St Vincent

St Vincent, the project of New York-based singer-songwriter and multi-instrumentalist Annie Clarke, debuted with Marry Me (Beggars Banquet, 2007). Her artistic manifesto Now Now is a complex clockwork of digital and acoustic arrangements, a post-everything (hip-hop, soul, pop, glitch and rock) kind of recombinant compound. Jesus Saves I Spend replicates the architectural miracle erecting a spiraling merry-go-round around childish vocal harmonies. After undergoing her kind of musical surgery the soul ballad Marry Me a` la Macy Gray does not "look" like a soul ballad at all. The rocking and passionate The Apocalypse Song sounds like Alanis Morissette with a surreal instrumental interlude.
She couples simple, elegant and charming melodies with the most acrobatic mood shifts and sonic contrasts. Your Lips Are Red begins with little more than pow-wow drumming but, by the end, it has picked up industrial clangor, acoustic fingerpicking, Middle Eastern strings and dissonant piano. Paris Is Burning begins with flamenco guitar but, by the end, it has mutated into a Weill-ian waltz for Brecht-ian theater. The mellow pop ballad All My Stars Aligned is Burt Bacharach at his most moronic, but then the song suddenly changes tone and rhythm, propelled by martial drums and manic cello. The nocturnal bluesy lounge shuffle Landmines is redeemed by vintage sound effects, exotic guitar and neoclassical harp.
The album ends with the two songs (Brazilian bossanova of Human Racing, the orchestral pop elegy What Me Worry) that take their genres seriously, and it's a dangerous artistic move, albeit a commercially sensible one.
Nonetheless, the firepower of the arrangements is impressive enough to conceal whatever mainstream motivations the artist might have.

Actor (4AD, 2009) opens with one of her typical melodies, not only catchy but also disarmingly elegant: The Strangers. It's like hearing a young Kate Bush without the art-rock attitude. Even when her inspiration is not quite up to the task, as in The Neighbors and The Bed, she still pens grand arias worthy of Broadway musicals.
Several songs display a more "robust" structure. She employs syncopated hard beats for the gospel Save Me From What I Want. She abandons her discreet charm to plunge into a pummeling hybrid of hard rock and industrial music in Actor Out Of Work that would have done well on Sugarsmack's album.
The arrangement is a bit less creative than on the debut album, but can still steal the show. The pastoral neoclassical adagio Black Rainbow is the best example. The relatively lengthy Just The Same But Brand New is mainly about the oneirically floating instruments. Even when she moves dangerously close to Bjork's territory, like in Marrow, the soundscape's dynamics can become so overwhelming to obscure the similarities. The lounge ballad The Party eventually drowns in a sea of strings and choir. Nonetheless, there is no denying that some of the first album's magic is gone. What is particularly missed is her art of metamorphoses.

The songs of Strange Mercy (4AD, 2011) feel more physical than before, if not more eccentric and experimental. The spectral, strutting, martial Cheerleader, the energetic and syncopated Chloe in the Afternoon, the rousing tribal crescendo of Northern Lights funnel a broad spectre of techniques into simple melodic ditties. This album is permeated by a sense or a quality of history. It represents the moment when punk ethos, pop tradition and noise aggresion collide and neutralize each other. Like most singer-songwriters, she takes her lyrics too seriously. If she could see them for what they are (mere sounds), she would focus more on structure, vocalization and arrangement (like she briefly does in the jazztronica of Surgeon, with an excellent guitar solo, and in the synth-pop lullaby Cruel), and probably fly a lot higher.

Love This Giant (2012) was a collaboration with David Byrne.

The stylistic metamorphoses of Annie Clark on St Vincent (Loma Vista, 2014) are mindboggling. She begins with the stuttering electronic beat Rattlesnake and feverish James Brown-ian funk swagger; then takes a detour into the angular, hard-rocking Birth In Reverse, before reviving the romantic ballad of the 1950s in Prince Johnny. She hops from trip-hop (I Prefer Your Love) to Afro-samba (Bring Me Your Loves) and from Kate Bush-ian balladry (Severed Crossed Fingers) to disco-punk of the 1980s (Every Tear Disappears).
Sometimes the changes occur within the same song, and without the slightest shock. She impersonates the pop diva in the first half of Huey Newton and a wicked crunchy Joan Jett in its second half. Psychopath turns Lou Reed's existential boogie into a rousing romantic anthem. It is an impressive demonstration of mastery, confidence and focus.

