarings, veritable flashes of hallucinatory violence in the calm of the urban neurosis, in which Thomas gives vent to his raging vehemence. The schizophrenia of the singing is the schizophrenia of the sound as a whole.
The work opens with the piercing hiss of Non Alignment Pact, which plunges into a furious, deafening bacchanal of cryptic slogans, ungainly vocals, discordant strumming, electronic distortions and primordial pulsations, in a grotesque dance of bodies possessed by the restless, exhausting rhythm of a tribal ceremony. The sound of the Modern Dance is a devolved funk, primitive and technological, which reproduces the ambience of the office, the cyclic movement of the throng, the smoke of the factory chimneys and the inorganic bawling of the mob, and cadences the working day like a real mechanism, while the singing vibrates in despair to the hammering rhythm of the dance. It is a dramatic, perturbing fresco of the condition of working life, although unfolding to an almost jovial rhythm. The use of "concrete" sequences and electronic sounds, as a means of emphasising the climate of tragedy, makes it the archetype of the "sound collage" for the entire new wave. The third great rock and roll song of the disc is Street Waves, swept by an ominous wind (which evokes the miasmic gust after an atomic explosion) and driven at supersonic speed by a stop-start rhythm. The braying of Thomas and Herman's machine-gun fire ride the infernal pandemonium, giving it the stamp of a prophetic vision of the apocalypse.
The forebodings of the larger trilogy also inform the android litany of Real World (syncopated rhythm, buzzing interference, metallic, discordant guitar), the slow spirit-dance of Over My Head, pregnant with agonised suspense, and the clownish, desperate disco music of Humour Me and Life Stinks, which throw Thomas's incoherent cry and bubbling synth into the general uproar. The ferocity and the icy obscurity of these emotionless ballads place them at the antipodes of the original spirit of rock and roll.
The eclecticism of their sound is demonstrated by Laughing, which opens with a mini-jam of free jazz for winds, guitar and drums, and suddenly explodes into another mad and brutal boogie fanfare. Even more disarticulated and chaotic is the harmonic tissue of Chinese Radiation, with wandering guitar chords, Thomas's unrestrained raving and his epileptic fit in front of an exulting audience and then piano notes amid general silence. Sentimental Journey, chamber music for breaking crockery, disconnected phrases of synth and a somnambulant lament, is nothing other than a random mass of dissonance in the proudest traditions of psychedelia (once the experiments with gestural musique concrŠte are taken into account), but it is also a manifesto of Dadaist music, of music akin to screeching and hubbub. A singular hybrid of emphatic agit-prop (but without militant intent), of deformation by overdose (but without indulging in the emotions of the trip) and of aleatory music … la Cage (but without his academism), Ubu's Dadaist piece is a product of the industrial civilisation, its perversions and its anxieties. And Thomas, who dissertates imperturbably in the most absolute chaos and in the end remains alone raving amid the fragments of crockery, coins a new type of absurdist lied which might be the analogue of folk in the industrial era.
An extreme synthesis of the anarchic and the rational, a troubled projection of obsessive libidos and negative emotions, the body music of Pere Ubu pivots on the expressive crudeness of the singing, on the ungrammatical syntax of the electronics and on the ludic impetus of the rhythmics. It gives voice to the expressionist howl, to the informal chaos of abstractionism, to the commercialism of pop art. Cultured and primitive, refined and naif, Ubu march under the banner of contradiction, perhaps thus pursuing the ultimate end of pataphysics, the science of laws that regulate exceptions. Altogether their sound is very innovative: the singing of Thomas is uncouth in the worst "Beefheartesque" tradition, the rhythm section grinds out a paradoxical rhythm, a rough and elemental danceability, to the twisted accompaniment of Herman's primitive, strange and hypnotic guitar playing, and Ravenstine injects crude and anti-aesthetic effects, using electronics in a way antithetical to that of flash-rock or of disco music (anti-melodic and anti-rhythmic, earthy and disarticulated), as an ironic counterpoint to the maniacal anxiety of the band.
Thus unbalanced, the music is ambitious enough to function as the soundtrack of the industrial landscape of Cleveland, and, by extrapolation, as that of the holocaust, of the "final solution". Theirs is a philosophy of auto-destruction. The references to Jarry's pataphysics are not accidental; they allude to the sense of deformity, of the absurd, of the grotesque (which is never burlesque), of the brutal cynicism which informs the relations beween the inhabitants of the ruins of technology.
The modern dance of Pere Ubu is a funeral rite for humanity after the catastrophe: there is the anguish of an inescapable fate, there is the agony and the delirium, the slow decay into the shapelessness, the immaterial chaos of the soul. They are visions of the Apocalypse sung by survivors, gangs of hooligans roaming the debris, faces ravaged by the explosion which and surges and vanishes in miasmic gusts, barbarians advancing in a jungle of tangled piping and electric wire. They are dark and indecent ballads, with a neurotic rhythm of hisses and clangorous crockery. The voice of desperation and madness, of disgust and violence, rises, impetuous and scornful, above the hubbub of the Universal Judgement.
The musical references are innumerable: the most down-at-heel garage psychedelia, an urbanised version of Beefheart's vandalic blues, the most spectral and chaotic free jazz, the tribalism of primitive peoples, musique concrŠte modernised and fused with an abundance of electronic contortions and vocal acrobatics in a harmonic babble laced with blasphemies and laments.
Modern Dance is a pagan representation of the end.

With Dub Housing (Chrysalis, 1978), produced in a more professional manner, the visionary tone is accentuated but the atmosphere becomes even more ominous. Everyday life is brought back to a demoniac ritual, whose victims scream impotently in the total silence. All the songs are immersed in an atmosphere of madness and desperation. More languid and melancholy than the preceding disc, and faraway from its red hot "industrial" climate, the album is a hymn of total depression, akin to the mood and shading of expressionist cinema.
Moreover, while not repudiating the violent and epidermic rhythm of the "modern dance", Pere Ubu lighten it with quasi-baroque arrangements. Navvy condenses the characteristics of the first disc: unbridled epilepsy, psychotic tribalism and clownish vocals. On The Surface, more rational, pivots on the enervated riff of the synth and electronic turbulence.
The descent into circles of black magic and horror brings a new destabilising element to the already dense and composite sound, where instrumental arthrosis and electronic jokes, the devastating rhythmics and the cannibal cry, conserve the madcap emphasis of the "modern dance". As in Caligari`s Mirror, a sulphurous vision and vaudeville sketch, a horrid-grotesque, processional fantasia of drunken demons interspersed with episodes of discordance, dissonance, improvisation and monologue, which pairs with the strident, psychotic auto-celebration of the voracious king in Ubu Dance Party.
Elsewhere the deep anxiety is rendered through an atmosphere of suspense and lysergic dilation, as in Thriller (a loudspeaker blathering slow vortexes of an aquatic resonance, overcut by deformed clamourousness and hollow cries, disfigured piano from ghostly fingers in a deserted auditorium, clangourous electronics, quick footsteps creaking in the dark, slowed down tape, thunderings, fuzzy sounds and voices, and the footsteps ever closer...). Codex, a pirate chorus from the nether world, constitutes the nadir of this psychic depression, of this atrocious "sentimental journey", when not even the strength for hysteria is left. Even the absurdist lied of Dub Housing, in which Thomas's desperate vocalisation is accompanied by a free jazz background of piano and clarinet, celebrates solitude and failure.

After this peculiar homage to cinema noir, it is the turn of New Picnic Time (Rough Trade, 1979), their most anarchic and disjointed work, due in part to the group's close alliance with the retired psychedelist Mayo Thompson. The style is more violent and whimsical, and the lyrics, if possible, even more surreal and absurd, with David Thomas rambling in grand style, staking his claim to be the best vocalist since the era of his mentors Beefheart and Buckley.
A more robust work, which links perfectly with the first, the disc is graced by some of the most resolute and spectacular "modern dances" in their repertoire, from Have Shoes Will Walk, a bacchanal, crazy to the point of exhaustion, with Thomas grandly blathering , jazz piano, jerkily strumming guitars and assorted synth noises, to 49 Guitars And One Girl, above whose syncopated ostinato unwinds a most extraordinary performance by Thomas, "Beefheartesque" and Luciferian; from Small Was Fast, a goliardic dance of ghosts, to the ominous apocryphal hymn Jehovah's Kingdom Comes, synagogical tribalism with a host of biblical trumpets, which reproduces the gloomy atmosphere of Dub Housing.
Some of the songs, performed in a coarse tone bordering on intoxication, inaugurate a new vein of pataphysical dementia, with arrangements as disconnected as they are essential: All The Dogs Are Barking, articulated with casual touches of piano and guitar; A Small Dark Cloud, in which Thomas and Thompson with the voice and Ravenstine with the synthesizer compete with one another in inventing artificial jungle noises; Goodbye, the purest lysergic catalepsy, with acid keyboards and unintelligible vocals; Make Hay, in which the vocabulary is reduced to a series of whimpers, murmurs, sottovoce sing-song and in the end to a simple "hay"; and Voice Of The Sand, which by now is reduced to barely more than a minute of primordial pulsations and arcane whispers. These songs, slowed down as in a dream or trance, hallucinogenic laments, psychopathic stornelli, dark, sottovoce elucubrations on the background of a restless technological forest (the first stirrings perhaps of machines which little by little acquire intelligence and free will), progressively dry up to the point of leaving only a very faint, almost imperceptible, trace of their own identity. They are however songs which rightfully insert themselves among the most complete experiments in avant-garde chamber music.
Each piece is a storehouse of innumerable ideas, effects, noises, gags, digressions, intermezzos. The ensemble succeeds now in moving casually from more abstract and rarefied pieces, dissonant and full of sound effects, to the rich and powerful, savage and redounding sound of the pseudo-funky ballad. Besides the powerful Herman-Ravenstine axis, the secret of so much disorderliness resides too in the ever more audacious rhythmic experiments, by now outside any folkloric tradition: the rhythm section (Scott Krauss on drums and Tony Maimone on bass) asserts itself as the most original since the era of Jefferson Airplane.
Thomas's hysterical falsetto dominates, right down from the top note of his cryptic sing-song, this dadaist tragedy in several scenes. His repertoire of vocal "gestures" is by now immense. His lyrics are beginning to focus themselves, denoting an unmistakeable religiosity, but remain the most outlandish since Beefheart's era.
On this disc is clearly outlined the transition in progress from industrial music to visionary psychedelia, from the modern dance to black ritualism.

(Note by Norman Riding: On my CD the first track is called "The Fabulous Sequel" rather than "Have Shoes Will Walk", while the last is called merely "Kingdom Come" rather than "Jehovah's Kingdom Comes").

Thompson's association with the group culminated in his promotion to permanent membership in place of the dissident Herman. With The Art Of Walking (Rough Trade, 1980) Pere Ubu move harmonically in a psychedelic direction, moderating the brutal and orgiastic rock and roll of yore in favour of a more ethereal diagnosis of the awfulness of the post-industrial age. The music, while conserving rough edges at the limits of musicality, shifts towards a more serene delirium.
Both the gothic spirit and the infantile vein of the preceding disc vanish, giving prominence to a more meditative tone. Roughly speaking four separate currents can be distinguished; firstly, the anarchic improvisation, the extreme rarefaction of the sound, from the dilated and disarticulated plot of Rhapsody In Pink (gurglings of synth and drunken lurch of the piano) to the Brechtian dialogue of Loop (in an anaemic surging of dissonance), and the abstract fresco of Lost In Art (in which Thomas yells distractedly, Krauss pounds randomly on the bass drum and Ravenstine inflicts savage tortures on the keyboard); the second is represented by instrumental tracks, impressionistic pictures and surreal nightmares, namely the oriental melody of Arabia (obsessively repeated by the synth in minimalist style), the little sample of anti-rhythm and distorted electronics that is Miles and the radio frequencies of Crush This Horn (a droning Cagean solo); the third is animal psychedelia, that of Birdies, frenziedly frightened, and of the stupendous Horses, a relaxed ride accompanied by metaphysical whistling; lastly, the powerful, goliardic dance funk of Misery Goats (most spirited and enthralling), of Go, and of Rounder.
Pere Ubu here arrive at a point of maturity which enables them to delineate each track with total mastery of means and with a formal elegance that succeeds wonderfully in not jarring with the barbaric impetus. The song is normalised, ever more withdrawn into prayer and asceticism, no longer violent or frenzied, and the music is dominated by the keyboards. If New Picnic Time consecrated Thomas, in The Art Of Walking it is Ravenstine who takes the leading role: the new sound is characterised above all by an ever more creative use of dissonance.
Art Of Walking, their most perfect album after Modern Dance, definitively confirms the ongoing transformation of their style: the progressive drying-up of the initial vein of explosive and convulsive songs, anti-rhythmic and anti-melodic, and a gradual move in the direction of psychedelia and sound effects.

With Krauss gone too, Pere Ubu became a quintet comprising Thomas, Ravenstine, Maimone, Thompson and the percussionist Anton Fier (Feelies, Lounge Lizards).
The Song Of The Bailing Man (Rough Trade, 1983) continues the progression towards an ever more fragile, plain and melancholy sound. The result is another collection of psycho-dada aphorisms, lacking the forceful impact and the harmonic complexity of the past. Abandoning for ever the form of the "modern dance", Pere Ubu fall back on an absurdist entertainment that blends Thomas's vocal improvisations, Thompson's surreal inspirations, and the inventive imagination of the whole group, while never overdoing any of these elements. The contribution of each individual member is distinctly more limited than in the past. The biggest sacrifice is that of Ravenstine's electronics but Thomas's voice is also decidedly under-utilised, although loquacious enough, and Thompson's animal psychedelia is almost totally absent. In addition the two defections from the group, by effectively defusing the rhythm section, have in any case changed the group's personality. Despite this all the tracks are of the highest quality, stuffed with psychedelic effects and invigorated by instrumental performances of the first order: Fier is responsible for the strongly jazz flavoured syncopation of Long Walk Home, with a bebop finale in the style of the Lizards, and for the seven torrential minutes of tropical percussion of A Day Such As This; Thompson for Use Of A Dog, an easy-listening, salon-style number with a melodic chorus, with electronic bubblings and swing trumpet in the background, and for West Side Story, a kind of Zappa-esque jazz-rock track, ridiculously accelerated.
Among Thomas's most exciting Brechtian declamations can be counted the frenetic, dissonant nursery rhyme Petrified and the free recitative of Stormy Weather over a plethora of inorganic rumblings. Remnants of "modern dance" inflame the kitsch, funereal, martial hymn of Thoughts That Go By Steam, the clamorous expressionist variety sketch of Big End's Used Farms and the splendidly frenzied tribal rhythm of Horns Are A Dilemma.
With its characteristic angularity polished up, and the amphetamine dosage reduced, the Ubu sound gains a new cutting edge. Their surreal sing-songs benefit from the force of cohesion brought by Fier and by the return to more orthodox song forms.

However the process of disintegration was unstoppable. While Thomas began his philosophical wanderings and Herman formed Tripod Jimmie, Krauss and Maimone teamed up with the veteran guitarist Jim Jones (previously in the Mirrors and the Easter Monkeys) to convene Home And Garden. Their first EP includes How I Spent My Vacation (1983), a chameleon-like instrumental in the style of the early Soft Machine.
The album History And Geography (After House, 1984) utilises disco-rap arrangements, with the keyboards predominant, and surreal lyrics for an imaginary soundtrack to the travels of Marco Polo, which meanders between exotic and impassioned funk like Voyage Home, absurd circus parades like Monkey Town, urgent hymns … la Patti Smith like King John, gothic liturgies … la King Crimson like Bells Of Ever And Never and fairground music with psychedelic accordion like King Penguin, probably the masterpiece. The urgency of their dances is reminiscent of the "modern dance" and the keyboards (on which everybody has a turn) follow the principle of the surreal accompaniment … la Ravenstine.

After an initial solo album, Frontier Justice (1979), Tom Herman founded Tripod Jimmie, a trio which from the first single, Autumn Leaves (1982), inherited the authentic spirit of Pere Ubu's grotesque dance, thanks to the fractured rhythm of the guitar and the powerful lines of Lennie Bove's bass. Then Herman moved to California and, at the end of 1983, formed Otella with Glenn Reynolds on drums, and Reynolds joined the new Tripod Jimmie that began rehearsals for an album that was never completed. Unclaimed Freight (Lenny Line, 1995) collects those rehearsals and other material dating from 1981-87.

The album Long Walk Off A Short Pier (Do Speak, 1982), recorded live and outdoors, but without an audience, displays tropical rhythms, muezzin calls, Indian pow-wow and classical tracks. Its dadaist show unfolds under the banner of dementia and heterogeneity, including the minimalist funk … la Talking Heads of (Joe Granville and Thank You Very Much), a palaeolithic instrumental (No Spartans), an absurd ballad (Empty Seed) and a symphonic heavy-metal pastiche (Franco-America).

A Warning To All Strangers (All Ball, 1986) is more composed, but still goes off the rails in the martial Drunk's Parade and in the pseudo-reggae of Long Walk Off The Short Pier.

David Thomas had the most important collateral career, which soon came to prevail over that of the group itself.

In 1988 Thomas's backing group stabilised with Cutler, Maimone, Ravenstine, Krauss, Jones, John Kirkpatrick (accordion), and, renamed Pere Ubu, cut The Tenement Year. The disc marks a return in grand style to the dance of the apocalypse. The delicate equilibrium between harmonic collapse and structure remains intact, only the spirit is different: gone are the rebellious aspirations of 1977, and now a sardonic humour dominates, an anaemic party-style intellectual disengagement. Visionary abstractionism and implacable rhythmics celebrate the grotesque and the eccentric in a phantasmagorical orgy of surreal poetry, surging in disintegrated harmonic universes.
Ravenstine reigns uncontested from the height of an atonal invention worthy of the art of Klee, while the fragile nature of Thomas's crazy tongue-twisters is injected with powerful rhythms and given a flushed, grim expression. The mad hubbub of sax and synth on George Had A Hat, with heavy-metal overtones and an intermezzo of equestrian circus bebop , the epic garage-rock, titanic and ominous, of Say Goodbye, propelled by an overwhelming "modern dance" tribalism, the pompously operatic reggae of Rhythm King, the whistle concerto to goliardic cabaret rhythms of Something's Gotta Give, Talk To Me, which fuses the caracolling blues of Beefheart with surf-style guitar, are the most faithful heirs to the great tradition of the music of the modern dance. And Ravenstine paints the stratospheric arrangement of We Have The Technology, a mellow folk ballad which becomes their new anthem, as demented and as tender as anything in their entire career.
The new members make striking contributions: Cutler directs the chameleon-like percussive tissue of the pop-psychedelic ballad Hollow Earth; Kirkpatrick's accordion sets the tempo for the reel of Busman's Honeymoon, which goes from a chaotic jam to a martial and melancholic melody, and to the dissonant polka of Miss You; Jim Jones hones a sharp instrumental which crosses Duan Eddy, Eddie Van Halen and folk-rock in the guitar tornado of Universal Vibration.
Their spirit was never more anarchic, with Krauss's music hall percussion , Ravenstine's sound effects and Thomas's more than ever enthusiastic vocals. The difference now compared to their first period is that their chaos no longer sounds painful and threatening, but frivolous and almost domesticated. They have learned how to exorcise technology, making a joke of it, rather than weaving tragic odes to its menacing power.