With the exception of the single New York, a meditative mournful song, and a couple of intimate elegies (Hang on Me, Happy Birthday Johnny), Masseduction (2017) is embroiled in loud and sleek synth-pop. Masseduction, Young Lover, Pills and Los Ageless (the catchiest) sound like Lady Gaga without the pop hooks, or Billy Idol without the hysterical fits. At least Sugarboy evokes the silly dance-punk of Berlin (the 1980s band), but again without the refrains. Only Fast Slow Disco (the remixed version of Slow Disco released in 2018) seems to know a way to turn this mess of fashionable beats and screams into a coherent act. But not on this album.

St Vincent, il progetto della singer songwriter e polistrumentista di New York, Annie Clarke, ha debuttato con Marry Me (Beggars Banquet, 2007). Il suo manifesto artistico Now Now e’ un complesso meccanismo di arrangiamento acustico e digitale, una specie di post-tutto (hip-hop, soul, pop, glitch e rock) di componenti  ricombinanti. Jesus Saves I Spend replica il miracolo architettonico erigendo una giostra a spirale attorno ad infantili armonie vocali. Dopo essere stata sottoposta alla sua specie di chirurgia musicale la ballata soul Marry Me a’ la Macy Gray non “sembra” neanche una ballata soul. La rockeggiante e passionale The Apocalypse Song suona come Alanis Morissette con un surreale intermezzo strumentale. Abbina semplici, eleganti e affascinati melodie con i piu’ acrobatici cambi d’umore e contrasti sonori. Your Lips Are Red inizia con poco piu’ che una batteria pow-wow ma, alla fine, ha raccolto clangore industriale, fingerpicking acoustico, archi mediorientali e piano dissonante. Paris Is Burning parte con una chitarra flamenco ma, alla fine, e’ mutata in un valzer Weill-iano per teatro Brecht-iano. La dolce ballata pop All My Stars Aligned e’ Burt Bacharach al suo massimo demenziale, ma in seguito la canzone cambia improvvisamente tono e ritmo, sospinta da batteria marziale e violoncello maniacale. Il notturno shuffle bluesy-lounge Landmines e’ redento da effetti sonori vintage, chitarra esotica e arpa neoclassica. L’album termina con le due canzoni (il bossanova brasiliano di Human Racing, l’orchestrale elegia pop What Me Worry) che prendono sul serio il proprio genere, ed e’ una mossa artistica pericolosa, benche’ sensata dal punto di vista commerciale. Ad ogni modo, la potenza di fuoco degli arrangiamenti e’ impressionante abbastanza da nascondere qualsiasi intenzione mainstream l’artista possa avere.

Actor (4AD, 2009) apre con une delle sue tipiche melodie, non solo orecchiabile ma anche di un’eleganza disarmante: The Strangers. E’ come ascoltare Kate Bush privata della posa art-rock. Anche quando la sua ispirazione non e’ all’altezza della situazione, come in The Neighbors e in The Bed, compone ancora grandi arie degne dei musical di Broadway. Diverse canzoni mostrano una piu’ "robusta" struttura. Impiega forti ritmi sincopati per il gospel Save Me From What I Want. Abbandona il suo charm riservato per immergersi in un ibrido di hard rock e musica industriale che si prendono a pugni in Actor Out Of Work che avrebbe fatto una bella figura in un album degli Sugarsmack. L’arrangiamento e’ un po’ meno creativo rispetto all’album di debutto, ma riesce ancora a rubare la scena. Il pastorale adagio neoclassico Black Rainbow e’ il migliore esempio. La relativamente lunga Just The Same But Brand New e’ principalmente basata sugli strumenti oniricamente fluttuanti. Anche quando si sposta pericolosamente vicino ad un territorio Bjork-iano, come in Marrow, le dinamiche del paesaggio sonoro riescono a diventare cosi’ travolgenti da oscurare le somiglianze. La lounge ballad The Party alla fine annega in un mare di archi e coro. Tuttavia, e’ innegabile che parte della magia del primo album e’ andata via. Quello che si e’ perso in modo particolare e’ la sua arte di metamorfosi.