Cloudland (1989), definitively dispensing with the psychedelic sing-songs and strengthening the sound with an AOR production, is even more commercial. Breath is a radio-friendly song which takes its cue from the Police hit Every Breath You Take, from Buddy Holly and from heavy-metal, with Ravenstine's cacophony kept to a minimum and even less of Thomas's raving. Waiting For Mary (the masterpiece of the disc), Race The Sun and Bus Called Happiness, equally frenetic, extrovert, rhythmic and melodic, constitute the apex of this pop style. An old song of Laughner's, Love Love Love, undergoes a disco treatment which transforms it into a state-of-the-art vibe machine.
Atmospheric ballads are not absent either: Monday Night (anaemic and disturbed), Cry (somewhere between Jethro Tull and U2), Waltz (the most psychedelic). Few of the songs are irregular enough to connect themselves with the "modern dance": above everything the folk-rock with beat chorus and absurdist sound effects of Lost Nation Road.
All the group members adapt their style to the new conservative ideology , reducing to a minimum their sonic eccentricities, and end up sounding pedestrian compared with the ingenious inventiveness of the past. It is disconcerting too to hear Thomas singing like a Top 40 soul singer.

A line-up with Eric Drew Feldman, Tony Maimone, Scott Krauss and Chris Cutler, Jim Jones and David Thomas is documented on London Texas (1989 - ReR, 2009).

After having hit the bulls-eye with the pop revisionism of Cloudland, the band tried to repeat the feat with Worlds In Collision (Fontana, 1991). Four tracks break out of the AOR door: Smoke The Barbeque, the single, Don't Look Back, Cry Cry Cry, with beat vocal harmonies, and the acoustic Oh Caterine; while leftovers of the "modern dance" surface in Life Of Riley and Winter In The Firelands. Even lighter and more ordinary than the preceding album, the disc induced a pessimistic outlook for the future of the group, which seemed to have given up even trying to live up to its potential. In 1992 Ravenstine abandoned the scene, to become an airline pilot, and was replaced by Eric Drew Feldman (ex Captain Beefheart).

With Feldman also gone, The Story Of My Life (Fontana, 1993) proved to be feeble and tired: Wasted, Heartbreak Garage and Louisiana Train Wreck try vainly to bring back the post-nuclear climate of the early years; but the prevailing tone is that of the futile pop of Kathleen and Sleep Walk. The guitarist Jim Jones, who now plays the keyboards as well, seems to have dethroned Thomas.

Meanwhile Robert Wheeler, a direct descendant of the inventor Thomas Alva Edison, joined the group, playing synthesizer and Theremin, but Maimone too was soon to throw in the sponge.

Datapanik In The Year Zero (DGC, 1996) is a five-album anthology of the early years.

Krauss gone too, Ray Gun Suitcase (Tim Kerr, 1995) pivots on a cohesive group (the guitarist Jim Jones, the keyboard player Robert Wheeler, the bassist Michele Temple, and the drummer Scott Benedict). Thomas rediscovers his spasmatic register in the urgent nursery rhyme of Folly Of Youth, dishes up one of his classic psychodramas for bass melody and enervated noise (Vacuum In My Head), and delineates one of his sub-songs which never mature into songs but are of greater value than songs (Ray Gun Suitcase). His colleagues demonstrate their quality in the neurotic background of electronic noise on Electricity and in the new dadaist instrumental fresco of Horse. The disc hovers all of a sudden on the powerful and passionate tone of songs like Beach Boys, Down By The River (a garage-rock epic) and above all My Friend Is A Stooge (a furious pow-wow worthy of the early years). But perhaps where Pere Ubu most revive their former values is in Montana, in which Thomas rambles drunkenly in a ballad worthy of Slavonic folk music, counterpointed by accordion and cello. The science of the insignificant continues to discover new laws of nature.

To set against the ups and downs of Pere Ubu there was the ingenious and immoderate activity of David Thomas, who for some time had been based in England.

Pere Ubu's major contribution to musical history is without doubt that of the "modern dance", a form of dance which borrows from primitive ritual, from funk, from garage-rock and from the music of the avant-garde. Pere Ubu have produced innumerable masterpieces in this vein: Final Solution, Modern Dance, Street Waves, Non-aligned Pact, Caligari`s Mirror, Ubu Dance Party, Have Shoes, Jehova, Small Was Fast, Misery Goats, Big End's, Horns Are A Dilemma, George Had A Hat, Say Goodbye.
In the early years they also indulged in pieces whose noise and sound effects unequivocally invade the territory of the avant-garde: Sentimental Journey, Thriller, Lost in art. But these inclinations soon gave place to the out and out psychedelic vein of Codex, Goodbye, Small Dark Cloud, Birdies, Horses. Separate are Thomas's experiments on the song.

The schizophrenia at the core of the ensemble, the contention between the maniacal rhythms of Herman, Krauss and Maimone and the ethereal abstractionism of Thomas and Ravenstine, coined a new type of rock, which conserved Chuck Berry's primitive realism while also being conscious of music's power to describe that which does not yet exist in nature.

I Pere Ubu furono il complesso piu` originale e importante della new wave. Furono per la new wave cio` che i Jefferson Airplane erano stati per l'acid-rock di San Francisco e i Pink Floyd per la musica psichedelica Britannica. La personalita` eccentrica di David Thomas domina la loro vicenda dall'inizio alla fine, ma al gruppo hanno partecipato anche musicisti di grande levatura.

La loro storia ebbe inizio nel 1975 a Cleveland (Ohio), una citta` industriale e pertanto dominata da una cultura operaia, una citta` che era rimasta estranea a gran parte delle degenerazioni intellettuali del rock and roll.

Il cantante David Thomas (nato a Miami nel 1953) era quasi la personificazione della maschera grottesca del Pere Ubu creato da Jarry: un performer mastodontico che incuteva soggezione sul palcoscenico ma che invece annaspava nei complessi paranoici e nelle pulsioni schizofreniche di una psiche malinconica e tormentata, e che cercava redenzione dai suoi fantasmi interiori attraverso la sua seconda vita, come fervente testimone di Geova. Thomas sfogava tutte queste turbe, e in generale le alienazioni dell'era industriale, con una voce prodigiosa, capace tanto del crooning di Frank Sinatra, quanto del falsetto di Marvin Gaye, quanto (e soprattutto) dei ruggiti di Howling Wolf. Questi registri venivano in realta` metabolizzati per diventare semplicemente gli elementi di un linguaggio canoro del tutto originale. Rispetto a Captain Beefheart, a cui venne subito paragonato, Thomas vantava in realta` una maggiore dinamica e modulazione vocale, era piu` "attore". Critico rock dal 1972 sotto lo pseudonimo di Crocus Behemoth, THomas frequento` l'ambiente dell'heavy metal (MC5, Stooges, Blue Oyster Cult), e debutto` in qualita` di cantante nell'estate del 1974 con una formazione locale, i Rocket From The Tombs, che suonava cover di oldies. Il postumo Life Stinks (Jack Slack, 1990) contiene la registrazione di una trasmissione radiofonica con tutti i loro primi classici (fra cui Life Stinks e 30 Seconds Over Tokyo). Day The Earth Met (Smog Veil, 2002) e` un'antologia di rarita` dei Rockets.

Il chitarrista Peter Laughner era invece un intellettuale a 360 gradi, a cui si deve la formulazione dell'ideologia che sara` dell'intera new wave: fare musica che evochi le convulsioni psicologiche dell'individuo medio, dar voce ai traumi delle "vittime" della societa` industriale. Al tempo stesso Laughner era conscio della rivoluzione punk in corso a New York e porto` quella zeitgeist nei Rocket, quando ne divenne membro stabile al fianco di Thomas. Nacquero cosi` brani come Sonic Reducer e 30 Seconds Over Tokyo, canzoni violente che si ispiravano a Stooges e Velvet Underground, suonate in soffitte sgangherate che il complesso spartiva con Electric Eels, Left End e Mirrors. Final Solution venne eseguita per la prima volta il 5 Maggio 1975 all'Agora e desto` subito sensazione.

In estate Thomas, troppo "concettuale", venne sostituito con il piu` istintivo Stiv Bators, che era diventato uno dei primi idoli punk della zona. In luglio Laughner porto` i Television a Cleveland e i Rocket fecero loro da spalla. Subito dopo pero` Bators causo` lo scioglimento del gruppo. Laughner e Thomas formarono allora i Pere Ubu, che in teoria dovevano essere un altro gruppo punk-rock, ma in realta` suonavano tutt'altro. Da un lato il gruppo trasferiva in musica il sarcasmo malinconico del punk, l'umorismo feroce e disperato dei due leader. Dall'altro l'esecuzione delle musiche era austera e rigorosa come nella musica classica. La magia della fusione fra questi due modi opposti era che alla fine le musiche avevano una qualita` apocalittica che si spingeva ben al di la` dell'alienazione, frustrazione, etc tipici di new wave e punk. I Pere Ubu partivano dalle lancinanti abluzioni psicologiche dell'individuo per affescare una civilta` sull'orlo del collasso. La carica ritmica era pero` quella del rock and roll piu` viscerale, ma temperato dalle tecniche "colte" dei musicisti, in particolare il chitarrista Tom Herman e il tastierista Allen Ravenstine. Ciascuno sembrava soprattutto intento a stravolgere il ruolo tradizionale del suo strumento. Ravenstine invento` letteralmente un nuovo modo di suonare le tastiere elettroniche, causando una rivoluzione paragonabile a quella causata da Brian Eno qualche anno prima.

Il nuovo complesso esordi` la vigilia di Capodanno al Viking Saloon. Nel giro di pochi mesi si trasferirono a New York e firmarono un contratto per suonare in pianta stabile al Max's Kansas City. Assunsero un bassista fantasmagorico come Tim Wright, e per i primi due anni di vita i Pere Ubu si fecero un nome grazie ai loro lugubri farnetici sull'Apocalisse post-industriale, nell'ordine 30 Seconds Over Tokyo/Heart Of Darkness (settembre 1975), Final Solution/Cloud 149 (marzo 1976), Street Waves/My Dark Ages e finalmente, nel gennaio 1977, Modern Dance/Heaven, poi raccolti sull'antologia Terminal Tower (RoughTrade, 1985).

I primi due singoli risentono della personalita` di Laughner, l'anima surreale del gruppo. La ballata asettica di 30 Seconds Over Tokyo, accompagnato dalla chitarra pinkfloydiana di Laughner e dai primi ispidi disturbi/masturbi del giovane Ravenstine, e la soundtrack aliena Final Solution (con i celebri versi di masochismo generazionale "don't need a cure/ need a final solution") compongono una mini-saga dell'olocausto, immerse come sono in un'atmosfera tragica, di incubo e di desolazione, forti delle prime improvvisazioni rumoristiche. Nella prima l'incedere androide, sottolineato di un caos di segnali radio "barrettiani", cadenza marziale e riff abulici di basso, precipita in un maelstrom cacofonico con tanto di simulazione di caccia bombardiere e finale "atomico". E' un brano di rottura, non solo per l'uso disinvolto delle dissonanze, ma soprattutto per il clima da esaurimento nervoso, da anemia psicotica, da "devoluzione" totale.
Nel segno di un incedere hard-psichedelico si situano anche la goliardia cabarettistica alla Gong di Cloud 149, con stridulo e saltellante contrappunto blues della chitarra, e il tribalismo occulto di Heart Of Darkness, con un sottofondo sinistro e pulsante di chitarra e bassoe vaneggi liberi di Thomas.

Gli altri due singoli del 1976 sono segnati proprio dalla contorta e malata personalita` di Thomas, un introverso da cui non sorprende siano fuoriuscite due acide ubriache ballate di morte come Heaven, soave filastrocca pseudo-reggae con turbolenze infernali, e My Dark Ages. Il sound dei Pere Ubu si fa sempre piu` astratto.

Nel Maggio del 1977 Laughner lascia il complesso, ufficialmente per dedicarsi a una musica piu` psichedelica: un mese dopo muore, spacciato da un'overdose a soli 24 anni. Postumi usciranno Peter Laughner (Koolie, 1982), su cui e` evidente l'influenza di Lou Reed, e Take The Guitar Player For A Ride (Tim Kerr, 1994), un monumentale caleidoscopio di idee incompiute.

Al principio del 1978, perso per strada anche Wright, i Pere Ubu entrarono in studio per registrare il primo album, uno dei capolavori della musica del Novecento, dieci anni piu` avanti del resto della musica rock.

Il tema guida di Modern Dance (Blank, 1978 - SIlver Line, 2006) e` quello dell'alienazione e dell'angoscia nella societa` industriale. Mutatis mutandis, i Pere Ubu prendono le paure dell'olocausto nucleare e le trasferiscono in uno scenario diverso, in cui la morte non e` fisica ma spirituale, non e` causata da un bombardamento ma dai meccanismi economici e sociali.
Il loro sound prende l'abbrivo dal brio del vecchio garage-rock, ma deturpato da una quantita` di bizzarrie armoniche e ritmiche. Le liriche surreali e lo humour goliardico attenuano la drammaticita` delle performance, ma accrescono al tempo stesso la sensazione di follia collettiva, di rassegnato fatalismo, di schiavitu' ineluttabile. E', mutatis mutandis, la stessa paura razionale che attanagliava i giovani del dopoguerra, quando la minaccia atomica teneva tutti col fiato sospeso: ora, pero`, la situazione e` piu` reale, perche' l'industrializzazione ha gia` mietuto il suo olocausto, e piu` grottesca, perche' lo ha potuto fare con la complicita` delle sue stesse vittime.
La loro "modern dance" e` composta di fasi free-form (fiati, cacofonie delle tastiere, crepitii chitarristici, gorgheggi psicotici) alternate a improvvise poderose impennate ritmiche, veri squarci di violenza allucinante nella quiete della nevrosi urbana, nelle quali si sfogava l'impeto furente di Thomas. La schizofrenia del canto era la schizofrenia del sound d'insieme.
L'opera si apre con il sibilo lancinante di Non Alignment Pact, che precipita in un baccanale travolgente e assordante di slogan criptici, vocalizzi sgraziati, schitarrare scordato, distorsioni elettroniche e pulsazioni primordiali, per un grottesco ballo di corpi invasati al ritmo esagitato ed estenuante di un cerimoniale tribale. Il sound della Modern Dance e` un funk devoluto, primitivo e tecnologico, che riproduce l'ambiente dell'officina, i movimenti ciclici delle presse, i fumacchi delle ciminiere e il vociare inorganico della folla, e cadenza come un vero e proprio meccanismo la giornata di lavoro, mentre il canto vibra disperato sulla cadenza martellante del ballo. E' un affresco sconvolgente e drammatico della condizione operaia, benche' condotto a un ritmo quasi gioviale. L'impiego di sequenze "concrete" e di suoni elettronici, al fine di enfatizzare il clima di tragedia, ne fa l'archetipo di "montaggio sonoro" per tutta la new wave. Il terzo grande rock and roll del disco e` Street Waves, spazzata da un vento sinistro (che fa pensare a folate di miasmi dopo l'esplosione atomica) e propulsa a velocita` supersonica da un ritmo a singhiozzi. I ragli di Thomas e le mitragliate di Herman cavalcano il pandemonio infernale conferendogli la caratura di visione profetica dell'apocalisse.
Le intuizioni del trittico maggiore ispirano anche la filastrocca per androidi di Real World (ritmo sincopato, pullulare d'interferenze, la chitarra metallica e scordata), la lenta danza di spiriti di Over My Head, pregna di suspence angosciosa, e la disco music clownesca e disperata di Humour Me e Life Stinks, che nel frastuono generale getta le grida sconnesse di Thomas e bollicine di synth. L'efferatezza e il gelido ermetismo di queste ballate prive di emozioni si situano agli antipodi dello spirito originale del rock and roll.
Quanto sia eclettico il loro sound e` dimostrato da Laughing, che si apre con una mini-jam di free jazz per fiati, chitarra e batteria, ed esplode all'improvviso in un'altra folle e bestiale fanfara boogie. Ancor piu` disarticolato e caotico e` il tessuto armonico di Chinese Radiation, fra un delirio libero di Thomas, accordi vaganti di chitarra, un attacco epilettico di Thomas davanti a un pubblico esultante e note di piano nel silenzio generale. Sentimental Journey, musica da camera per stoviglie spezzate, frasi sconnesse di synth e lamento sonnambulo, non e` altro che un cumulo casuale di dissonanze nella piu` fiera tradizione psichedelica (una volta noti gli esperimenti della musica concreta e gestuale), ma e` anche un manifesto di musica dadaista, di musica come scricchiolio e baccano. Singolare ibrido di enfasi agit-prop (ma senza intenti militanti), di deformita` da overdose (ma senza indulgere nelle emozioni del trip) e di musica aleatoria alla Cage (ma senza la sua aulicita`), la piece dadaista degli Ubu e` un prodotto della civilta` industriale, delle sue perversioni e delle sue angosce. E Thomas, che disserta imperturbabile nel caos piu` assoluto e alla fine resta solo a delirare in mezzo ai cocci, conia un nuovo genere di lied dell'assurdo che potrebbe essere l'analogo del folk nell'era industriale.
Sintesi eccessiva di anarchico e razionale, proiezione esagitata di libidini ossessive e di emozioni negative, la body music dei Pere Ubu fa perno sulla crudezza espressiva del cantante, sulla sintassi sgrammaticata dell'elettronica e sull'impeto ludico della ritmica. Da` voce all'urlo espressionista, al caos informale dell'astrattismo, al commerciabile della pop art. Colti e primitivi, raffinati e naif, gli Ubu vivono all'insegna della contraddizione, forse perseguendo in tal guisa il fine ultimo della patafisica, la scienza delle leggi che regolano le eccezioni. Nell'insieme il loro suono e` molto innovativo: il canto di Thomas e` sguaiato nella peggior tradizione "Beefheart-iana", la sezione ritmica macina un ritmo paradossale, un ballabile rozzo ed essenziale, l'accompagnamento sbilenco del chitarrismo primitivo di Herman strania e ipnotizza, Ravenstine inietta effetti crudi e anti-estetici utilizzando l'elettronica in modo antitetico a quello del flash-rock o della disco music (anti-melodico e anti-ritmico, sporco e disarticolato), come contrappunto ironico all'ansia maniacale della banda.
Cosi` squilibrata, la musica ha l'ambizione di fungere da colonna sonora degli scenari industriali di Cleveland, e, per estrapolazione, dell'olocausto, della "soluzione finale". La loro e` una filosofia dell'auto-distruzione. Il riferimento alla patafisica di Jarry non e` casuale, allude al gusto della deformazione, dell'assurdo, del grottesco (che non e` mai burlesco), del cinismo brutale che ispira i rapporti fra gli abitanti delle rovine tecnologiche.
La danza moderna dei Pere Ubu e` un rito funebre per l'umanita` dopo la catastrofe: c'e` l'angoscia di un destino senza scampo, c'e` l'agonia e il delirio, e il lento disfacimento in grumi informi, il caos immateriale delle anime. Sono visioni dell'Apocalisse cantate dai sopravvissuti, bande di teppisti che si aggirano tra le macerie, volti devastati dall'esplosione che sorgono e scompaiono nelle folate di miasmi, barbari che avanzano nella jungla di tubature e fili elettrici. Sono ballate turpi e tenebrose a un ritmo nevrotico di sibili e clangori di cocci. La voce della disperazione e della pazzia, del disgusto e della violenza, si leva impetuosa e irridente sul frastuono del Giudizio Universale.
I riferimenti musicali non si contano: la psichedelia da garage piu` scalcagnata, una versione urbanizzata del blues vandalico di Beefheart, il free jazz piu` spettrale e caotico, i tribalismi delle popolazioni primitive e la musica concreta vengono rimodernati e fusi con dovizia di contorsioni elettroniche e acrobazie vocali in un balbettio armonico lacerato da bestemmie e lamenti.
Modern Dance e` una pagana rappresentazione della fine.