Le canzoni di Strange Mercy (4AD, 2011) sembrano piu’ fisiche di prima, se non piu’ eccentriche e sperimentali. La spettrale, impettita e marziale Cheerleader, l’energica e sincopata Chloe in the Afternoon, il travolgente crescendo tribale di Northern Lights incanalano un ampio spettro di tecniche dentro semplici canzoncine melodiche. Quest’album e’ permeato da un senso o da un valore storico. Rappresenza il momento in cui ethos punk, tradizione pop e aggressivita’ entrano in collisione e si neutralizzano a vicenda. Come molte singer-songwriters, prende i suoi testi troppo sul serio. Se potesse considerarli per quello che sono in realta’ (un mero suono), si concentrerebbe di piu’ su struttura, vocalizzazione e arrangiamento (come fa brevemente nella jazztronica di Surgeon, con un eccellente solo di chitarra, e nella ninnananna synth-pop Cruel), e probabilmente volerebbe molto piu’ in alto.

Love This Giant (2012) e’ una collaborazione con David Byrne.

Le metamorfosi stilistiche di Annie Clark su St Vincent (Loma Vista, 2014) sono sconvolgenti. Parte con il beat elettronico balbettante Rattlesnake e febbrile spacconeria funk James Brown-iana; in seguito fa un’incursione nella spigolosa, hard-rocking Birth In Reverse, prima di far rivivere la romantica ballata degli anni ‘50 in Prince Johnny. Balza dal trip-hop (I Prefer Your Love) all’Afro-samba (Bring Me Your Loves) e dalle ballate in stile Kate Bush (Severed Crossed Fingers) al disco-punk degli anni ‘80 (Every Tear Disappears). A volte i cambi avvengono all’interno di una stessa canzone, e senza il minimo shock. Impersona la diva pop nella prima meta’ di Huey Newton e una malvagia e crunchy Joan Jett nella sua seconda meta’. Psychopath trasforma il boogie esistenzialista di Lou Reed in un trascinante inno romantico. E’ un impressionante dimostrazione di maestria, disinvoltura e focalizzazione.

Escluso il singolo New York, una lamentosa canzone meditativa, e un paio di elegie intime (Hang on Me, Happy Birthday Johnny), Masseduction (2017) e’ imbrigliato in un synth-pop rumoroso e lucidato. Masseduction, Young Lover, Pills e Los Ageless (la piu’ orecchiabile) suona come Lady Gaga senza i “ganci” pop, o Billy Idol senza crisi isteriche. Almeno Sugarboy rievoca lo sciocco dance-punk dei Berlin (band degli anni ‘80), ma ancora una volta senza i ritornelli. Solo Fast Slow Disco (la versione remix di Slow Disco pubblicata nel 2018) sembra trovare un modo per trasformare questo ammasso di beat alla moda e urli in un atto coerente. Ma non su questo album.

Se l'album precedente era una sorta di tributo al synth pop degli anni '80, Daddy's Home (2021), di nuovo prodotto da Jack Antonoff, sembra un tributo al soul orecchiabile ed al funk muzak degli anni '70. Più che altro, l'album serve suoni sofisticati e malinconici. Canzoni emblematiche sono la disinvolta e grandiloquente Down and Out Downtown con flauto, corni, corde, coro e persino sitar; l'incalzante coretto orchestrale Live in the Dream, una versione lenta dei tardi Pink Floyd; e la più elettronica Down con un trascinante coro femminile ed un vibrante ritmo synth-pop. At the Holiday Party si apre con un'elegia Joni Mitchell-iana che si trasforma in un latin-jazz da cocktail lounge e finisce con un botta e risposta gospel. Somebody Like Me inizia con una chitarra stile folk che svela poi una melodia Burt Bacharach-iana, impreziosita da glissando hawaiiani scivolanti. Ci sono anche momenti leggeri: la cabarettistica Daddy's Home, la parodia operistica My Baby Wants a Baby (che ricorda 9 to 5 di Sheena Easton), e la clownesca, quasi rap e quasi David Bowie, Pay Your Way in Pain. L'album si chiude con la torch ballad Candy Darling, la canzone retrò-nostalgica per eccellenza. C'è sicuramente un'attenzione scrupolosa ai dettagli negli arrangiamenti, un'eleganza quasi classica, e la sua voce è maturata in uno strumento versatile, ma c’è anche un sacco di già visto nelle melodie.