Con Dub Housing (Chrysalis, 1978), prodotto in maniera piu` professionale, si accentua il tono visionario ma il clima si fa ancor piu` sinistro. La vita di ogni giorno viene ricondotta a un rituale demoniaco, le cui vittime strillano impotenti nel silenzio totale. Tutte le canzoni sono immerse in un'atmosfera di follia e di disperazione. Piu' languido e addolorato del precedente, lontano dagli infuocati climi "industriali", l'album e` il canto della depressione totale, vicino agli umori e alle ombreggiature del cinema espressionista.
Anche laddove non ripudiano il ritmo violento ed epidermico della "danza moderna", i Pere Ubu lo mitigano con arrangiamenti quasi barocchi. Navvy condensa i caratteri del primo disco: epilessi sfrenate, tribalismi psicotici e vocalizzi clowneschi. On The Surface, piu` ragionata, fa leva sul riff snervante del synth e su turbolenze elettroniche.
La discesa nei gironi della stregoneria e dell'horror apporta un nuovo elemento destabilizzante all'interno del gia` denso e composito sound, dove artrosi strumentali e burlette elettroniche, la ritmica devastante e l'urlo cannibale, hanno conservato l'enfasi pazzoide delle "danze moderne". Come in Caligari`s Mirror, visione sulfurea e sketch di vaudeville, orrido-grottesca fantasia-processione di demoni ubriachi intervallata da parentesi di scordature, dissonanze, improvvisazioni, monologhi, che fa coppia con la stridula, psicotica auto-celebrazione del Re ingordo in Ubu Dance Party.
Altrove l'angoscia viene resa attraverso atmosfere di suspence e dilatazioni lisergiche, come in Thriller (un altoparlante che blatera lenti vortici di risonanze acquatiche, sovrainciso a un vocione deforme e a grida d'oltretomba, un pianoforte sfregiato nell'auditorium deserto dalle dita di un fantasma, clangori elettronici, passi veloci che cigolano nel buio, nastri rallentati, rimbombi, suoni e voci sfocate, e i passi sempre piu` vicini...). Codex, coro di pirati dell'oltretomba, costituisce il nadir di questa depressione psichica, di questo atroce "sentimental journey", quando non restano neppure piu` le forze per gli isterismi. Anche il lied dell'assurdo di Dub Housing, in cui il vocalizzo disperato di Thomas e` accompagnato da un sottofondo free jazz di piano e clarinetto, celebra solitudine e fallimento.

Dopo questo insolito omaggio al cinema dai toni oscuri, e` la volta di New Picnic Time (Rough Trade, 1979), il loro lavoro piu` anarchico e disarticolato, dovuto in parte all'amicizia stretta dal complesso con lo psichedelista a riposo Mayo Thompson. Lo stile e` piu` violento e capriccioso, con le liriche, se possibile, ancor piu` surreali e demenziali, e David Thomas a sproloquiare alla grande, candidandosi come miglior vocalist dai tempi dei suoi maestri Beefheart e Buckley.
Opera piu` robusta, che si lega idealmente alla prima, il disco si fregia di alcune delle "danze moderne" piu` grintose e spettacolari del loro repertorio, da Have Shoes Will Walk, baccanale dissennato fino a sfiancarsi, con un gran blaterare di Thomas, pianismi jazz, schitarrate a singhiozzo e disturbi assortiti di synth, a 49 Guitars And One Girl, sul cui sincopato ostinato si dipana la piu` straordinaria performance di Thomas, "Beefheart-iano" e luciferino, da Small Was Fast, danza goliardica di fantasmi, fino all'incalzante inno apocrifo Jehovah's Kingdom Comes, tribalismo da sinagoga con tanto di trombe bibliche che ripropone le atmosfere tenebrose di Dub Housing.
Inaugurano un nuovo filone di demenza patafisica alcuni lied eseguiti con tono sguaiato al limite dell'ubriacatura, con arrangiamento tanto sconnesso quanto essenziale: All The Dogs Are Barking, scandito da tocchi casuali al piano e alla chitarra; A Small Dark Cloud, in cui Thomas e Thompson con la voce e Ravenstine con il sintetizzatore fanno a gara nell'inventare versi da jungla artificiale; Goodbye, la piu` pura catalessi lisergica, con tastiere acide e vocalizzi inintelleggibili; Make Hay, in cui il vocabolario si riduce ad una serie di vagiti, mormorii, cantilene sottovoce e infine a un semplice "hay"; e Voice Of The Sand, che e` ormai soltanto piu` un minuto di pulsazioni primordiali e di bisbiglio arcano. Queste canzoni rallentate come in sogno o in trance, lamenti allucinogeni, stornelli psicopatici, elucubrazioni cupe e sottovoce sullo sfondo di un'inquieta foresta tecnologica (primi vagiti forse delle macchine che piano piano acquistano intelligenza e libero arbitrio) si prosciugano progressivamente fino a lasciare soltanto una traccia molto flebile, quasi impercettibile, della propria identita`. Sono comunque brani che si inseriscono di diritto fra gli esperimenti piu` compiuti della musica da camera d'avanguardia.
Ogni piece e` un contenitore di innumerevoli trovate, effetti, disturbi, gag, divagazioni, intermezzi. L'ensemble riesce ormai a passare con disinvoltura dal brano piu` astratto e rarefatto, dissonante e rumoristico, al sound ricco e possente, feroce e ridondante, delle ballate pseudo-funky. Oltre al possente asse Herman-Ravenstine, il segreto di tanto sconquasso risiede anche negli esperimenti sempre piu` audaci compiuti sul ritmo, ormai al di fuori di qualsiasi tradizione folclorica: la sezione ritmica (Scott Krauss alla batteria e Tony Maimone al basso) si afferma come la piu` originale dai tempi dei Jefferson Airplane.
Il falsetto isterico di Thomas domina dall'alto delle sue criptiche cantilene questa tragedia dadaista in piu` pannelli. Il suo repertorio di "gesti" vocali e` ormai sterminato. Le sue liriche cominciano a mettersi a fuoco, denotando una spiccata religiosita`, ma rimangono le piu` bislacche dai tempi di Beefheart.
In questo disco si delinea chiaramente la transizione in corso dalla musica industriale alla psichedelia visionaria, dalla danza moderna al ritualismo nero.

Il sodalizio fra il gruppo e Thompson culmina con la promozione di questi a membro stabile al posto del dissidente Herman. Con The Art Of Walking (Rough Trade, 1980) i Pere Ubu accentuano la ricerca armonica in direzione psichedelica, moderando il rock and roll brutale e orgiastico dei primi tempi a favore di diagnosi piu` eteree del tremendo nell'evo post-industriale. La musica, pur conservandosi ispida al limite della musicalita`, si sposta verso un farnetico piu` sereno.
Tanto lo spirito gotico quanto lo spirito infantile del disco precedente si dileguano, lasciando in primo piano un tono piu` meditativo. Si possono individuare grosso modo quattro filoni: il primo, l'improvvisazione anarchica, l'estrema rarefazione del suono, dalle trame dilatate e disarticolate di Rhapsody In Pink (borboglii di synth e andatura ubriaca di piano) al dialogo brechtiano di Loop (in un fluttuare anemico di dissonanze), con apice nell'affresco informale di Lost In Art (dove Thomas urla scomposto e Krauss pesta a casaccio su una grancassa e Ravenstine infligge efferate torture alle tastiere); il secondo rappresentato dai brani strumentali, quadretti impressionistici e incubi surreali, cioe` la melodia orientale di Arabia (ripetuta ossessivamente in maniera minimalista dal synth), il piccolo campionario di anti-ritmo e di elettronica distorta di Miles e le frequenze radio di Crush This Horn (un ronzante assolo cageano); il terzo quello della psichedelia animale, quello di Birdies, freneticamente spaventata, e della stupenda Horses, cavalcata di relax accompagnata da un fischiettio metafisico; infine le possenti, goliardiche danze funk di Misery Goats (la piu` vivace e trascinante), di Go, di Rounder.
La maturita` raggiunta consente ai Pere Ubu di pennellare ogni brano con totale padronanza di mezzi e con un'eleganza formale che riesce mirabilmente a non stonare con l'assunto barbarico. Il canto si normalizza, sempre piu` ripiegato nella preghiera e nell'ascesi, mai piu` furibondo o frenetico, e la musica e` dominata dalle tastiere. Se New Picnic Time aveva consacrato Thomas, in The Art Of Walking e` Ravenstine a prendere il sopravvento: il nuovo sound e` caratterizzato soprattutto da un uso sempre piu` creativo delle dissonanze.
Art Of Walking, il loro album piu` perfetto dopo Modern Dance, sancisce decisamente l'avvenuta trasformazione dello stile: il filone iniziale delle ballate esplosive e convulse, anti-ritmiche e anti-melodiche, si e` progressivamente inaridito, mentre la ricerca si e` man mano sviluppata sul fronte psichedelico e rumoristico.

Perso anche Krauss, i Pere Ubu diventano un quintetto con Thomas, Ravenstine, Maimone, Thompson e il percussionista Anton Fier (Feelies, Lounge Lizards).
The Song Of The Bailing Man (Rough Trade, 1983) continua la progressione verso un suono sempre piu` fragile, dimesso e malinconico. Ne risulta un'altra raccolta di aforismi psico-dada privi della forza d'urto e della complessita` armonica del passato. Abbandonata per sempre la forma della "danza moderna", i Pere Ubu ripiegano su un entertainment dell'assurdo che mescola le improvvisazioni vocali di Thomas, le trovate surreali di Thompson, e la fantasia inventiva di tutti, senza mai calcare la mano su alcuno degli elementi. Il contributo di ogni singolo e` nettamente piu` limitato che in passato: l'elettronica di Ravenstine e` la piu` sacrificata, ma anche la voce di Thomas e` decisamente sotto-utilizzata, per quanto assai loquace, e la psichedelia animalesca di Thompson quasi assente. Se a cio` si aggiungono le due defezioni, che di fatto hanno disinnescato la sezione ritmica, la personalita` del gruppo ne risulta perlomeno deformata. Cio` nonostante tutti i brani sono di gran classe, farciti di effetti psichedelici e corroborati da interventi strumentali di prim' ordine: Fier e` responsabile delle sincopi fortemente jazzate di Long Walk Home, con finale bebop alla Lizards, e dei sette torrenziali minuti percussivo-tropicali di A Day Such As This; Thompson di Use Of A Dog, un easy-listening da salotto accoppiato a un ritornello melodico, con bollicine elettroniche e tromba swing in sottofondo, e di West Side Story, una specie di jazz-rock "zappiano" accelerato in modo ridicolo.
Fra i declamati brechtiani piu` esaltanti di Thomas si annoverano la frenetica filastrocca dissonante di Petrified e il recitato libero di Stormy Weather su una moltitudine di rumori inorganici. Rimasugli di "danza moderna" infuocano l'inno kitsch funereo e marziale di Thoughts That Go By Steam, lo strepitoso sketch da varieta` espressionista di Big End's Used Farms e il pomposo delirio a ritmo tribale di Horns Are A Dilemma.
Limate le caratteristiche spigolosita` del suono ubuano, e ridotto il tasso di amfetamina, il sound trova nuovo mordente. Le loro cantilene surreali beneficiano della forza di coesione portata da Fier e dal ritorno alla forma-canzone piu` canonica.

Il processo di disgregazione del gruppo e` pero` inarrestabile. Mentre Thomas inizia i suoi vagabondaggi filosofici e Herman da` vita ai Tripod Jimmie, Krauss e Maimone si affiancano al veterano chitarrista Jim Jones (gia` nei Mirrors e negli Easter Monkeys) e danno vita agli Home And Garden. Il loro primo EP contiene How I Spent My Vacation (1983), uno strumentale camaleontico sullo stile dei primi Soft Machine.
L'album History And Geography (After House, 1984) utilizza arrangiamenti disco-rap prevalentemente tastieristici e liriche surreali per un'immaginaria colonna sonora sui viaggi di Marco Polo che si snoda fra funk esotici e concitati come Voyage Home, parate da circo demenziali come Monkey Town, inni incalzanti alla Patti Smith come King John, liturgie gotiche alla King Crimson come Bells Of Ever And Never e musichette da fiera con organetto psichedelico come King Penguin, probabilmente il capolavoro. L'incalzare dei loro balli e` reminescente della "danza moderna" e le tastiere (a cui si alternano un po' tutti) seguono i principi dell'accompagnamento surreale alla Ravenstine.

Dopo un primo album solista, Frontier Justice (1979), Tom Herman fonda i Tripod Jimmie, un trio che eredita fin dal primo 45 giri, Autumn Leaves (1982), lo spirito piu` autentico della danza grottesca dei Pere Ubu grazie ai ritmi fratturati della sua chitarra e alle poderose linee di basso di Lennie Bove. Then Herman moved to California and, at the end of 1983, formed Otella with Glenn Reynolds on drums, and Reynolds joined the new Tripod Jimmie that began rehearsals for an album that was never completed. Unclaimed Freight (Lenny Line, 1995) collects those rehearsals and other material dating from 1981-87.

L'album Long Walk Off A Short Pier (Do Speak, 1982), registrato all'aperto e dal vivo, ma senza pubblico, dispiega ritmi tropicali, cori di muezzin, pow-wow pellerossa, brani di classica. Il suo show dada si svolge all'insegna della demenzialita` e dell'eterogeneita`, fra un funky minimale alla Talking Heads (Joe Granville, Thank You Very Much) e uno strumentale paleolitico (No Spartans), una ballata demenziale (Empty Seed) e un pastiche heavy-metal sinfonico (Franco-America).

A Warning To All Strangers (All Ball, 1986) e` piu` composto, ma deraglia ancora nella marziale Drunk's Parade e nello pseudo-reggae di Long Walk Off The Short Pier.

David Thomas da` vita al progetto collaterale piu` importante, che presto arrivera` a prevalere su quello del gruppo maggiore.

Nel 1988 la formazione di accompagnamento di Thomas si stabilizza con Cutler, Maimone, Ravenstine, Krauss, Jones, John Kirkpatrick (fisarmonica), e, ribattezzatasi Pere Ubu, incide The Tenement Year. Il disco e` un ritorno grande stile alla danza dell'apocalisse. Intatto il delicato equilibrio fra collasso armonico e struttura, e` diverso soltanto lo spirito: passate le velleita` ribelliste del 1977, domina ora un umore sardonico, un anemico disimpegno da party di intellettuali. Astrattismo visionario e ritmica implacabile celebrano il grottesco e l' eccentrico in orge fantasmagoriche di poesia surreale, fluttuando in universi armonici disgregati.
Ravenstine regna incontrastato dall'alto di invenzioni atonali degne dell'arte di Klee, mentre la fragile indole degli scioglilingua pazzi di Thomas viene iniettata di ritmi poderosi e trasformata in grinta congestionata. La folle baraonda di sax e synth di George Had A Hat, con sovratoni di heavy-metal e intermezzo di bebop da circo equestre, il garage-rock epico, titanico e sinistro di Say Goodbye, propulso da un travolgente tribalismo da "danza moderna", il reggae pomposamente operatico di Rhythm King, il concerto per sibili e fischi a ritmi goliardi da cabaret Something's Gotta Give, Talk To Me, che fonde i blues caracollanti di Beefheart con chitarrismi da surf di spiaggia, sono gli eredi piu` fedeli della grande tradizione del moderno ballabile. E Ravenstine pennella l'arrangiamento stratosferico di We Have The Technology, morbida ballata folk che diventa il loro nuovo inno, tanto demente e tenero quanto tutta la loro carriera.
I nuovi aggiunti danno contributi salienti: Cutler regola il camaleontico tessuto percussivo della ballata pop-psichedelica Hollow Earth; la fisarmonica di Kirkpatrick da` il la` il reel di Busman's Honeymoon, che passa da jam caotiche a melodie malinconiche e marziali, e alla polka dissonante di Miss You; Jim Jones affila uno strumento squillante che incrocia Duan Eddy, Eddie Van Halen e il folk-rock nel tornado chitarristo di Universal Vibration.
Lo spirito non e` mai stato cosi` anarchico, con il batterismo da music hall di Krauss, i rumori di Ravenstine e il vocalismo piu` entusiasta che mai di Thomas. La differenza rispetto agli inizi e` che il loro caos non suona piu` dolente e minaccioso, ma frivolo e quasi domestico. Hanno scoperto di poter esorcizzare la tecnologia prendendola in giro, invece che intessendo odi tragiche alla sua minacciosa potenza.

Cloudland (1989), bandite definitivamente le cantilene psichedeliche e irrobustito il sound con una produzione AOR, e` ancor piu` commerciale. Breath e` un brano radiofonico che prende lo spunto dall'hit dei Police Every Breath You Take, da Buddy Holly e dall'heavy-metal, con un minimo di cacofonie di Ravenstine e ancor meno vaneggiamenti di Thomas. Waiting For Mary (il capolavoro del disco), Race The Sun e Bus Called Happiness, altrettanto frenetiche, estroverse, cadenzate e melodiche, costituiscono l'apice di questo manierismo pop. Un vecchio brano di Laughner, Love Love Love, subisce un trattamento da discoteca che lo trasforma in una macchina di vibrazioni allo stato dell'arte.
E non mancano le ballate d'atmosfera: Monday Night (anemica e stralunata), Cry (fra Jethro Tull e U2), Waltz (la piu` psichedelica). Pochi brani sono abbastanza irregolari da riallacciarsi alla "danza moderna": su tutti il folk-rock con coro beat e rumori demenziali di Lost Nation Road.
Tutti i membri del complesso hanno adeguato il loro stile alla nuova ideologia conservatrice, riducendo al minimo le eccentricita` del sound, e finiscono per suonare pedestri rispetto alla geniale inventiva del passato. E' sconcertante ascoltare Thomas cantare come un soul singer della Top 40.

A line-up with Eric Drew Feldman, Tony Maimone, Scott Krauss and Chris Cutler, Jim Jones and David Thomas is documented on London Texas (1989 - ReR, 2009).

Dopo aver centrato il bersaglio con il revisionismo pop di Cloudland, il complesso piu` importante della new wave tenta di ripetersi con Worlds In Collision (Fontana, 1991). Quattro brani sfondano le porte dell'AOR: Smoke The Barbeque, il singolo, Don't Look Back, Cry Cry Cry, con armonie vocali beat, e l'acustica Oh Caterine; mentre rimasugli di "ballo moderno" affiorano in Life Of Riley e Winter In The Firelands. Ancor piu` leggero e ordinato del precedente, il disco induce a previsioni pessimistiche sul futuro del complesso, che sembra aver rinunciato a sfruttare il suo potenziale di talenti. Nel 1992 Ravenstine abbandona le scene, accettando un lavoro con una aviolinea, e viene rimpiazzato da Eric Drew Feldman (ex Captain Beefheart).

Perso anche Feldman, The Story Of My Life (Fontana, 1993) risulta cosi` debole e fiacco: Wasted, Heartbreak Garage e Louisiana Train Wreck tentano invano di riportare ai climi post-nucleari delle origini; ma il tono medio e` quello futilmente pop di Kathleen e Sleep Walk. Il chitarrista Jim Jones, che adesso suona anche le tastiere, sembra aver detronizzato Thomas.

Intanto al gruppo si e` aggiunto Robert Wheeler, discendente diretto dell'inventore Thomas Alva Edison, che suona sintetizzatori e Theremin, ma anche Maimone gesta presto la spugna.

Datapanik In The Year Zero (DGC, 1996) is a five-album anthology of the early years.

Perso anche Krauss, Ray Gun Suitcase (Tim Kerr, 1995) fa leva su un gruppo affiatato (il chitarrista Jim Jones, il tastierista Robert Wheeler e la bassista Michele Temple, il batterista Scott Benedict). Thomas ritrova il suo registro spastico nell'incalzante filastrocca di Folly Of Youth, scodella un suo classico psicodramma per melodia di basso e rumori snervanti (Vacuum In My Head), pennella una delle sue sub-canzoni che non maturano mai a canzone ma valgono piu` di una canzone (Ray Gun Suitcase). I comprimari dimostrano le loro qualita` nel sottofondo nevrotico di rumori elettronici di Electricity e nel nuovo affresco strumentale dadaista di Horse. Il disco si libra di colpo sulle note di canzoni poderose e appassionate come Beach Boys, Down By The River (un epico garage-rock) e soprattutto My Friend Is A Stooge (un pow-wow assatanato degno dei primi tempi). Ma forse dove i Pere Ubu ripristinano i valori di un tempo e` in Montana, quando Thomas scorrazza ubriaco in una ballata degna del folk slavo contrappuntato da fisarmonica e violoncello. La scienza dell'insignificante continua a scoprire nuove leggi della natura.

Agli alti e bassi dei Pere Ubu fa da contraltare l'attivita` genialmente sregolata di David Thomas, da tempo trasferitosi in Inghilterra.

Il contributo maggiore dei Pere Ubu alla storia della musica e` senz'altro quello della "danza moderna", una forma di ballo mutuata dai rituali primitivi, dal funk, dal garage-rock e dalla musica d'avanguardia. I Pere Ubu hanno dato innumerevoli capolavori in questo genere: Final Solution, Modern Dance, Street Waves, Non-aligned Pact, Caligari`s Mirror, Ubu Dance Party, Have Shoes, Jehova, Small Was Fast, Misery Goats, Big End's, Horns Are A Dilemma, George Had A Hat, Say Goodbye.
Nei primi anni si sono anche dilettati in piece rumoristiche che invadevano esplicitamente il territorio dell'avanguardia: Sentimental Journey, Thriller, Lost in art. Ma quelle velleita` hanno presto lasciato il posto alla vena psichedelica vera e propria di Codex, Goodbye, Small Dark Cloud, Birdies, Horses. A parte si situano gli esperimenti di Thomas sul lied.

La schizofrenia di fondo dell'ensemble, contesa fra i ritmi maniacali di Herman, Krauss e Maimone, e gli eterei astrattismi di Thomas e Ravenstine, ha coniato un nuovo genere di rock, che conserva il realismo selvaggio di Chuck Berry ma e` anche conscio della capacita` della musica di descrivere cio` che in natura non esiste.

Drumhead (Perishable, 1998) is a side-project of noise-jazz instrumental music by Tony Maimone. Most tracks are led by the rhythm section and shrouded in ugly drones.

The landscape of Pennsylvania (Tim Kerr, 1998) is more desolate than apocalyptic. The album marks the return of Tom Herman and the addition of drummer Steve Mehlman. The two join Thomas, Jones, Wheeler and Temple. In Woolie Bullie a steady, industrial beat and a massive caterpillar riff all but obscure Thomas subdued meditation until a loud dissonance pierces the canvas. Drive sounds like a parody of synth-pop with its voodoo tom-tom and gothic Cramps-y guitar. In Urban Lifestyle the band sounds as abrasive as ever, and the percussion is as lively as new wave can be. Both elements are used to superbly creative effect in Mr Wheeler.
The bad news is that Thomas' soliloquies tend to be self-indulgent. Gone is the powerful vocal acrobatics of Modern Dance, replaced by a placid and verbose humming style. The music often stalls, waiting for a snap that will never come, and sinks in swamps of half-hearted improvisation. Silent Spring creates a creepy atmosphere of suspense and alienation. The Duke's Saharian Ambitions is a surreal psychodrama that resurrects part of Thomas' dadaistic folly.
The Pere Ubu stick to the song format and this may be their main limit. They obviously have the instrumental talent and compositional imagination to venture beyond that format.

Apocalypse Now (Thirsty Ear, 1999) is the recording of a 1991 live show. The line-up included Thomas, Jones, Feldman, Maimone, Krauss.

Speaker/Cranker (Holophon, 1999) is a side project by Pere Ubu guitarist Jim Jones (here on keyboards), a collection of improvised acid jams in the vein of Ash Ra Tempel and Popol Vuh. A towering 27-minute Dome Piece ranks among psychedelic rock's most fantastic achievements.

St Arkansas (Spinart, 2002) is a focused and non-indulgent effort, a concept about a businessman traveling across the USA. Phone Home Jonah is a significant addition to the Pere Ubu canon, while the 9-minute Dark is their ultimate psychodrama. In recent years, Thomas has often sounded pretentious, but this time he manages to be truly inspired and mostly to the point.

(Translation by/ Tradotto da Walter Romano)

Drumhead (1998) è un progetto parallelo di musica strumentale noise-jazz di Tony Maimone. Molte tracce sono guidate dalla sezione ritmica e avvolte da un brutto ronzio.

Il panorama di Pennsylvania (Tim Kerr, 1998) è più desolato che apocalittico. L’album segna il ritorno di Tom Herman e l’aggiunta del batterista Steve Mehlman. I due si aggiungono a Thomas, Jones, Wheeler e Temple. In Woolie Bullie un ritmo costante, industriale, e un riff massiccio non oscurano la sommessa meditazione di Thomas, finchè una forte dissonanza non squarcia la tela. Drive sembra una parodia del synth-pop coi tom-tom voo-doo e la chitarra gotica alla Cramps. In Urban Lifestyle la band sembra più graffiante che mai, e la percussione è vivace, in puro stile new wave. Entrambi gli elementi sono determinanti nel risultato superbamente creativo di Mr Wheeler.

La brutta novità è che i monologhi di Thomas tendono ad essere autoindulgenti. Le potenti acrobazie vocali di Modern Dance sono rimpiazzate da uno stile placido e verboso. Silent Spring crea una paurosa atmosfera di suspense e alienazione. The Duke's Saharian Ambitions è uno psicodramma surreale che riesuma in parte la follia dadaistica di Thomas.

I Pere Ubu si attengono al formato-canzone, e questo può essere il loro limite prncipale. Hanno ovviamente il talento strumentale e la fantasia compositiva per spingersi oltre quel formato.

Apocalypse Now (1999) è la registrazione di un concerto live del 1991. La formazione includeva Thomas, Jones, Feldman, Maimone, Krauss.

Speaker/Cranker (1999) è un progetto parallelo del chitarrista dei Pere Ubu Jim Jones (qui alle tastiere), una raccolta di acid jams improvvisate nello stile di Ash Ra Tempel e Popol Vuh. L’imponente Dome Piece (27 minuti) si segnala tra le vette più alte del rock psichedelico

St Arkansas (2002) è un’opera mirata e non indulgente, un concept album su un uomo d’affari in viaggio attraverso gli Stati Uniti. Phone Home Jonah è una aggiunta significativa allo stile dei Pere Ubu, mentre Dark (9 minuti) è il loro psicodramma definitivo. Negli ultimi anni Thomas era spesso sembrato presuntuoso, ma stavolta riesce ad essere sinceramente ispirato e perlopiù coerente.

Why I Hate Women (Glitterhouse, 2006), featuring new guitarist Keith Moline, seems to turn its attention to the American province. Thomas' spleen (existential melancholia) ditches its metaphysical dimension for a more suburban, rural, provincial dimension in the "modern dance" of Texas Overture, the hysterical rock'n'roll of Caroleen, the dadaistic nonsense of Babylonian Warehouses, the emotional abstract soundpainting of Two Girls. Thomas' vocals dominate the proceedings, although Robert Wheeler's theremin frequently interjects. Overall, however, this is still Thomas' personal show. Less successful are the longer songs, such as Love Song and Blue Velvet, whose aimless detours are just that. Mona and My Boyfriend's Back are not covers of the famous oldies. (Translation by/ Tradotto da Alessandro Capuano)

Why I Hate Women (Glitterhouse, 2006), che vede la partecipazione del nuovo chitarrista Keith Moline, sembra volgere lo sguardo alla provincia americana. La malinconia esistenziale di Thomas abbandona la sua dimensione metafisica per una dimensione più suburbana, rurale, provinciale, nella "danza moderna" di Texas Overture, l'isterico rock'n'roll di Caroleen, il nonsense dadaista di Babylonian Warehouses, l'emozionante e astratta tela sonora di Two Girls. Il canto di Thomas dirige l'operazione, nonostante il frequente intervento di teremin da parte di Robert Wheeler. Nel complesso, comunque, si tratta ancora dello show personale di Thomas. Meno riusciti i brani più lunghi, come Love Song e Blue Velvet, inutili variazioni fini a se stesse. Mona e My Boyfriend's Back non sono cover degli omonimi vecchi successi.

Rocket From The Tombs reunited for Barfly (2011): Richard Lloyd, David Thomas, Cheetah Chrome and Craig Bell.

Pere Ubu's Lady From Shanghai (Fire, 2013), their least inspired album yet, featured Thomas, Keith Moline (guitar), Robert Wheeler (synthesizers and electronics), Gagarin (piano and organ), Michele Temple (bass), Steve Mehlman (drums) and Darryl Boon (clarinet). Mandy is the "modern dance" du jour.

Tim Wright died in 2013.

Carnival of Souls (2014) contains the twelve-minute Brother Ray, ostensibly a reference to rock's all-time masterpiece, the Velvet Underground's Sister Ray, but in reality an ineffective pompous piece of spoken-word art.

Allen Ravenstine recorded two albums in 2012 with fellow keyboardist Robert Wheeler: Farm Report (Blue Jet Corporation) and City Desk (Blue Jet Corporation), including the 19-minute Comet Report. Ravenstine's first solo album was The Pharoah's Bee (ReR, 2015), played on theremin and synthesizer, notably the eleven-minute Star Crossed in the vein of early Morton Subotnick and Jon Appleton. Terminal Drive (2017) contains a 1975 composition. Waiting for the Bomb (2018) was recorded with a band, as conventional as something from Ravenstine can be (drums, piano and brass).

Maimone joined Battle of Mice, formed by Julie Christmas, and guitarist Josh Graham of Red Sparowes, that released A Day of Nights (2006). At the same time Maimone formed the Book of Knots with drummer Matthias Bossi, guitarist Joel Hamilton, and violinist Carla Kihlstedt (Tin Hat Trio, Sleepytime Gorilla Museum) that released three albums: The Book of Knots (Arclight, 2007), Traineater (Anti, 2007) and Garden of Fainting Stars (Ipecac, 2011). Tony Maimone played synthesizer on MRT, ST (2019), a collaboration with saxophonist Marcus Cummings and guitarist Ruben Maher.

(Translated by Liala)

I Rocket From the Tombs si riunirono per Barfly (2011): Richard Lloyd, David Thomas, Cheetah Chrome e Craig Bell.

Lady from Shangai (Fire, 2013) dei Pere Ubu è il loro album meno ispirato fino a questo momento. Opera di Thomas, Keith Moline (chitarra), Robert Wheeler (sintetizzatori ed elettronica), Gagarin (piano e organo), Michele Temple (basso), Steve Mehlman (batteria) e Darryl Boon (clarinetto). Mandy è la ‘’modern dance’’ du jour.

Tim Wright è morto nel 2013.

Carnival of Souls (2014) ha al suo interno Brother Ray, lungo quattordici minuti. Dovrebbe essere un riferimento a Sister Ray dei Velvet Underground, capolavoro del rock di tutti i tempi. Ma in realtà è un pomposo e inefficace pezzo di arte spoken-word.

Allen Ravenstine registrò due album nel 2012 con il tastierista Robert Wheeler: Farm Report (Blue Jet Corporation) e City Desk (Blue Jet Corporation), che include Comet Report, pezzo di diciannove minuti di durata. Il primo album da solista di Ravenstine fu The Pharaoh’s Bee (ReR, 2015), che gioca sui theremin e i sinterizzatori. Degna di nota la traccia di undici minuti Star Crossed, che ricorda Jon Appleton e il primo Morton Subotnick. Terminal Drive (2017) contiene un brano del 1975. Waiting for the Bomb (2018) è stata registrata con una band, dall’assetto convenzionale così come può esserlo qualche cosa che proviene da Ravenstine (batterie, piano e ottone).

Maimone è entrato a far parte dei Battle of Mice, guidati da Julie Christmas, che hanno rilasciato A Day of Nights (2006). Allo stesso tempo, Maimone formò i Book of Knots con il batterista Matthias Bossi, il chitarrista Joel Hamilton e la violinista Carla Kihlstedt (Tin Hat Trio, Sleepytime Gorilla Museum). Il gruppo ha rilasciato tre album: The Book of Knots (Arclight, 2007), Traineater (Anti, 2007) e Garden of Fainting Stars (Ipecac, 2011). Tony Maimone ha usato il sintetizzatore in MRT, ST (2019), una collaborazione con il sassofonista Marcus Cummings e il chitarrista Ruben Maher.

Pere Ubu's line up on 20 Years In a Montana Missile Silo (Cherry Red, 2017) was: David Thomas on vocals, Robert Wheeler on electronic keyboards, Michele Temple on bass, Steve Mehlman on drums and rotating guitarists (mainly Keith Moline'). The album contains a lively reprise of their "modern dance" in Monkey Bizness, as well as the punkish rock'n'roll of Red Eye Blues and Swampland. These three songs could have been a well-focused EP. But the album also contains the clarinet-tinged eerie atmospheres of The Healer and I Can Still See that belong to Thomas' abstract art; and then also the slanted, syncopated Funk 49 and the horror blues number Howl. It's a confused collection with too many weak songs.

The heavily electronic The Long Goodbye (Cherry Red, 2019) relies on an arsenal of drum machines and electronic keyboards, played and programmed by Wheeler, Graham "Gagarin" Dowdall and Thomas himself. Atmospherically, it's the ultimate "noir" album. Musically, it returns to trademark Pere Ubu-esque practices like the cacophony of Who Stole The Signpost? and the grotesque Dada spirit of The World (As We Can Know It). Unfortunately, Thomas can't resist a lengthy recitation in the nine-minute The Road Ahead, whose music is a trivial electronic soundtrack. His rambling is easier to digest with the castrated hard-rock of Flicking Cigarettes At The Sun and the slow funereal fanfare of Lovely Day. Out of context, the pounding What I Heard On The Pop Radio harkens back to the dance-punk of the 1980s, but one suspects that this user-friendly song is the very reason for the existence of the album. However, this Pere Ubu line-up found a truly original sound, more like a new beginning than an ending.

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